Mi presencia cultural en la web

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-30T23:27:00.000-07:00

HANEKE EXPERTO EN EL HORROR, MUESTRA DONDE VIVE EL MAL
El mal tiene lugar en Cannes después de “AntiChrist” de Lars von Trier, hay ahora dos puntos resaltantes en la Competencia: "Das weiße Band" de Michael Haneke y la excelente "À l'origine" de Xavier Giannoli. Y el director Haneke ("Funny Games") por primera vez ventila su secreto del origen de la violencia.

La gran discusión en Cannes alrededor de la pregunta, si tiene que estar una película alemana en la competencia o no, puede ser finalmente contemplado, aún cuando el director Michael Haneke es austriaco y la mitad del financiamiento proviene de Austria, Francia e Italia, Una película alemana como "Das weiße Band" será difícil de dejarse encontrar.

Esto no yace puramente sobre que él ha filmado en Alemania con actores alemanes. Esto es, exceptuando la versión cinematográfica “Das Schloß” de Kafka (“El Castillo”, 1997), la única película de Haneke, la cual no transcurre en la actualidad, sino en 1913-14, en los últimos meses de paz antes de la Primera Guerra Mundial.

Este gran exterminio de población no podría distanciarse tanto a la vida pacifica de un pueblo en el norte alemán de la profunda llanura. La cámara muestra en uno el contraste penetrante del blanco y negro en toda la tranquilidad de los campos ondulantes sobre un horizonte sin fin, en el pequeño pueblo, donde no hay ni un centímetro de asfalto, y la bicicleta es el más moderno medio de locomoción, es todo como siempre fue y aparentemente continuará así los próximos 100 años.

Haneke no sería Haneke, sino incluyera lo maligno en este idilio fracturado. El doctor del pueblo sufre una importante herida al caerse de un caballo, causado por un alambre tirante sujeto entre los árboles, haciendo que el caballo cayera. No es el único acontecimiento misterioso, una obrera muere al trabajar con una sierra, una cosecha es destruida, un joven con discapacidad mental es cruelmente torturado.

El mal tiene lugar en Cannes. En “AntiChrist” de Lars von Trier (tres días y seis películas de la competición después, aún es el tema de todas las discusiones) posee una dimensión psicoanalítica e histórica, en la película sobre Ivan El Terrible: “Tsar” de Pavel Lungin va en aumento a partir de la fe supersticiosa, en “Kinatay” de Brillante Mendoza se entreteje del hastío moralista de la mega-ciudad y en "Drag me to Hell" de Sam Raimi existe, porque esto lo pintan en la pantalla simplemente cool, abriendo la garganta del infierno.

"Das weiße Band" es el otro caso, la repentina intrusión del mal estaba -desde “Benny’s Video” hasta “Caché”- siempre una constante en la obra de Haneke. El austriaco siempre ha evitado dar explicaciones, Las explicaciones que han tratado de dar esos dos comedidos monstruos en “Funny Games” han sido divertidas.

Haneke evita también finales con un significado. Aún hoy cuatro años después que los debates en Cannes empezaron, se escuchó diferentes teorías al respecto, de quién vienen los videos amenazadores en “Caché”. E igualmente al inicio de "Das weiße Band", el narrador dice - el profesor del pueblo - como los misteriosos sucesos de aquel entonces, incluso en retrospectiva aún comparecen.

Por el contrario Haneke sugiere a los espectadores una solución probable. Él está vez también brinda una explicación plausible para el origen a la violencia, Se declara en la obra desde la primera hasta la última escena vista en la pantalla.

En este pueblo podemos encontrar la no santa coexistencia del idilio pastoral y las estructuras represivas. El amable doctor (Rainer Bock) que salva de la muerte por enfriamiento a unos pequeños niños, pero trata a su ama de llaves en una forma despreciable.

El respetado hacendado (Ulrich Tukur), que celebra la fiesta de la cosecha sin escatimar en gastos y se beneficia de su posición desconsideradamente. El devoto pastor (Burghart Klaußner) que se preocupa por sus ovejitas, y también propina castigos sin medida a su joven hijo, en las noches ata las manos al costado de la cama, la hija debe llevar una cinta blanca en el cabello, como recordatorio de la virtud, lo blanco, senda de la cual se desviaron.

Ahora es el pensamiento sumiso a la autoridad como una explicación para la Primera (y Segunda) Guerra Mundial muy lejos de ser novedoso, desde el “tema” hasta “en el occidente no hay nada nuevo"; no obstante difícilmente nunca lo hemos visto así analizadas en las más pequeñas unidades del pueblo y de la familia-comunidad. La película está ausente sin embargo de la fuerza hipnótica del mejor Haneke, sin embargo, el estilo del filme por limitado en su conjunto, parece mejor funcionar mejor como un gran tableaux.

Leer crítica en su versión original

AUTOR: Hanns-Georg Rodek

FUENTE: Die Welt

FOTO: Les Films du Losange

TRADUCCIÓN: Ruth Patricia Ramos
EDICIÓN: Emanuel Ramos

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-25T10:13:00.000-07:00

CRÓNICA FINAL DE ESTE FESTIVAL CANNOIS DEL ESPAÑOL CARLOS BOYERO

Palma de Oro a la lucidez de Haneke

La presidenta del jurado de la sección oficial era Isabelle Huppert, esa enorme e inquietante actriz especializada en personajes turbios. El director Michael Haneke le ofreció en La pianista uno de los más memorables de su brillante carrera y ella correspondió al regalo bordando a aquella atormentada masoquista. La química era torrencial entre los torturados universos del creador y su actriz. Consecuentemente, lo más lógico es que la Huppert se sintiera predispuesta y fascinada por la película de Haneke Das weisse Band y que tratara de influir para que ésta se llevara la codiciada Palma de Oro. En cualquier caso, la mayoría de los espectadores que hemos asistido a esta nada exuberante edición de Cannes teníamos bastante claro que Das weisse Band era lo más perturbador, profundo y magnético que habíamos presenciado aquí.

Haneke disecciona los orígenes del nazismo haciendo el retrato de las tensiones, la violencia subterránea, las disimuladas taras, la podredumbre moral que habita en un pueblo de la Alemania del norte en los años anteriores a la primera guerra mundial. Se centra obsesivamente en el mundo de los niños, educados en el autoritarismo, la hipocresía de las normas de conducta, el castigo implacable y el miedo. Muestra con la acerada frialdad que caracteriza su cine las relaciones de poder que establecen los adultos, regidas por la corrupción, y la ocultación de las miserias y su influencia en los críos, que utilizan como espejo ese modelo para juegos perversos en los que está abierta la veda para machacar a los débiles, en los que la fuerza justifica todo tipo de ignominias. Haneke construye con densidad emocional y una atmósfera desasosegante un microcosmos del horror, cuyas consecuencias se dan pavorosamente evidentes cuando esos niños se hagan mayores y encuentren el refugio de una ideología en la que volcar sus frustraciones, su ira y sus viejos fantasmas. Lo que observamos, escuchamos e intuimos en Das wisse Band te impresiona, te revuelve y se agiganta al recordarla.

El gran premio del jurado a la película de Jacques Audiard Un profeta supone el reconocimiento al cine narrativo y de suspense, al que te mantiene en vilo en el espacio claustrofóbico y asfixiante de una cárcel, regida por los mismos mecanismos del mundo exterior, o sea, por la eterna lucha de clases. Audiard dispone de un guión complejo al que dota de imágenes con fuerza. Está muy lograda la descripción del aprendizaje para sobrevivir en esa jungla humana de un chaval árabe, analfabeto y vulnerable, que se pone al servicio de la mafia corsa, el tributo de humillación y de degradación que tendrá que pagar, la dolorosa recuperación de sus señas de identidad.

Se supone que la película de Tarantino Malditos bastardos la protagoniza Brad Pitt, pero cuando ésta alcanza auténtico atractivo y gracia es cada vez que aparece un sibilino coronel de la SS con la misión de cazar judíos. Ese inolvidable villano está maravillosamente interpretado por Cirstoph Waltz. Es muy positivo que hayan concedido el galardón a un actor que aparentemente ejerce de secundario, que roba el plano a la estrella y al que estás deseando ver y oír. Charlotte Gainsbourg se mete en la piel y en el desquiciado cerebro de una mujer poseída por el diablo en la ridícula provocación y el exceso gratuito que pretende el genialoide Lars von Trier en Anticristo. Es el tipo de papel histriónico que siempre entra en la quiniela de los premios. Y ella se presta encantada a hacer todas las barbaridades que le exige el demente director. Su recital de griterío, gestos enloquecidos, sadismo y automutilación, más el meritorio esfuerzo de andar desnuda por un bosque, se ha visto recompensado por el jurado. Que le aproveche.

En el terreno de los disparates está el premio al mejor director al filipino Brillante Mendoza, cuya mayor audacia consiste en oscurecer la pantalla hasta el extremo de que los espectadores sólo podemos intuir lo que está ocurriendo. Kinatay dedica dos horas interminables al rapto, tortura y despedazamiento de una puta que llevan a cabo los chulos, a los que acompaña un estupefacto y aterrado aspirante a policía. Poseer certificado de rarito y de exótico, utilizar un lenguaje experimental para contar algo de forma ininteligible, ayuda mucho en el palmarés de los festivales.

Tampoco entiendo los criterios de calidad en los que se basa el premio al mejor guión a la china Spring fever, retrato caótico de la pasión erótica entre un señor casado y un chico muy moderno de Nankin. Tal vez lo hayan hecho para reconocer la valentía del director Lou Ye por algo tan transgresor en el cine chino como mostrar a dos hombres haciendo todo el rato malabarismos sexuales, pero de ahí a pensar que es un relato bien urdido supone un injustificable anacronismo. Igualmente sigo sin pillarle el punto artístico al cura coreano que se transforma en vampiro en Thirst, dirigida por Park Chan-Wook, alguien tan imaginativo en los planteamientos como tosco en los desarrollos. Mi incomunicación con el cine oriental, con algunas gloriosas excepciones, es tan ancestral como lamentable. Nunca acabo de comprender lo que pretenden contarme. La culpa es de mi embrutecida sensibilidad occidental.

Ha sido un certamen grisáceo y decepcionante, aunque abundaran los directores con pedigrí. Algo preocupante ya que Cannes puede elegir lo más exquisito del mercado. No han aparecido esas películas que dejan con la boca abierta al personal, algo que hace casi siempre memorable al rey de los festivales. Si esto es lo mejor que puede exhibir el cine actual, habrá que pensar que ha pillado la gripe. Ojalá que se recupere pronto.

AUTOR: Carlos Boyero
FUENTE: El País
FOTO: Reuters

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-25T08:53:00.000-07:00

El CRÍTICO DE CINE ARGENTINO DIEGO BATTLE, DESDE LA CROISETTE HACE UN RECUENTO FINAL DE LO QUE FUE CANNES 2009

Los apuntes personales a modo de balance y el top 30 del festival

The White Ribbon, regreso al cine alemán de Michael Haneke, con el retrato de una comunidad protestante poco antes del inicio de la Primera Guerra Mundial, se quedó con la Palma de Oro de la 62ª edición del principal festival del mundo. Aquí van 20 impresiones personales que dejó la cobertura y las 30 películas que valieron la pena en estos 12 días de buen cine, negocios, glamour y reencuentro con amigos de todo el mundo.

20 apuntes para un balance

1. Con 43 películas vistas sobre un total de 80 entre las secciones oficiales y la Quincena de Realizadores (no cuento la Semana de la Critica, cuya influencia suele ser poca) el balance, además de obviamente subjetivo, es muy parcial. Vi las 20 de competencia, 5 de las funciones especiales fuera de concurso, 9 de las 20 de Un Certain Régard y sólo 9 de las 24 de la Quincena de Realizadores.

2. Hecha la aclaración, considero que el nivel artístico general de este año fue entre bueno y muy bueno (siguiendo con las calificaciones que tanto incomodan o enojan a varios lectores, le pondría un puntaje promedio general de 7,5).

3. Sin entrar en contradicción con el punto anterior, creo que hubo pocas sorpresas. Me perdí varias de la Quincena (incluída la que para muchos fue la “sensación” de este año J’ai tué ma mère, del canadiense Xavier Dolan), pero hubo pocas de esas películas de directores desconocidos que todos recomiendan con entusiasmo en los pasillos, filas y cafés.

4. En cambio, muchos directores que ya habían pasado por Cannes ratificaron por qué están entre la élite de la cinefilia internacional.

5. Me sorprendió una vez más (ya van tres o cuatro años seguidos) el gran nivel de Un Certain Régard: ninguna de las 9 películas que vi me disgustó y las dos mejores (Porumboiu y Raya Martin) se vieron allí.

6. La Quincena apostó –y no le fue mal- por cuatro grandes ejes: la nouvelle vague de Québec (tres películas), las comedias indies norteamericanas (tres títulos), los consagrados (Hong Sang-soo, Pedro Costa, Luc Moullet) y, claro, el habitual mix entre novatos y veteranos franceses.

7. La selección oficial se jugó mucho por los géneros (terror, comedias, acción, thrillers) y, en ese sentido, se pudieron ver buenos films de Jacques Audiard, Quentin Tarantino, Sam Raimi, Park Chan-wook, Brillante Mendoza, etc.

8. La competencia principal tuvo tres elecciones vergonzosas (Gaspar Noé, Lars Von Trier e Isabel Coixet) y al menos otros films menores (Lu Ye, Ang Lee y Ken Loach). De todas maneras, el saldo no es malo, aunque faltó un poco más de riesgo.

9. El cine rumano, a pesar de haber sido relegado a Un Certain Régard, volvió a lucirse con Porumboiu y con el film colectivo liderado por Mungiu.

10. Muchos hablaron de una mala performance del cine coreano, pero a mí las películas de Park Chan-wook, Hong Sang-soo y Bong Joon-ho, sin ser las mejores de sus respectivas carreras, me gustaron mucho.

11. Si Rumania, Filipinas o Corea ratificaron su estatus de cinematografías de moda, la Argentina -que había sido una vedette en 2008- retrocedió este año por lo menos un par de casilleros. Preocupante y, esperemos, transitorio.

12. Si bien Colombia, Uruguay, Chile, Brasil y México sí tuvieron largometrajes en varias secciones, no fue un buen año para el cine latinoamericano. Más allá de algunas buenas críticas, no hubo “ruido” ni premios para las representantes de la región.

13. Aunque no es de lo mejor de Pixar, la apertura con Up en digital 3D me pareció un hallazgo (no se olviden que aquí inauguraron engendros como El Código Da Vinci, Fanfan La Tulipe o Ceguera). Además, los productores nos invitaron a la fiesta de apertura (lo que no suele ocurrir con periodistas tercermundistas).

14. Tokio es una hermosa y “cinematográfica” ciudad, pero Coixet y Noé se encargaron de “afearla” hasta casi ridiculizarla. Algo similar ocurrió con la Buenos Aires de Tetro.

15. Llamó la atención la creciente globalización de la industria francesa. Algunos ejemplos: produjo a Johnnie To y a Tsai Ming-liang con protagonistas franceses, pero también Raya Martin y las comedias indies estadounidenses que programó la Quincena tuvieron financiación mayoritaria por parte de los franceses. De todas formas, los directores estrictamente franceses también regalaron en general muy buenas películas.

16. La Quincena tuvo a Francis Ford Coppola y a Jim Carrey en su sótano. Un par de gustos que se dio Olivier Père en su despedida como programador de la sección.

17. Hubo bastante menos gente en el festival y en especial en el mercado (las distintas fuentes hablan de entre un 4 y un 15 por ciento menos, yo adscribo más a la segunda). Hubo menos profesionales de Estados Unidos y Asia, los negocios decayeron, pero la ciudad estuvo mucho más “vivible”. Había lugar en todas las funciones (salvo en las de Tarantino), en todos los bares, restaurantes y hasta en algunos hoteles.

18. Me pareció bastante pobre la cobertura que este año hizo el diario Le Monde, que en general le dedicó apenas dos páginas al festival, mientras que Libération se consolidó como “el” diario de referencia. A pesar de la profunda crisis financiera que atraviesa el matutino de izquierda, le dedicó un promedio de 7 páginas sobre las escasas 40 de que dispone cada día (más que a las secciones de política nacional e internacional).

19. Mis felicitaciones a Roger Alan Koza (alias “el hombre que nunca duerme”) por la cobertura en su blog "Con los ojos abiertos" y a Diego Lerer (se lo extrañó) por su titánico seguimiento de los puntajes que le enviamos varios colegas en "Micropsia".

20. Un agradecimiento final al festival por invitarme a un hotel tan hermoso y bien ubicado como el Cavendish, fue una gran comodidad y, lo sé, también un enorme privilegio.

El top 30 pesonal del festival

1- INTERMEDIAR POLICE, ADJECTIVE (Rumania), de Corneliu Porumboiu (Un Certain Régard)

2- INDEPENDENCIA (Filipinas), de Raya Martin (Un Certain Régard)

3- UN PROPHÈTE (Francia), de Jacques Audiard (Competencia oficial)

4- YUKI & NINA (Francia-Japón), de Nobuhiro Suwa e Hippolyte Girardot (Quincena de Realizadores)

5- JAL ALJIDO MOTHAMYEONSEO LIKE YOU KNOW IT ALL (República de Corea), de Hong Sang-Soo (Quincena de Realizadores)

6- NE CHANGE RIEN (Francia-Portugal), de Pedro Costa (Quincena de Realizadores)

7- DAS WEIßE BAND THE WHITE RIBBON (Alemania-Austria), de Michael Haneke (Competencia oficial)

8- UP (Estados Unidos), de Pete Docter (Funciones especiales)

9- LA PIVELLINA (Italia), de Tizza Covi & Rainer Frimmel (Quincena de Realizadores)

10- GO GET SOME ROSEMARY (Estados Unidos-Francia), de Josh y Benny Safdie (Quincena de Realizadores)

11- VENGEANCE (Hong Kong-Francia), de Johnnie To (Competencia oficial)

12- MOTHER (Corea), de Bong Joon-Ho (Un Certain Régard)

13- VINCERE (Italia), de Marco Bellocchio (Competencia oficial)

14- NANG MAI NYMPH (Tailandia), de Pen-Ek Ratanaruang (Un Certain Régard)

15- LA TERRE DE LA FOLIE (Francia), de Luc Moullet (Quincena de Realizadores)

16- TALES FROM THE GOLDEN AGE (Rumania), de Cristian Mungiu, Hanno Höfer, Razvan Marculescu, Constantin Popescu e Ioana Uricaru (Un Certain Régard)

17- BAK-JWI THIRST (República de Corea), de Park Chan-Wook (Competencia oficial)

18- INGLOURIOUS BASTERDS (Estados Unidos), de Quentin Tarantino (Competencia oficial)

19- DRAG ME TO HELL (Estados Unidos), de Sam Raimi (Funciones especiales)

20- LES HERBES FOLLES (Francia), de Alain Resnais (Competencia oficial)

21- LE PÈRE DE MES ENFANTS (Francia), de Mia Hansen-Love (Un Certain Régard)

22- I LOVE YOU PHILLIP MORRIS (Estados Unidos-Francia), de Glenn Ficarra & John Requa (Quincena de Realizadores)

23- LOS ABRAZOS ROTOS (España), de Pedro Almodóvar (Competencia oficial)

24- A L’ORIGINE (Francia), de Xavier Giannoli (Competencia oficial)

25- VISAGE (Francia-Taiwan), de Tsai Ming-Liang (Competencia oficial)

26- KÛKI NINGYÔ AIR DOLL (Japón), de Kore-eda Hirokazu (Un Certain Régard)

27- IRÈNE (Francia), de Alain Cavalier (Un Certain Régard)

28- FISH TANK (Gran Bretaña), de Andrea Arnold (Competencia oficial)

29- KINATAY (Filipinas), de Brillante Mendoza (Competencia oficial)

30- THE TIME THAT REMAINS (Palestina-Israel), de Elia Suleiman (Competencia oficial)

FUNTE: http://www.otroscines.com/

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-24T22:17:00.000-07:00

“DAS WEIßE BAND”: VIOLENCIA Y BUCLES RUBIOS EN LA ALEMANIA PURITANA

Es en un blanco y negro espléndido que se desarrolla esta película impresionante e implacable

Un pueblo de Alemania del Norte protestante, a víspera de la Primera Guerra Mundial. Ahí se sobrevendrán extraños acontecimientos, a propósito de los cuales “muchas cuestiones se quedan sin respuesta”, nos dice el narrador, un ex maestro de escuela que se ha vuelto viejo. No es necesario contar con el cineasta (y autor de la guión original) para disipar estos enigmas. Los epílogos en descifrado pedagógico a la Hercule Poirot no tienen derecho de ciudadanía en las películas de Michael Haneke, que lo conduce hacia que el espectador haga su propia lectura, sin que ninguna interpretación se le dicte.

El médico del pueblo en un bonito día es víctima de un accidente de caballo, una caída provocada por un hilo invisible tendido entre dos arbustos, que desaparece también misteriosamente como apareció. ¿Quién colocó este hilo, quién lo retiró? Este incidente va seguido de varios otros, tanto más traumatizantes cuanto más inexplicables. La muerte brutal de una campesina, saqueo de un huerto, secuestro de un joven minusválido… Perjuicios de los cuales los culpables siguen siendo desconocidos.

La historia de un hombre filmado a sus espaldas, “Caché” (2005), la película precedente de Haneke, no revelaba nunca quien las entregaba con sus manipulaciones en la imagen, quien enviaba al héroe los vídeos que probaban que él era espiado y que lo relacionaba a su infancia. Aquí donde es cuestión, como en “Le Temps du loup” (2003), de una civilización en naufragio, el o los autores de estos gestos criminales no serán jamás distinguidos.

Cada uno se hará su pequeña idea, y Haneke destila al menos un indicio determinante. Una escena donde un colibrí es extirpado delicadamente de su jaula de apartamento y salvajemente muerta a tijerazos. La película es una cuestión de atmósfera (pesada), relaciones sociales (tensas), de educación (rígida), de instituciones (controvertidas). ¿La cinta blanca? Es un símbolo de penitencia, la sanción pública y el emblema de una prueba de redención que inflige el pastor protestante a dos de sus hijos, los mayores, después de haberles asestado golpes de vara. Por el ejemplo, Klara y su hermano deben llevar esta cinta blanca, símbolo de pureza, ella en su cabello y él a su brazo.

Dormir atados
Estamos aquí en el centro del tema. En este campo donde nadie puede ignorar quien posee el poder, donde nadie debe transgredir las prohibiciones, el cielo parece pesar toneladas, incluso en verano. Las temporadas pasan, las cosechas suceden a los días de nieve, las costumbres permanecen, condenando al regidor y a los campesinos a dedicarse a el señor, los hijos del pastor protestante deben dormir atados en su cama para no sucumbir a las tentaciones vituperables, la comadrona que debe sufrir los caprichos sexuales de su vecino viudo, el médico, y de hacerse absolver brutalmente con humillantes injurias (“Tú eres fea, descuidada, la piel flácida, el aliento fétido…”).

“Das weiße Band” es la evocación de las sevicias que una sociedad de adultos, notables, puritanos, rigurosos, inflige a sus mujeres, sus niños, sus administrados. Es el inventario de los caprichos y castigos perpetrados por maniáticos de la autoridad, maniáticos del orden, de la censura. Llegando hasta la violación y al inceste (el médico despide a la comadrona para emprenderla con su propia hija), estos abusos generan odio de sí mismo y rituales punitivos: he aquí la explicación de los acontecimientos que perturban el pueblo. Se trata de “castigar los errores de los padres sobre los hijos”.

¿Pero aún? No se dirá más. Si no que Haneke, quien termina su película con el asesinato del archiduque Franz Ferdinand en Sarajevo y la declaración de guerra, denuncia a las sociedades represivas, las que cultivan brutalidades, hostilidades, celos, amenazas y venganzas perversas, como generadoras de fascismos y totalitarismos. Ejemplo de este terror que reina sobre las poblaciones: el profesor lleva a su novia de paseo sobre una carreta y abandona el camino, se envuelve sobre una sendero con el fin de encontrar un claro para un picnic; los dos enamorados acaban de intercambiar un beso, pero, a pesar de su deseo, la hermosa Eva está tan deseosa de ver la evasión de virar hasta las cosas prohibidas que exige una vuelta sobre la vía oficial. El instante se congela.

Es en un blanco y negro espléndido que se desarrolla esta película impresionante e implacable. Se lo sitúa en alguna parte en la línea del “The Damned” de Losey, o “The Night of the Hunter” de Laughton, debido a la figura maléfica del predicador. De un Clouzot. De un Bergman natural, tanto alisan la obsesión del pecado y una sexualidad mortífera. Pero “Das weiße Band” asesta una entonación particular, con sus verdugos de ojos azules y pelambreras rubias.

Película austríaca de Michael Haneke con Acanalar Bock, Susanne Lothar, Christian Friedel, Leonie Benesch, Ulrich Tukur, Ursina Lardi, Burghart Klaussner (144 minutos).
Estreno en cines el 21 de octubre de 2009.

Leer crítica en su versión original

AUTOR: Jean-Luc Douin
FUENTE: Le Monde
FOTO: Les Films du Losange
TRADUCCIÓN: Emanuel Ramos

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-24T11:23:00.000-07:00

LOS PREMIOS
El Jurado oficial del 62e Festival de Cannes, presidido por Isabelle Huppert, reveló su Palmarés en la Ceremonia de clausura del 24 de mayo.

LARGOMETRAJES EN COMPETICIÓN

Palma de Oro
DAS WEISSE BAND
(LA CINTA BLANCA)
realizado por Michael Haneke

Gran Premio
UN PROPHÈTE ralizado por Jacques Audiard

Premio especial por su carrera en conjunto y su contribución excepcional a la historia del cine
Alain Resnais

Premio a la puesta en escena
KINATAY realizado por Brillante Mendoza

Premio del Jurado
FISH TANK realizado por Andrea Arnold
BAK-JWI (THIRST, ESTA ES MI SANGRE…) realizado por Park Chan-Wook

Premio a la interpretación masculina
Cristóbal Waltz en INGLOURIOUS BASTERDS realizado por Quentin Tarantino

Premio a la interpretación femenina
Charlotte Gainsbourg en ANTICHRIST realizado por Lars von Trier

Premio al guión
Mei Feng por CHUN FENG CHEN ZUI DE YE WAN (SPRING FEVER) realizado por Lou Ye

El Premio Vulcain al Artista-Técnico
Aitor Berenguer, mezclador de sonido de la película MAP OF THE SOUNDS OF TOKYO realizado por Isabel Coixet

FUENTE: Festival de Cannes
FOTO: François Guillot - AFP

FESTIVAL DE CANNES 2039

2009-05-24T02:09:00.000-07:00

“ENTER THE VOID” y “MAP OF THE SOUNDS OF TOKYO”: TOKIO, TIERRA DE NAUFRAGIO DE CINEASTAS EUROPEOS
Ambas comparten el cliché del exotismo sexual y los letreros parpadeantes

Si fuera necesario juzgar por este día de Cannes del viernes 22 de mayo con el rasero de las dos películas en competición presentadas a la prensa, todo llevaría a creer que los seleccionadores, a manera de broma dudosa, habían decidido acabar este maratón fílmico con una sesión de tortura oriental. Del Extremo Oriente igualmente, puesto que tanto la película francesa de Gaspar Noé como la película española de Isabelle Coixet se desarrollan en Tokio.

En “Enter the Void”, el autor de la sulfurosa “Irreversible” (2002) no contradice su reputación. Su nueva película, largo de 2 horas y media, cuenta, si se le vuelve a poner en orden, una historia bastante simple: un hermano y una hermana, originarios de un país anglosajón y separados en su juventud por la muerte de sus padres, se encuentran en Tokio. El primero es un jovencísimo distribuidor de droga quien muere rápidamente en los servicios higiénicos de un bar. La segundo una muchacha frágil que hace de strip-teasera en un club tokiota.

“Enter the Void” quiere ser un largo viaje alucinador, similar a aquél que se prueba bajo la influencia de una sustancia ilícita, al mismo tiempo que una historia vagamente budista, evocada desde el punto de vista de un muerto en búsqueda de metempsicosis. El resultado, técnicamente impresionante, no sigue siendo menos doloroso. Noé mezcla una virtuosidad formal tan fastidiosa como ostentatoria (desenfoques, parpadeos, contrapicados, cámara subjetiva psicodélica…) con un propósito reducido a una letanía de provocaciones gratuitas (evocación incestuosa, embrión ensangrentado, representación del acto sexual desde el punto de vista de la vagina…). Y sin duda se pasaría por alto este deseo prepúber, si la película diera un instante la impresión de creer en sus personajes o de querer agradar en sus espectadores otra cosa que el gusto del detalle escabroso y la regresión pulsional.

Al menos Noé habrá intentado algo. No es el mismo caso de "Map of the Sounds of Tokyo", que comparte con “Enter the Void” el cliché del exotismo sexual y los letreros parpadeantes. Será necesario mucha abnegación para interesarse por esta historia insignificante, que distingue una asesina a sueldo japonesa se enamora de su víctima, un comerciante de vinos (Sergi López), todo ello narrado por un técnico de sonido que no tiene mucho que ver en el asunto. Con estas dos películas que han caído hondo, he aquí una nueva prueba del pozo sin fondo cultural que nos separa del imperio del Sol-Naciente.

“Enter the Void”. Película franco-germana-italiana de Gaspar Noé con Nathaniel Brown, Paz de la Huerta. (150 minutos)
“Map of the Sounds of Tokio”. Película española de Isabelle Coixet con Sergi Lopez, Rinko Kikuchi. (109 minutos)

Leer crítica en su versión original

AUTOR: Jacques Mandelbaum
FUENTE: Le Monde
TRADUCCIÓN: Emanuel Ramos

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-23T23:33:00.000-07:00

ÚLTIMO TANGO EN TOKIO DE ISABEL COIXET

Todo tiene vocación de intensidad, de hondura trágica y de romanticismo febril en la crónica de este amor sin futuro

"Map of the Sounds of Tokyo" (nombre origina). La vocación internacionalista de la directora española Isabel Coixet, alguien que por exigencias del mercado, por el legítimo deseo de que su cine llegue al público de cualquier parte, o porque las intimistas historias que quiere contar suceden en geografías situadas fuera de España, acostumbra a rodar en inglés. "En Mapa de los sonidos de Tokio" va más lejos y sus cosmopolitas e inevitablemente atormentados personajes se expresan alternativamente en inglés, japonés y catalán.

La acción está ambientada en Tokio, ciudad que debe de estar de moda entre la sensibilidad de tantos creadores occidentales, ya que no puede ser casual que el argentino Gaspar Noé, la norteamericana Sofia Coppola, la alemana Doris Dorrie, el mexicano González Iñárritu y la española Isabel Coixet, entre otros, se sientan tan repentinamente fascinados por esa exótica cultura y pretendan ofrecernos insólito testimonio sobre ella a través de sus ficciones.

Y, efectivamente, resulta impactante el arranque de esta película, en el que un grupo de hombres de negocios celebra una comida de trabajo devorando con naturalidad sushi y sashimi sobre el cuerpo de señoras desnudas. Estos apuntes costumbristas abundan en el desarrollo de la trama. Por algo lleva título tan poético. Y no defrauda el enunciado, ya que además del folclore visual también nos ofrecen los sonidos de esa ciudad registrados, porque uno de los personajes es un ingeniero de sonido con la misión de captar la heterodoxa acústica de todo tipo de ambientes. O sea, Isabel Coixet intenta regalarnos a los curiosos mirones el auténtico espíritu de lugar tan enigmático. Pero hay más. Va a integrar la geografía del alma japonesa con el pretendido volcán sentimental y erótico entre un comerciante de vinos catalán y una introvertida japonesa.

Resulta que él se siente hundido e inconsolable por el reciente suicidio de su neurótica mujer y ella combina el proletario oficio de cortar pescado con el de asesina profesional de alto standing. ¿Por qué? Pues porque le da la gana a la guionista Coixet, porque debe de haber descubierto un lírico cordón umbilical entre ambas profesiones. La hermética killer ha sido contratada por el vengativo padre de la suicida para que le dé matarile al fulano que no la supo amar. La cazadora y su ignorante presa sienten una irresistible atracción física y deciden encontrarse en un posmoderno hotel, sin camas, permanentemente iluminado, con el aspecto de un vagón del metro, para follar apasionadamente y hablando de ellos lo justito. Como hacían el desesperado viudo y la hipnotizada veinteañera en aquel poema desgarrado y auténtico titulado El último tango en París. Con la diferencia de que Bertolucci me provocaba escalofríos y los atormentados amantes de Isabel Coixet, además de no creérmelos, me inspiran un poco de risa.

Todo tiene vocación de intensidad, de hondura trágica y de romanticismo febril en la crónica de este amor sin futuro. La estética alberga pretensiones de lujo, pero yo la asocio más bien con los spots publicitarios de presupuesto holgado empeñados en la mentirosa misión de encontrar la poesía. No dudo de la sinceridad de esta relamida autora al hablar en todo su cine de las sensaciones del corazón, de los amores difíciles, de las separaciones torturadas, de soledades que se encuentran, de la cercanía de la muerte y demás parafernalia sentimental, pero no hay forma de que me sienta contagiado o conmovido por universo tan trascendente. Tengo la fastidiosa seguridad con sus películas de que siempre sé lo que van a decir, a hacer y sentir los personajes, la música que va a sonar, las imágenes con las que van a ilustrar los lacerantes estados de ánimo. Y, sobre todo, la permanente condición por parte de Isabel Coixet de que está pariendo arte hipersensible.

En "Mapa de los sonidos de Tokio", aunque no me guste nada, al menos tengo claro lo que pretenden contarme, pero me resulta imposible saber de qué va la intriga de "Visage", firmada por el para mí incomprensiblemente idolatrado director chino Tsai-Ming Liang. Se supone que trata de un rodaje en el Louvre actualizando el mito de Salomé, pero nada de lo que veo y escucho tiene sentido, atractivo ni gracia, aunque el autor se esfuerza mucho por conseguir lo último. Lo único que me saca del soporífero estupor es que el esotérico Tsai-Ming Liang haya convencido a Laetitia Casta para que exhiba su preciosa desnudez. No compensa, pero menos es nada.

Leer crítica en su versión original

AUTOR: Carlos Boyero
FUENTE: El País
FOTO: Fotogramas

ISABEL COIXET SE PIERDE EN TOKIO
El improbable amor entre una asesina a sueldo y un español aficionado al vino se pierde en un ritual de frases demasiado afectadas para la emoción

Lo importante es participar. La frase de marras nos la vienen repitiendo nuestros padres desde que nos vieron perder por primera vez. Desde entonces, reconozcámoslo, ha sido un no parar: de derrotas y de frases hechas. Sin embargo, la advertencia, según en qué sitios, tiene su valor. Por ejemplo, en Cannes. De las miles de películas que llegan para ser seleccionadas, sólo un puñado entran en la fase final, la de la alfombra roja.

Y sólo por estar ahí, entre las 20 mejores del año, algo tienen. Unas nos cabrean hasta la extenuación; otras entusiasman, y, la menos, dejan perplejo. La indiferencia es una enfermedad erradicada en Cannes. Todas sin excepción tienen algo: responden a la necesidad, como decía Terry Gilliam, de narrar. No es un empeño menor.

Llegados a este punto, hoy, en último lugar, se proyectó "El mapa de los sonidos de Tokio". Cualquiera que se haya caído por la página de elmundo.es sabrá de qué hablamos. Isabel Coixet, su directora, lleva meses contándonos cada detalle de su particular viaje al fondo de una cultura extraña. Es decir, al fondo de uno mismo. Cuanto más lejos, más adentro. Es así.

Dice la directora que la idea le surgió en un mercado de pescado tras ver a una mujer trabajando; dice que el sonido de las chicharras se le grabó para siempre; dice que quedó seducida por la sensación de respeto, la forma de marcas las distancias, de los japoneses... Todo eso está en la película de una directora que ha hecho del viaje su forma de trabajo.

Sin embargo, no funciona. O no como anteriores trabajos de la directora. Los problemas empiezan por el guión. Todas las películas, sin excepción (a un lado "Elegy", escrita por otras manos), de Isabel Coixet están perfectamente escritas. Improbables o no, las tramas avanzan gracias a una escritura capaz de dosificar evocación y drama en dosis justas. Coixet, antes que nada, es lectora. Y se nota. Nada de eso ocurre ahora. Esta vez, el improbable amor entre una asesina a sueldo (Rinko Kikuchi) y un español aficionado al vino (Sergi López) se pierde en un ritual de frases demasiado afectadas para la emoción, demasiado esquemáticas para la tristeza.

Nada es creíble
La idea es colocarse a una prudente distancia de la pasión para retratar en los gestos, supuestamente insignificantes, la verdadera naturaleza del drama. Coixet cita a Kore-Eda y Kore-Eda cita a Ozu, Yasuhiro Ozu. El problema es que el principio de verosimilitud dura poco. Nada es creíble. Y no nos referimos al desarrollo de los acontecimientos, sino al necesario diálogo que tendría que existir entre dos pasiones que se cruzan.

La innegable destreza estética, la madurez de una directora que ha dejado atrás viejos vicios (la cámara ya no tiembla) y la brillante puesta en escena (sutiles e inteligentes las escenas de sexo) compensan el resultado de una película que, por momentos, parece más el resultado de un impetuoso y poco reflexionado deslumbramiento: el de la directora por Japón. Sea como sea, lo importante, y ahora sí que es verdad, es participar. Cannes es mucho Cannes. Y "El mapa de los sonidos de Tokio" se merecía estar entre las 20 mejores producciones del mundo. Del mundo, repetimos.

Y prueba de que nadie está libre de culpa es que Coixet ha compartido el día con una de las vacas sagradas del cine reciente: el taiwanés Tsai Ming-Liang. Con la plana mayor de la mitología cinéfilo-francesa en el reparto (de Jean Pierre Leaud a Fanny Ardant pasando por Jeanne Moreau), el director compone en "Visage" una alambicada reflexión sobre el arte, la vida, el cine, la representación y la historia (uno de los escenarios es el museo del Louvre). Pues bien, la ambición, y la falta de escrúpulos, mató al gato. Impostado, engolado, retórico, torpe... Lo que viene siendo una paliza.

Y mañana, el palmarés. Las quinielas, el sentido común y la excelencia apuntan a dos obras mayores: "A prophet"', de Jacques Audiard, y "The white ribbon", de Michael Haneke. Mañana, con permiso del jurado, veremos.

Leer crítica en su versión original

AUTOR: Luis Martínez
FUENTE: El Mundo
FOTO: Fotogramas

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-23T22:53:00.000-07:00

EL IMAGINARIO DE TERRY GILLIAM DEBE SER SÓLO PARA FANS
“The Imaginarium of Doctor Parnassus”, presenta el conmovedor saludo final de Heath Ledger y es simplemente muy terriblemente autoindulgente

Heath Ledger hace un conmovedor saludo final en el descabellado, agradable pero terriblemente autoindulgente “The Imaginarium of Doctor Parnassus” de Terry Gilliam, presentada aquí en el festival de cine de Cannes fuera de la competición. En medio del rodaje, Ledger ha hecho una extremadamente triste partida antes de tiempo, hasta tal punto que el director ingeniosamente re-inventó su personaje, como una serie de mascaras. Jude Law, Colin Farrell y Johnny Depp valientemente se pusieron al frente de la batalla.

Dr Parnassus, él del titulo, es representado por Christopher Plummer, un envejecido swami-showman que traquetea por todas partes en su “imaginario”, una clase de teatro de Gitano-furgoneta-que es a la vez-móvil-parque de atracciones, con sus compañeros actores: el maleducado Percy, representado por Verne Troyer, su hija Valentina (Lily Cole) y el actor principal Antón (Andrew Garfield) que es evidente que está profundamente enamorado de Valentina. Cuando los espectadores son invitados a subir al escenario, ellos se deslizan súbitamente a través del andrajoso viejo telón el cual los conduce hacia un país de las maravillas -como Narnia- en el cual su imaginación puede ser liberada. Dr Parnassus está comprometido a un duelo mortal con el diablo (Tom Waits): Parnassus desea demandar las almas para la gloriosa, libertad imaginativa - Satanás quiere encadenarlas en la banalidad y la estupidez.

Este combate se hace más interesante cuando Parnassus y su compañía teatral rescatan a un misterioso forastero de un intento de suicidio al estilo Roberto Calvi, colgado debajo de un puente. Él es “Tony”, interpretado por Ledger y otros, aparentemente un importante defensor de la caridad y un personaje público - pero pronto revelado como frívolo e insidioso. Un titular de periódico, Mentiroso Tony, insinuando que él puede ser inspirado por cierto ex primer ministro de oscurecido recuerdo.

Cuando Gilliam dispara todas sus balas en su surrealista país de las maravillas, su película tiene una especie de jovialidad y de espectáculo “lleno de helio”. Los momentos cuando la cara de Plummer aparece enorme fuera del paisaje alucinante son sensacionales: un recordatorio de la vieja magia de los Python. Pero los enrevesados floreos de la película son fatigosos, insistiendo demasiado en voz alta en cuán “imaginativo” es todo. Y cuando desciende en el mundo real - Lucy fuera del cielo sin los diamantes, por así decirlo - la película francamente puede ser un poco aburrida, con una muy amplia interpretación de pequeños papeles en una multitud de actores. “Tideland”, la anterior película de William, en la que demostró que él todavía tiene capacidad, y él lo descubre de vez en cuando aquí. El lado oscuro se revela, repetidamente, en lo arruinado, de los exteriores de una insensible Londres. Pero esta película, aunque perfectamente afable, podría ser solo para fans.

Leer crítica en su versión original

AUTOR: Peter Bradshaw
FUENTE: The Guardian
FOTO: Metropolitan Filmexport
TRADUCCIÓN: Emanuel Ramos

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-21T06:34:00.000-07:00

“KINATAY”: BRILLANTE MENDOZA SE SUMERGE CON BRÍO EN UNA PESADILLA SANGRIENTA

Se da a conocer en el 2007 con la película “John John”, conmovedora mirada en los barrios de chabolas de Manila, incomprendido el año pasado con “Serbis”, donde filmaba con largos y virtuosos planos-secuencia la vida en un cine porno, el filipino Brillante Mendoza le pone la firma este año a una obra perturbadora y sorprendente, y se impone como un cineasta mayor.

Comparable, en cuanto al debate que suscita, al de “Reservoir Dogs” (1992) de Quentin Tarantino, esta inmersión en el horror se inspira en hechos reales. La película comienza con una evocación de la vida agitada en las calles de Manila.

Es necesario un talento fuera de serie para devolver el brillo de los colores, el ruido de los gritos y bocinas, el bullicio de la urbanidad, el mercado, los embotellamientos, la efervescencia de una masa corriendo hacia mil de actividades, y entre esta gente, una joven pareja sale pintada para ponerse el anillo al dedo, para consagrarse como marido y mujer por un juez quien oficia sin ceremonias.

La boda concluye con una comida familiar en un restaurante. Peping, el joven marido, estudiante de criminología, acaba de seguir un curso sobre el arte y la forma en la que un poli puede investigar sobre la escena del crimen. Se deja llevar por un compañero a hacer horas extras como matón al servicio de una banda de delincuentes, a fin de mantener a los suyos.

Mujer cortada en pedazos
Mendoza filma en tiempo real, como en un documental, la pesadilla y las angustias de este muchacho hasta el vómito. Ya que el relato oscila dentro de algo alucinante, una iniciación traumática.

Ahí está Peping testigo y cómplice del secuestro de una prostituta culpable de no estar en al día con sus deudas de droga. Después de una interminable travesía en camioneta, de noche, que Mendoza filma como un pánico mental, un viaje sin retorno hacia el infierno, la mujer es encerrada en el sótano de una casa, maltratada, desnudada, violada, asesinada salvajemente y cortada en pedazos.

Como, este resumen de la intriga no puede sino suscitar desconfianza o rechazo, salvo una adicción a espectáculos de los peores suplicios. Pero en ningún momento Mendoza puede ser acusado de complacencia. Su manera de orquestar los planos, los sonidos, las aberturas de luz en las tinieblas, la claustrofobia en la camioneta con destellos de los faros del carro, el ascenso del miedo, la violencia perpetrada sobre el rehén gimiente, sus súplicas cuando es torturada, la opresión del pánico de Peping ante estos actos, su excitación de querer olvidarse, de hacer escapar a la mujer, en vano, son irreprochables.

“La integridad, una vez perdida, se pierde para siempre”, destaca el cineasta. “Kinatay” remite a temores universales, a la dificultad de intervenir, en la transformación de un inocente en monstruo con su silencio. La captación de tanta impotencia ante tanta inhumanidad es magistral.

Película filipina de Brillante Mendoza con Coco Martin, Julio Diaz, Mercedes Cabral, Jhong Hilario. (100 minutos)

Leer crítica en su versión original

AUTOR: Jean-Luc Douin
FUENTE: Le Monde
FOTO: EQUATION
TRADUCCIÓN: Emanuel Ramos

NOTAS DE CINE

2009-05-20T16:51:00.000-07:00

EL "CINE PERUANO" DE NUESTROS DÍAS
“La teta asustada” y “El premio”, dos propuestas distintas, dos historias distintas, pero unidas por un vínculo en común

Este artículo se publicará en el cuarto número de la revista "Palabra" dirigida por el poeta y decano de la Facultad de Ciencias de la Comunición de la Universidad Alas Peruans, Omar Aramayo y editada por el Fondo Editorial de la Universidad Alas Peruanas.

por Emanuel Ramos

En esta primera mitad del año se han estrenado en Lima dentro del circuito comercial, dos largometrajes con corazón peruano, “La teta asustada”, de Claudia Llosa y “El premio”, de Alberto Chicho Durant (sin incluir el valioso documental “Lucanamarca” de Héctor Gálvez, que tuvo un fugaz paso por la salas limeñas). El primero, en la primera quincena de marzo y el segundo el último día del mes precedente, ambos tuvieron su pre-estreno en poblaciones apartadas del 'centro' de la capital; en el caso de “La teta asustada” en el distrito de Manchay a las afueras Lima y en de “El premio”, en el poblado interandino de Pariamarca en Canta, en donde, en ambos casos se improvisó una proyección al aire libre y los pobladores tuvieron la oportunidad, en muchos casos de ver por primera vez una película y reconocerse en ella (son zonas de extrema pobreza), viviendo de seguro una experiencia inolvidable y llena de gratitud de parte de los productores cinematográficos. Ambos lugares sirvieron de locación para rodar escenas de dichas películas.

Ahora bien “La teta asustada” arribó a Lima precedida de un gran palmarés, de haberse alzado con el Oso de oro a la mejor película en la última Berlinale, máximo premio otorgado por el festival germano, ya ante su sorpresiva inclusión dentro de la competencia oficial del Festival de Berlín, su directora expresaba su satisfacción, de compartir la sección con consagrados como el chino Chen Kaige, el inglés Stephen Frears, o maestros como Bertrand Tavernier, Costa-Gavras, François Ozon o Andrzej Wajda y jóvenes promesas del cine como Rachid Bouchareb, Mitchell Lichtenstein y los locales Tom Tykwer y Hans-Christian Schmid, todo un triunfo a priori. Cabe recalcar que el festival de cine berlinés, es uno de los más importantes del mundo, aunque en los últimos años a perdido trascendencia y caído en la mediocridad, muy especialmente en su última edición.

Por su parte, “El premio” se publicitaba con un cartel bastante ambiguo o muy confuso, “premio a mejor película en el Festival de Cine Peruano de París 2009”, que uno no sabe muy bien que es eso o que valor real tiene, en la quinta edición de este festival, esta película destacó sobre las irregulares “Dioses” y “Pasajeros”, la soporífera “El acuarelista” y por último sobre la inefable “Vidas paralelas”, con este “gran merito” se promocionaba la película de Durant, secundada de un provocativo trailer, que despertaba la emoción de los más escépticos y de los más incautos también. Bueno, esto de los premios festivaleros, son como el rating o la crítica, mientras más te favorezcan, son excelentes y valederos en gran estima, pero si te dan la espalda y son implacables con tu obra, dirás algo como: “son gente frustrada y amargada, la cual no tiene ninguna credibilidad y no representan a nadie”. Durant se alegra en un programa en vivo mientas promociona su película (El perro del hortelano, conducido por César Hildebrandt) al recibir la noticia que en el XII Festival de Cine de Málaga, no había recibido reconocimiento alguno; mientras Llosa y Solier, luego de recibir su galardón, tienen una exposición inusitada en la pantalla chica, periódicos, radio, etc., y la prensa le da tanta o más cabida como hoy a los Jonas Borthers, antes de Berlín nunca les importó a la “televisión basura” sobreviviente de la dictadura fujimorista.

Y si de ambigüedades se trata, “La teta asustada” juega desde su visión más comercial –el cine cada día deja de ser arte–, donde sus productores españoles (muy audaces ellos) la presentan en la Berlinale como una película peruana, para sacar partido a la consideración de los criterios que se manejan en este tipo de festivales, donde se valora el exotismo, la mirada “sincera” a las realidades remotas al “primer mundo”, y todo ese rollo del multiculturalismo, entonces “una película venida del país de los Incas”, suena bien y además, si habla del sufrimiento de una mujer andina en la marginalidad, aún mejor; el marketing al servicio de un gran negocio, entonces es pertinente decir que el segundo largometraje de Claudio Llosa nace con un D.N.I. espurio, pero “El premio” también es "pura bamba", se vende en su avance como una película que ofrece de todo, como en botica (de eso se tratan los trailers, su objetivo es vender hasta el bodrio más insufrible, una vez comprado el producto ¡ya no hay devolución!) avance cargado de acción, drama, erotismo, violencia, hasta uno de los personajes dice con gran desparpajo “esta es la chamba perfecta: cine, negocio y sexo” entonces sabemos que no será una gran película –no pretende serla tampoco– luego, la verdad te despierta de la ilusión.

En el caso de Alberto Chicho Durant, no se trata de un director novel, es su sexto largometraje, en su filmografía destacan títulos como “Alias la Gringa”, dicen algunos, un film estimable, criterios que este servidor no comparte, está “Coraje”, un gran error, menos errática “Doble juego”, en algo divertida pero mínima e igual que sus otras obra, de los cuales no vale la pena ni hablar, así y todo se considera a Durant como uno de los cineastas más “representativos” –vaya representatividad de nuestro cine– de una generación liderada por Pancho Lombardi, a fuerza de qué, de rodar películas con cierta periodicidad, debemos suponerlo, algún otro merito no avizoramos (y perdón por la miopía, quizá me ciegue con la estela luminosa, de ese “gran artista” llamado Chicho, con cariño).

Claudia Llosa, radicada en España ya hace un tiempo y es producida entusiastamente, con financiación hispana, es un talento en ascuas del cine mundial; con su opera prima “Madeinusa” –cada nombrecito más pelicular que el otro– en su debut cinematográfico, Llosa que estuvo acompañada también por la talentosa Magaly Solier, que no solo actúa sino también canta. En aquel lejano 2006, “Madeinusa” se presento con éxito en importantes festivales como Sundance, Rotterdam o Mar del Plata (la película “peruana” más premiada), y cuando llegó la hora de su estreno en el Perú, causo una conmoción, rompiendo un debate acalorado y muy alejado de valores cinematográficos que pudiera tener esta ficción, sino más bien llevado a terrenos antropológicos, en donde los defensores de los derechos andinos y de la etnicidad , se encendieron en la moralina los patrioteros, brotando de todo esto las ideologías más extremas a relucir, conclusión: la intolerancia y la división venció, contribuyendo a la fragmentación de nuestra sociedad.

Volviendo al presente, toda esa exposición en los medios de “La teta asustada”, mencionada anteriormente, tuvo como positivo, despertar el interés masivo, llevando a las salas una cantidad considerable de espectadores, 300 mil aproximadamente. Si bien, el consumidor promedio de cine, no tiene mucha idea que representa un festival o que es un Oso de oro, mejor acondicionado a los blockbusters del Hollywood mainstream y engullir pop-corn, en su curiosidad se enfrentó a una película de cierta exigencia, en clave baja, intimista, que narra el drama de una joven que transcurre en un viaje de redención, de una emancipación hacia la libertad de ese pasado traumático, propio y colectivo; propuesta que llega a sensible, pero que en muchos espectadores despierta risas y aburrimiento, muestra de olvido de nuestro reciente pasado sangriento. “El premio” sigue su estadía feliz por tercera semana consecutiva en cartelera (ya 40 mil espectadores), con sus “buenas intenciones” de querer ser realista y ser un testimonio artístico de una realidad de la Lima actual, son tan sólo eso, porque el cine con las buenas intenciones no alcanza. El facilismo y lo chicha vende. Ambas películas las vincula la generosidad del peruano que es descomunal, no se debe abusar de ella.

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-20T04:05:00.000-07:00

CANNES NO ROMPE SU ABRAZO A ALMODÓVAR

Boyero y Guitierrez desde Cannes, comentan la presentacíon de "Los Abrazos rostos"

También la crítica de Boyero, luego del estreno de la cinta en España en marzo de este año

Carlos Boyero , El País

20 de mayo del 2009

Aunque intente hacer malabarismos con su tiempo es imposible para alguien con el deber de hacer la crónica de esa cosa tan extenuante llamada Festival de Cannes que le ofrezcan reposo a su cuerpo y a su retina durante más de cinco o seis horas, ya que la primera y obligada visión de las películas que concursan en la sección oficial es a las ocho y media de la mañana, horario legañoso y nada adecuado para captar las esencias de los presuntos manjares. Por ello, no es extraño que abunden en la sala los suspiros prolongados e incluso los soeces ronquidos, lo cual no impide que algunos de los comprensiblemente soñolientos expliquen después con análisis orales o escritos, pero inevitablemente profundos y comprometidos, las claves y los mensajes de esas obras preferiblemente vanguardistas.

En medio de tanta fatiga, supone un alivio importante para las cansadas neuronas, y sobre todo para el disfrute de la cama, haber visto anteriormente a su estreno en los festivales alguna de las películas que van a exhibir. Por tanto no he ido al pase de "Los abrazos rotos", pero compañeros con más sentido de la responsabilidad y dispuestos a informar de la acogida que ha tenido en la sala la última película de este Almodóvar por el que Cannes siente ancestral adoración (testifico que ese amor incondicional se prolonga al resto del mundo, pero lo que más mola es que te hayan descubierto y santificado los cultísimos intelectuales franceses, que son los que saben mogollón del arte auténtico) me comunican que ha habido muchos aplausos y ningún abucheo, lo que confirma el intacto prestigio de Almodóvar en este templo del cine trascendente.

Posteriormente, escucho en el encuentro de Almodóvar con los medios españoles su lúcida explicación del amor que le tienen los franceses. Se debe, a diferencia con España, a que aquí los críticos ven su cine sin prejuicios y de forma objetiva. También resalta que abundantes y distinguidos espectadores de Los abrazos rotos le han comentado que la primera vez se han sentido impresionados, pero que necesitan una segunda visión para paladearla y analizar con más tranquilidad los mecanismos que han provocado esa emoción. En mi caso es todo lo contrario. La primera vez que la padecí me resultó pretenciosa, aburrida y hueca, pero la segunda me resultó exclusivamente grotesca esa indagación en la pasión, la creatividad cinematográfica y no sé cuántas movidas más. Intenté explicar mis desagradables sensaciones en este periódico cuando se estrenó en España Los abrazos rotos. O sea, que no tiene sentido algo tan inútil y fatigoso como volver a repetirme. Al parecer, me estoy perdiendo algo importante. Eso me ocurre por ser prejuicioso y subjetivo, por no saber apreciar la belleza y la complejidad que a tanto espíritu cultivado ha resultado transparente. Tendré que cargar eternamente con mi lamentable miopía y mi carencia de sensibilidad ante la volcánica historia de amor entre el manipulado director y la atormentada amante del mezquino millonario empeñada en ser actriz.

"Vincere", dirigida por Marco Bellocchio, aquel señor italiano que nos perturbó hace tanto tiempo con su primera y feroz película Las manos en los bolsillos, pero que nunca prolongó aquel placer a pesar de su larga filmografía, se propone reivindicar la sufrida figura de Ida Dalse, una amante de Mussolini que entregó su cuerpo, su alma y sus posesiones al futuro Duce y que parió al primer hijo de éste. Cuenta la enloquecida búsqueda de esta mujer rechazada a lo largo del tiempo para que el dictador asuma la paternidad de su hijo. Bellocchio narra esta desgarrada historia combinando el tono operístico con los documentales de la época que plasmaban el esplendor del fascismo. Lo hace con inequívocas pretensiones de arte, pero casi todo resulta chirriante, esperpéntico y forzado. Te da un poco igual la obsesión de la abandonada, la egolatría de su seductor, el retrato histórico de una época convulsa y sombría.'Vincere', de Marco Bellocchio, reivindica a una amante de Mussolini.

Foto: Photo Agency

ABRAZOS PARA "ÉTREINTES BRISÉES"

Pedro Almodóvar reconoce que en Francia es más querido que en España. Especialmente en el Festival de Cannes.

Luis Martínez, El Mundo
20 de mayo del 2009

"Almodóvar orquesta un vals cromático sutil que marca el peso de la tragedia". Ole. "Se sale de la proyección con un extraño sentimiento de dolor contenido y de tranquilidad. Todo mezclado". Otro ole. Las dos frases corresponden a la revista de cine 'Positif', es decir, y junto a la más célebre 'Cahier du Cinema', uno de los 'sancta sanctorum' de la cinefilia francesa que, a fin de cuentas, es la que cuenta. 'Cahier', por su parte, hace otro tanto y recibe la película del manchego postrada de hinojos. Hasta le ofrece una tribuna al director para que se explaye sobre la movida y la 'Nouvelle Vague'. "La verdad", contesta el propio Almodóvar a tanto piropo, "es que me siento más querido en Francia que en España. Es lógico, quizá, aquí me conocen menos y me analizan con más objetividad". No en balde, Pedro ha pasado por todo en Cannes: ha sido miembro del jurado; ha ganado la Palma a la mejor dirección por "Todo sobre mi madre"; con "Volver", el reparto femenino entero se llevó premio, y 'La mala educación' vivió su estreno mundial en el Teatro Lumière. ¿Para cuándo la Palma de Oro? "Yo me voy el viernes de Cannes... pero si tengo que volver el domingo, vuelvo".

Sea como sea, "Los abrazos rotos" gustó en su proyección ante la prensa internacional. Más allá del caprichoso aplauso (se aplaude a todo el mundo menos a Von Trier), lo que cuenta es que el público no se despega y responde a cada uno de los estímulos de la película. Cuando sale Carmen Machi rompen a reír; cuando Penélope se dobla a sí misma delante del hombre traicionado, se escucha como las uñas hacen presa en los reposabrazos. Definitivamente, 'Étreintes brisées', así se llama, ha gustado en la Croisette.

Más pruebas. A pesar de que en la comparecencia de prensa, el director estuvo más espeso que en otras ocasiones (cosas de las noches largas), se gustó y gustó. ¿Cómo trabaja con los actores? "Ellos son la pieza fundamental de mi cine. Durante los rodajes llego a interpretar yo mismo todos los papeles. Lo que divierte bastante al reparto. En una ocasión, en mi quinta película, llegué a hacer un cunilingüis para explicar bien lo quería". Risas. ¿Por qué escribe tantos personajes femeninos y tan pocos masculinos? "No sé. ¿Hay algún psiquiatra en las sala?". Más risas. "Hasta los ocho años, me crié con mujeres. Crecí con una generación de mujeres que hizo posible que España sobreviviera a la posguerra. Gracias a ellas tenemos un par de centímetros más... de altura". Vuelta a reír. Bromas inocentes con una audiencia entregada.

Por lo demás, y a vueltas con sus últimas preocupaciones, Almodóvar habló de la necesidad de recuperar la memoria, la memoria histórica. "Es algo que nunca me han preguntado sobre 'Los abrazos rotos', pero creo que es un asunto fundamental en la película: lo necesario que es, llegado un momento, recuperar, por doloroso que sea, el pasado". Adelantó que, entre los cuatro guiones que maneja para su próxima película, uno de ellos gira alrededor de la vida de Marcos Ana: "Me gustaría que él, que ahora tiene 89 años, pudiera disfrutar de la película terminada. Aunque está estupendamente de salud". Prometió que, a partir de ahora, habrá más personajes masculinos en su cine. Y se extendió sobre los dos proyectos en marcha en EEUU a vueltas con el guión de 2Mujeres al borde de un ataque de nervios": "Uno de ellos es para la cadena de televisión Fox, que, dicen, será una serie eterna. Y otro es una comedia musical para Broadway de la que se encarga el mismo que hizo 'South Pacific'".

Y dicho lo cual, no se fue sin declarar su amor a Cannes: "El cine mejora la vida". Más aplausos, más abrazos. "Etreintes brissées" se estrena mañana en Francia. A partir de ahora, francesa pues.

Foto: Kristian Dowling/Getty Images Europe

¿QUÉ HE HECHO YO PARA MERECER ESTO?

"...me asomo a "Los abrazos rotos" con esperanza, intentando no volverme loco con el alud promocional que están montando el genio de La Mancha"

Carlos Boyero, El País

18 de marzo del 2009

Con nula perspicacia e irremediable antipatía pensé ante los primeros largometrajes de Pedro Almodóvar, tan celebrados entonces y añorados ahora por tantos espectadores que se declaraban seducidos por la frescura, la irreverencia, la modernidad, el humor, el posibilismo, la originalidad y el estilo del gurú de aquella cueva de impostura con pretensiones artísticas y lúdicas denominada movida, que la pasión que despertaba su cine entre la vanguardia obedecía a esa cosa tan provisional y epidérmica llamada moda, que sus hilarantes chapuzas fílmicas retratando a una fauna estratégicamente pintoresca y autoconvencida de que los tiempos estaban cambiando serían flor de un día.

Prejuicioso y maniqueo, me costó admitir ante la magnífica ¿Qué he hecho yo para merecer esto? que este hombre estaba dotado de un notable talento expresivo, una pasmosa facilidad para introducir el surrealismo en personajes y situaciones cotidianas, para reproducir con tanta gracia como desgarro la realidad, para plasmar el argot de la calle y el ritmo de la vida, para crear una tipología de seres humanos y de historias tragicómicas con el sello de su universo.

También era evidente que su certidumbre de que era un artista estaba afianzada, que su lenguaje, su tono y sus obsesiones conectaban con una masa notable, con la élite y con los intelectuales, los snobs y los experimentalistas, el diseño y las tendencias. Igualmente desarrolló, como Warhol y Dalí, un sentido impresionante de la autopromoción, de vender inmejorablemente y a nivel internacional hasta el mínimo suspiro que exhala su irresistible personalidad.

Consecuentemente, su cine jamás ha conocido el fracaso comercial, el público se siente en el placer o en la obligación de pasar por la taquilla, independientemente de que salten en estado orgásmico o echando espuma por la boca, su prestigio es absoluto en cualquier lugar del mundo supuestamente civilizado, rodeado de halagos y de esa atención masiva que él sabe crear y que pueden elevar el narcisismo a límites de frenopático, trascendente y progresivamente barroco, consciente hasta la náusea de que cualquier cosa que lleve su firma es un acontecimiento cultural y sociológico.

Y en ese prolífico e hiperpublicitado camino hay aciertos espectaculares como los de esa comedia modélica titulada "Mujeres al borde de un ataque de nervios" o el sentimiento en carne viva de "Átame", momentos y secuencias en las que la inteligencia, la sensibilidad, la audacia, el sentido crítico y la mordacidad de este hombre alcanzan el esplendor en la hierba. Y también bastantes y enfáticos disparates, pretenciosas reflexiones, cine tan hinchado como hueco, vampirismo estratégico de todo lo que su olfato intuya que está de moda en el mercado artístico, tormentos y emociones de plástico aunque pretendan ir lujosamente vestidas, control absoluto en la gestación y el lanzamiento de sus criaturas, la molesta sensación de que hay demasiado cálculo en su permanente ambición de crear arte trascendente. Hablo en primera persona, por supuesto. La expectación que desata su cine, los infinitos premios, el boato que rodea a su obra, la condición que le adjudican de cineasta profundo e inimitable pueden rebatir en cantidad y calidad mis innegociables opiniones respecto a este frecuente y magistral vendedor de humo.

Y a veces te sorprende gratamente. Después de aquella insufrible, cursi y seudolírica oda al violador enamorado en "Hable con ella" y del retorcimiento espeso y sin gracia de los traumas y los fantasmas de infancia en la grotesca "La mala educación", Almodovar habló con brillantez, complejidad, fluidez, dramatismo, encanto, de seres y sentimientos que conoce en la espléndida "Volver".

Y en función de su anterior película, me asomo a "Los abrazos rotos" con esperanza, intentando no volverme majara con el alud promocional que están montando el genio de La Mancha y su oscarizada musa, con la certeza de que me voy a encontrar el careto de ambos hasta en la sopa. Se supone que es un intenso tratado sobre la pasión, la pérdida, el recuerdo y la supervivencia. Hay un guionista ciego que alguna vez vio y fue director de cine. Su dolor parece resignado. Le cuidan una eficiente señora y su discotequero hijo. Inicialmente no te provocan demasiado interés, aunque deduces que hay pasado borrascoso, misterios por aclarar, que Godot va a aparecer. La temperatura emocional es tibia, ni lo que dicen ni lo que hacen presagian que el pasado de esta gente te vaya a remover.

Y aparece la femme fatale. Se lía con un tiburón que para no perderla pretende consumar los sueños de ella, hacerla estrella de cine con un director de primera clase. Pero llega el amor en medio del arte, y los cuernos y la atroz venganza del despechado e implacable villano. Y sigo como un témpano, no dando crédito a los forzados diálogos que escucho, sin que me salpique lo más mínimo el supuesto volcán que está acorralando a los amantes, ni las doloridas y metafísicas reflexiones sobre las heridas irreparables del creador cuando manipulan y alteran el montaje de esa obra amada en la que ha volcado su alma.

Hay infinitas referencias y homenajes a varios clásicos del cine para que captemos el compartido y penetrante mensaje sobre la creatividad que plantean Almodóvar y sus colegas del alma. Y los sentimientos pretenden estar en carne viva, pero como si ves llover. Y lo que observas y lo que oyes te suena a satisfecho onanismo mental. Y no te crees nada, aunque el envoltorio del vacío intente ser solemne y de diseño. Y los intérpretes están inanes o lamentables. La única sensación que permanece de principio a fin es la del tedio. Y dices: todo esto, ¿para qué?

Foto: El Deseo

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-19T08:52:00.000-07:00

GRANDIOSO PROYECTO CON RESULTADO NOTABLE

Amenábar entusiasma a Boyero con 'Ágora', su defensa de la tolerancia en clave histórica. Mientras los orientales Brillante Mendoza y Johnnie To lo agovian

Supongo que hay gente que hace cine por algo tan legítimo como ganarse la vida. Otros, por la convicción absoluta de que su incuestionable arte va a redimir al mundo. También están aquellos a los que no te los imaginas haciendo otra cosa, gente en cuya personalidad todo desprende inconfundible olor a celuloide, a narrar historias en imágenes. Alejandro Amenábar pertenece a esa raza. Tenía 24 años cuando realiza su primera película Tesis, edad que va asociada al aprendizaje. Pero aquella desasosegante inmersión en el suspense y en el terror parecía realizada por un director tan adulto como sabio, un brillante manipulador de emociones, alguien que hacía pasar tanto miedo al espectador como a esa estudiante de cine perseguida por un sádico especializado en hard-core.

Desde entonces cada proyecto del niño prodigio resulta imprevisible, tiene muy claro lo que quiere hacer y se toma su tiempo, se mete en películas tan arriesgadas como heterodoxas que resuelve con perfección, que alcanzan inevitablemente éxito comercial y le han otorgado un justificado prestigio. Se maneja con idéntica soltura hablando de un tipo al que el destino transforma en un monstruo físico y psíquico que dirigiendo a la megaestrella Nicole Kidman en un cuento gótico habitado por muertos que ignoran su condición, o llenando paradójicamente de emoción y de vida el dolor de un hemipléjico confinado en una habitación y que decide despedirse de una existencia tan atroz como impotente. El talento, la sensibilidad y la buena estrella han bendecido la variada obra de alguien que acierta siempre en temáticas aparentemente áridas, que sabe conectar con todo tipo de público, que hace el cine que le da la gana y que se ha ganado a pulso el derecho a equivocarse alguna vez.

Reconociendo la inquebrantable fe en sí mismo de este virtuoso en apuestas fuertes, se había creado lógica expectación y morbosa curiosidad alrededor de Ágora, una película de 50 millones de euros de presupuesto que se desarrollaba durante el siglo IV en la mítica Alejandría del Imperio Romano. Conociendo las aficiones de Amenábar era impensable que fuera a hacer un péplum o un tópico relato de aventuras. Tampoco sería Troya ni La pasión de Cristo, por citar dos ejemplos del cine moderno que revivían historias de la antigüedad y que por distintos motivos arrasaron en taquilla. Tampoco tendría demasiado parentesco con las aparatosas y convenientes interpretaciones del Imperio Romano que hizo Hollywood en los años cincuenta y sesenta. Sería una película de autor más que de productor, una reflexión muy personal sobre tragedias del pasado que también se pueden aplicar al presente.

Ese proyecto tan costoso y extenuante acaba de estrenarse en el Festival de Cannes. Lo primero que percibes en Ágora es que la documentación de ese guión ha sido muy trabajada, que se ha buceado intensamente en la historia sin tratar de adulterarla para llegar a la desolada conclusión que exponía Santos Discépolo en una incontestable y maravillosa canción de "que el mundo fue y será una porquería ya lo sé, en el 506 y en el 2000 también, que siempre ha habido chorros, maquiavelos y estafaos". Amenábar y su coguionista Mateo Gil hablan de la agresión salvaje que han ejercido las religiones, de su implacable metodología con los que consideraban herejes o disidentes, del casi siempre desigual combate entre la luz y la oscuridad. La primera está representada aquí por los guardianes de la Biblioteca de Alejandría, compendio de la sabiduría acumulada hasta entonces por la humanidad y que va a ser saqueada por una barbarie en imparable expansión llamada cristianismo, por una gente que fue acorralada en su nacimiento por los paganos y que en su ambición por el poder triturarán las mejores esencias de sus antiguos perseguidores. El resto de las religiones también salen malparadas, incluido el judaísmo y su adicción a practicar la ley del talión. Todos los que adoran ciegamente a dioses intangibles y a las reglas inamovibles sienten alergia hacia la tolerancia y están dispuestos a lapidar a los agnósticos, a los heterodoxos, a los que plantean dudas contra lo establecido.

La rebeldía está encarnada por Hipatia, una filósofa, astrónoma y matemática que investiga en el tiempo y en el espacio, que llega a la blasfema conclusión de que la Tierra puede girar alrededor del Sol, cuyos modelos no son Zeus, Cristo o Yahvé sino Parménides, Aristóteles y Tolomeo, gente que reflexionó sobre la ciencia y la naturaleza humana desafiando a las verdades impuestas, al cerril estado de las cosas.

Amenábar revive el universo perdido de Alejandría con poderoso sentido visual, diálogos excelentes, personajes diseñados con complejidad, tensiones latentes. Filma batallas y escenas de masas dando sensación de realidad, sin recurrir a los efectos de los ordenadores. Su implicación con la figura de la protagonista es estética y ética.

El tema y el primoroso lenguaje con el que se expresa me ponen incondicionalmente a favor de esta película, la veo y la escucho con respeto, estoy deseando que me atrape la emoción, pero ésta no llega. No consigo meterme dentro de una historia con tantas cosas admirables, condición indispensable que le exijo al gran cine. Esa mujer preciosa y actriz notable llamada Rachel Weisz está bien, pero no memorable. Me creo a los actores viejos, como el siempre impecable Michael Lodsale, pero no conecto ni mínimamente con los jóvenes, encabezados por Oscar Isaac y Max Minghella. La música de Dario Marinelli es lírica pero también abusiva, innecesariamente presente en casi todas las secuencias, subrayona. Ágora es una película notable a la que le sobran y le faltan cosas. Ojalá que tenga tirón para el gran público, que el éxito le permita a este singular director seguir abordando aventuras alejadas de lo convencional, que el mercado no le pase factura si no acaban de salirle las cuentas.

Celebro que me quede poco espacio para extenderme sobre los dos restantes títulos que ha exhibido en esta jornada la sección oficial, ya que nada bueno se puede contar de ellas. La filipina Kinatay, dirigida por el temible Brillante Mendoza, dedica dos horas insufrible a describir con imágenes oscuras la estupefacción de un chaval que aspira a entrar en la policía al constatar la relación umbilical entre ésta y un grupo de mafiosos de la prostitución, que torturan y descuartizan a una puta que ha intentado estafarles. Todo navega entre lo confuso y lo tedioso. Jonny Hallyday protagoniza Venganza, dirigida por el chino Jonnie To, señor al que los festivales le profesan incomprensible culto. Este profesional en intendible cine negro, en delirios, efectismo chirriante y violencia sistemática mantiene sus incendiarias y cansinas características en la venganza de un antiguo asesino a cuya hija acaban de cargarse. O sea: más de lo mismo.

AUTOR: Carlos Boyero
FUENTE: El País
FOTO: Getty Images Europe

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-19T08:28:00.000-07:00

AMÉNABAR IMPARTE UNA CLASE, LARGA Y PREMIOSA, DE "ASTRONOMÍA EMOCIONAL"

El tedio de Luis Martínez ante el estreno en Cannes de "Agora", la última densa superproducción española

Y llegó el día de 'Ágora'. El día del señor (el domingo, vamos), Amenábar presentó la más esperada de sus películas. Estamos delante de una producción de 50 millones de euros (grande, grandísima, para los usos y costumbres españoles) que arremete, con armas y bagages, contra todo lo que se mueve: la religión, el dogmatismo, la intransigencia, la ignoracia... Todas las enfermedades del alma, vamos. En palabras del propio director, "Asuntos todos muy de actualidad".

Eso sí, la cinta discurre en el siglo IV de nuestra era y se detiene en narrar los últimos días de Alejandría a través de los ojos de Hipatia, la filósofa (bien Rachel Weisz). Si se prefiere, cuenta el inicio de eso oscuro que se llamó Edad Media. Si se quiere, estamos delante de la narración detallada de cómo los cristianos pasaron de perseguidos a un nuevo estatus (mucho más rumboso): perseguidores. Buen tema para el domingo pues.

Hasta aquí, todo en orden. La cinta se precipita, con gesto decicido, por un terreno movedizo, de riesgo. Como ya hiciera Kubrick con 'Espartaco', la idea es convertir un género destinado al simple y puro solaz de incautos (es un 'peplum' con sus romanos con el pecho de lata) en algo diferente y, ya puestos, más respetable. De hecho, toda la película se alimenta de una contradicción: narrar un drama intimista entre el necesariamente espectacular derroche de decorados que exige el género.

Y así avanza, entre la Tierra (la lucha por el poder) y el cielo (la sabiduría de la filósofa Hipatia literalmente lapidada). De hecho, Amenábar recurre una y otra vez al recurso de elevar la cámara en círculos enormes desde el delta del Nilo (el lugar donde se asienta Alejandría) al ancho universo. Cosas de las metáforas: la idea del recorrido en elipse (que no en círculo) de los planetas alrededor del Sol, de la circularidad del tiempo histórico, reproducida en un único y majestusoso plano.

Las buenas noticias corren a cuenta del gusto por el detalle, la cinematografía elegante, el discurso pausado y las interpretaciones ajustadas a la intensidad del momento. Un cineasta, vamos. Las otras, las malas (que las hay), son producto del permanente estado anti-climax al que el director somete al espectador. Por primera vez en la filmografía de Amenábar, la historia no avanza, no hay tensión, la narración está detenida en un extraño empeño por impartir una larga clase de historia de la ciencia.

De hecho, el juego es ése: de un lado, la filósofa atrapada en su necesidad de saber; del otro, el fanatismo prisionero de su necesidad de sangre. La primera parte termina por resultar en exceso premiosa, demasiado cerca de un documental de National Geographic; y la segunda, demasiado obvia. El prólogo de la película dura exactametne una hora. Sesenta minutos para lo que debería haberse resuelto en diez.

Dice Amenábar que, a estas alturas, ya no puede juzgar su película. Probablemente, eso le ocurre a cualquier director. Después de tanto tiempo, donde debería entender él mismo su historia, sólo ve "un detalle, una ventana" (palabras suyas). Por alguna razón, eso mismo le pasa al espectador: donde debería ver el drama entero de la humanidad encarnado en una protagonista brutalmente asesinada, ve, además de eso, el lento transcurrir de una larga clase de astronomía. Pura contradicción. El director lo llama "astronomía emocional". El resultado es mucha astronomía y poca emoción.

AUTOR: Luis Martínez
FUENTE: El Mundo

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-19T08:15:00.000-07:00

SCORSESE, AL RESCATE DEL CINE PERDIDO
El presidente de la World Cinema Foundation pide apoyos para recuperar títulos en peligro de desaparición - El certamen dedica un ciclo a sus hallazgos

Como un Indiana Jones, pero sin látigo y con gafas de pasta negra, recorre el planeta Martin Scorsese en busca del arca perdida del cine mundial. Malí, Turquía, Dubai, Egipto, Brasil, China, Estados Unidos... y por supuesto, Cannes, son las etapas de su periplo como presidente de la World Cinema Foundation, la institución que el director de Toro salvaje y Uno de los nuestros -uno de los dos o a lo sumo tres clásicos del cine en vida, para entendernos- puso en marcha hace dos años aquí mismo, en el primer festival del mundo. Su objetivo: localizar, primero, restaurar después y finalmente exhibir aquellas películas que el paso del tiempo y el empeño de la desidia se ha encargado de poner en peligro de muerte.

Ayer, de visita en el Cannes que le aupó a la gloria en 1976 -Palma de Oro para "Taxi driver"- Scorsese lanzó una nueva llamada al rescate del cine perdido u olvidado. Aun siendo realista, aun siendo consciente de que "muchos países, en la era en que vivimos, tienen cosas mucho más importantes que hacer que preservar su patrimonio cinematográfico, porque sus prioridades son el hambre o la sostenibilidad del medio ambiente".

Su presencia en el festival se debe también a su papel de maestro de ceremonias en la sección Cannes classics, creada en 2004 y que cada año muestra películas recuperadas y restauradas: los viejos amantes de Jacques Tati, por ejemplo, tendrán la ocasión de ver una restaurada Las vacaciones del señor Hulot, y ayer mismo le tocó el turno a Las zapatillas rojas, de Michael Powell y Emeric Pressburger, presentada por Scorsese en el escenario. Una película recurrentemente citada por autores como Brian De Palma o Steven Spielberg como chispazo inspirador de sus carreras.

"La restauración y salvación de películas es una batalla ardua, porque siempre nos falta tiempo", explicó Scorsese en Cannes. "Como saben, el cine vive sobre un soporte delicado que se deteriora si no es bien almacenado, y si la situación en un país como Estados Unidos ya es preocupante en ese sentido, imaginen lo que ocurre en países que no pueden permitirse estas operaciones de rescate: estamos perdiendo irremediablemente muchas grandes películas de la historia del cine". Scorsese puso el dramático ejemplo del cine mudo hecho en Estados Unidos, "del que ya se ha perdido casi un 90%", dijo. O la versión íntegra de Juana de Arco, de Dreyer, perdida entre 1932 y 1981 hasta que fue hallada en una alacena de un manicomio danés...

El combate cazapelículas de Scorsese sigue adelante, en estrecha colaboración con Gianluca Farinelli y su equipo del Archivo Cinematográfico de Bolonia. También con las empresas B-Side y The Auteurs (una gigantesca filmoteca en la Red, www.theauteurs.com), que procurarán la exhibición de las películas que la WCF vaya rescatando del olvido. "Porque lo fundamental no es sólo que las películas sean localizadas, restauradas y salvadas... Además tienen que ser mostradas a la gente. Si no, no tiene ningún sentido", explica Martin Scorsese, que sacará tiempo de donde sea para seguir ejerciendo de Indiana Jones. Y eso, a pesar de estar inmerso en la posproducción de su película Shuttter island y de un documental sobre George Harrison, y en la preproducción de Silence... Además de ese proyecto en ciernes sobre la vida de Frank Sinatra (con un más que probable Leonardo DiCaprio en la piel del mejor crooner de la historia), y del que Martin Scorsese no quiso soltar prenda más allá de "es un viejo proyecto", aunque Universal lo confirmaba ayer mismo en un escueto comunicado.

AUTOR: Borja Hermoso
FUENTE: El País
FOTO: Pascal Le Segretain/Getty Images Europe

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-19T07:54:00.000-07:00

LA INSOPORTABLE TRANSGRESIÓN
Otra vez el crítico de cine y columnista español de El País, Carlos Boyero nos cuenta su experiencia en la Croisette, entre Von Trier y Loach

Entre los directores ancestralmente mimados por Cannes ocupa un lugar intocable el danés Lars von Trier. Haga lo que haga el gurú del Dogma sabe que el festival le va a recibir con los brazos abiertos, que los selectos miembros de su posmoderna parroquia van a celebrar con alborozo y éxtasis cualquier ocurrencia o experimento de su siempre revolucionario profeta. La mayoría de sus películas han dispuesto aquí de la prestigiosa plataforma de lanzamiento internacional, se han hinchado a ganar premios, forman parte de la historia de Cannes en los últimos 25 años.

Reconociendo que este director tan insólito como agresivo está en posesión de un talento especial y de reconocible personalidad, sólo me he sentido impresionado por su cine en dos ocasiones, en las escalofriantes y auténticamente perturbadoras "Rompiendo las olas" y "Bailar en la oscuridad". El resto, o no las entiendo, o me ponen de los nervios, o me parecen estupideces convenientemente adornadas, pero admito que su autor siempre se siente en la obligación de dar la nota, de empeñarse en ser el más transgresor, de que nadie permanezca indiferente ante sus criaturas.

Anticristo comienza con una pareja follando desaforadamente (sin trucos, con sexo explícito, con naturalismo que acredite la marca de la casa) mientras que su desatendido hijo gatea hacia una ventana abierta. Y dices, empezamos bien, que se note que Trier es el más heavy, que el plano a cámara lenta de un bebé estrellándose contra el suelo nos prepare para el desmadre emocional que se avecina.

La madre enloquece de dolor y el padre, que es psiquiatra, intenta la terapia de curarla en medio de un bosque presuntamente apacible. Lars von Trier le pide a su director de fotografía que se eche la cámara al hombro permanentemente y se dispone a castigarnos duramente con las alucinaciones y el sadomasoquismo de estos dos náufragos mentales en medio de la amenazante naturaleza. Ya están permitidas todo tipo de pasadas. Si se limitara a la sucesión de compulsivos polvos y pajas, a realizar un porno salvaje con pretensiones de originalidad, hasta podría ser divertido, pero Lars von Trier y su complejo de artista destroyer, también necesita disfrazarlo con discursos psicológicos en medio de la atmósfera de las pesadillas. A la mitad de trama tan tediosa resulta que Satanás se ha instalado en la deprimida esposa y como el diablo siente tanta afición a la sanguinolencia, la poseída e histérica dama le destroza los genitales al marido, le atraviesa la pierna con tornillos y para rematar la orgía se corta los labios vaginales con unas tijeras de podar. Porque al autor le sale de los huevos, porque sus desgarradores poemas fílmicos se sienten en la obligación artística de hacer vomitar a los espectadores. Y te planteas que esa actitud es tan legítima como la decisión de alguien responsable para internar a este tarado en el frenopático durante una temporada. Pero no ocurrirá. Seguro que Anticristo estará en la quiniela de los galardones, que se dedicarán ilustradas y penetrantes tesis a la grandeza de su provocación, que descubrirán en ella el retrato genial del Apocalipsis. La imbecilidad con ínfulas de transgresión siempre goza de infinitos adeptos en estos templos de la alta cultura denominados festivales.

Afortunadamente, Ken Loach y su habitual guionista Paul Laverty están muy apegados a las cosas terrenales, no tienen tiempo ni ganas para las masturbaciones mentales sobre metafísicos anticristos con adicción al gore. En "Looking for Eric" se permiten fantasías, pero son tan generosas como divertidas. Como la de que a un cartero cincuentón que siente que su existencia ha sido un fracaso, con inclinaciones suicidas, soportando a unos hijos que hacen la carrera de delincuentes juveniles, atormentado por haber perdido en la juventud a la que fue la mujer de su vida, pero en posesión de buenos amigos y de la fervorosa adoración por aquel futbolista extraordinario y torrencial ser humano llamado Eric Cantona, se le aparezca el espíritu de éste para aconsejarle sobre los problemas que le amargan. Y es muy hilarante y tierna la relación entre el asfixiado proletario y el pelotero filosofal. Loach, cuando habla de lo que conoce y se olvida del panfleto, siempre transmite sensación de verdad, sorna, humanidad, un ojo y un oído privilegiados para captar la imagen, los sentimientos y los sonidos de la calle. Te ríes muchas veces en esta película y esa sensación tan liberadora en medio del solemne intelectualismo que caracteriza la programación de los festivales, alcanza condición de oasis.El director siempre se siente en la obligación de dar la nota.

AUTOR: Carlos Boyero
FUENTE: El País
FOTO: Michael Buckner/Getty Images Europe - Photo Agency

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-19T07:34:00.000-07:00

EL "MEJOR CINEASTA" DEL MUNDO
El danés Lars von Trier colapsa el certamen con la presentación de 'Anticristo'

"El caos reina", reza el cartel que Lars von Trier tiene pegado en la puerta de su despacho de los estudios Filmbyen, unos antiguos cuarteles militares situados a las afueras de Copenhague. Pero el mismo lema puede adherirse a su nueva película, Anticristo. No en vano es una de las réplicas que el director danés incluyó en esta crónica salvaje de una pareja infernal protagonizada por Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg, actores únicos del filme. Eso sí, la frase no la dicen ni el hombre ni la mujer, sino... un zorro. Es el mundo de Lars von Trier (Copenhague, 1956), que hace hablar a las bestias y automutilarse a las personas, en un cine brutal que ha dividido al Festival de Cannes entre furibundos detractores (una inmensa mayoría) y ensimismados entusiastas. De tal manera que, bien pensado, también el impacto de Anticristo en público y prensa podría llevar el mismo marchamo: "El caos reina".

El caos reinó hace cosa de dos años en la vida del director danés, víctima de una profunda depresión que le hizo "tocar fondo". Se preguntó entonces si sería capaz de volver a rodar una película y se dijo a sí mismo que hacerlo podría servir de terapia. "Hice esta película para curarme, y aquí está... Comprobé que la rutina de levantarte por la mañana y trabajar puede ayudar mucho", explica Von Trier en Cannes. Se fue a Alemania para buscar financiación y rodar. "Pasamos tres meses en las afueras de Colonia, en un hotel que tenía un menú... que de no haber estado ya deprimido, lo habría acabado estando", cuenta el fundador del movimiento Dogma, embutido en un veraniego traje beis y tocado con un sombrero Panamá.

La comparecencia de Lars von Trier ante los medios de comunicación de todo el mundo, ayer en el Palacio de Festivales, estuvo a la altura de la enorme controversia suscitada por esta ceremonia de la sangre y el sexo. Una ceremonia en la que la paranoia se abre paso con profusión de primeros planos de autoablaciones de clítoris, masturbaciones masculinas con resultado de sangre y no de semen y otras lindezas marca de la casa. Éste es el diálogo que el realizador mantuvo con un periodista británico que le había preguntado por sus motivos:

-¿Por qué ha hecho esta película? Y procure contestar con algo más que una palabra...
-La vida no es sencilla. Y no tengo por qué justificar esta película, la he hecho y ya está.

-Sí tiene que justificarla, está usted en el Festival de Cannes.
-No sé por qué tengo que justificarme, me gusta hacer películas, sólo eso, no puedo decir gran cosa, su pregunta es muy rara. ¿Por qué tengo que pedir perdón? Son ustedes mis invitados aquí, y no al revés. Yo trabajo para mí mismo, no lo hago pensando en el público ni en la prensa... No tengo que explicar nada, y me gustaría hacerlo, pero no puedo.

-¿Por qué haber hecho esta película y no otra?
-Es Dios el que dicta [Lars von Trier se declara ateo].

El director danés ya había reconocido antes de ser seleccionado para la sección oficial de Cannes (donde ganó la Palma de Oro en 2000 con Bailar en la oscuridad), y así lo dicen sus notas de producción, que Anticristo no sigue los parámetros habituales de su cine, ya que es "una obra en la que las secuencias se fueron añadiendo sin razón lógica, y donde las imágenes iban componiéndose fuera de toda lógica o de toda reflexión dramática, procediendo a menudo de sueños que yo tenía o había tenido en otras épocas". El caos reina...

Anticristo nace de las propias perversiones de Lars von Trier, tal y como él mismo admite. Para ello, Charlotte Gainsbourg y Willem Dafoe, que ya había trabajado con Von Trier en Manderlay, se plantaban en el rodaje "dispuestos a todo", pero prácticamente sin saber lo que tocaba ese día. "Fue una experiencia única", recuerda Gainsbourg. "Hablábamos poco y hacíamos mucho, Lars no permite que ensayes antes, no te explica casi nada, te pide que llegues y empieces a rodar, con él es casi el actor el que fabrica la secuencia sobre la marcha", explica Dafoe.

Un método, una obra, una película para la polémica, Anticristo, cine hecho por un tipo con miedo irreprimible a volar, por un señor danés que se considera a sí mismo, "el mejor cineasta del mundo, porque los demás están sobrevalorados".

AUTOR: Borja Hermoso
FUENTE: El País
FOTO: Michael Buckner/Getty Images Europe

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-19T07:05:00.000-07:00

“UN PROPHÈTE”: LA PRISIÓN, UNA ESCUELA DE LA VIDA SEGÚN JACQUES AUDIARD

La escena acontecida el sábado 16 de mayo, a las 11 de la mañana, en el Gran Teatro Lumière de Cannes, donde se acaba la proyección de prensa del quinto largometraje de Jacques Audiard, “Un prophète”. Es en pocas palabras: un volumen de aplausos y un “yo no sé qué” que hace temblar el aire, cuya conclusión sugiere que si el premio se declaraba hoy, Jacques Audiard saldría de Cannes con la Palma de oro en su bolsillo.

De hecho, es una película admirable que acabamos de ver. Rica, compleja, sutil, bajo una tensión permanente, incomoda y generoso. Las dos horas y treinta minutos de una puesta en escena rigurosa e inventiva, en un género poco y mal servido por el “cine hexagonal”: la película de prisión. A excepción de “Le trou” de Jacques Becker (1960), es lo más grande jamás realizado en Francia.

La razón es simple, es que “Un prophète” es mucho más que una película de prisión. Es también un relato de venganza, una novela educadora, una alegoría política.

He aquí la paradoja del lugar común del género: el todo está en saber arreglárselas. Para Malik El Djebena, el muy discreto héroe de esta película, eso tardará seis años. Cuando nos introducimos a lo central, él es un pequeño rufián de 19 años, de origen magrebí, analfabeto, sin familia, sin amigos, sin apoyo, a la gracia de la violencia que reina en estos lugares. Cuando sale, entero y vivo, es un hombre que se ha constituido en un sólido entramado, un botín de guerra confortable, una mejor comprensión de la humanidad, una fe irreducible en la libertad individual, e incluso una esperanza de felicidad enamorada.

Eso en cuanto a la novela de formación, estilo Audiard, es decir, de una agradable y anarquizante amargura: la prisión como escuela de la vida, en una sociedad corrompida por la violencia y la injusticia. Como lo declaró el realizador a AFP, “hay una ironía que me pareció suficientemente interesante para hacer una película: este muchacho le debe todo a la prisión y no pienso que sea un caso particular ".

El corazón de la película consiste en mostrarnos cómo el héroe llega a este resultado. Ahí todavía, es inútil de esperar de Audiard la menor concesión al idealismo o al compromiso de una película documentada. Totalmente reconstituida en estudio con actores profesionales, la película juega el juego del género, con sus rituales y sus pasajes obligados, pero se toma convenientes libertades con sus convencionalismos.

No solamente porque las autorizaciones de salida obtenidas por este recluso al parecer modelo, ocasionen algunas escenas de acción en exteriores también deslumbrantes como decisivas. Pero también porque Malik El Djebena es esencialmente un oportunista, que reinventa en el medio carcelario las reglas del judo y las leyes de Machiavelli para preservar, a alto precio, su integridad: jugar con inteligencia contra la fuerza, asumir su propia abyección moral en el crimen y la traición, utilizar la fuerza del adversario para triunfar.

Desembarcado en un universo dominado por dos clanes, los corsos y los árabes, Malik va someterse contra todo lo esperado a los primeros, ganándose a fuerza de humillaciones y de sumisiones la confianza del cabecilla (Niels Arestrup, magnifico en su manera de traducir su violencia), exponiéndose a la hostilidad de su propia comunidad, a fin de conseguir un final del que el espectador no descubre hasta muy tarde. Admirable la inteligencia del guión, aquí también, es donde se revela una pequeña luz de este relato de formación que se pone al servicio de un proyecto de venganza personal.

No está prohibido, finalmente, leer en este a puerta cerrada carcelario una parábola de vocación más general. No en un alegato sobre la actualidad de las prisiones francesas, sino un reflejo tenso de una sociedad cada día más fragmentada, tomando como blanco las reivindicaciones de las comunidades y del espíritu de clan. Eso explicaría la suerte reservada por Audiard a la mafia corsa, cuyo código de honor se revela corrompido por el chauvinismo y el racismo, y también del hampa magrebí, que se sirve de su fe rigurosa en el islam.

Pues entonces, en cambio, a su héroe solitario, profeta en su país, que va toda la simpatía del cineasta. Porque, a falta de ser un ángel, sobrepone su libertad individual antes de cualquier comparecencia identitaria, porque él demuestra la manera en que los débiles pueden resistir a los fuertes.

“Trabajo para mí mismo”
El “yo trabajo para mí mismo” expresado por el pobre árabe Malik, es sin duda un credo que podría reclamar Jacques Audiard, cineasta a parte en el paisaje francés. Ni la moral ni la conciencia política no se encuentran en su cálculo, pero estaría en contra su voluntad no ver en esta fraternidad entre el realizador y su personaje una verdadera generosidad de corazón.

Es lo primero que permite señalar como su mejor película y el segundo se roba el show. Su intérprete, Tahar Rahim, novato en el cine, ofrece una prestación asombrosa. No es la gran noche, pero sin duda es lo máximo que un cineasta puede hacer en su lugar que es la suya (su noche).

Film francesa de Jacques Audiard con Tahar Rahim, Niels Arestrup, Adel Bencherif, Reda Kateb. (150 minutos)

Leer crítica en su versión original

AUTOR: Jacques Mandelbaum

FUENTE: Le Monde
FOTO: UGC Distribution, Roger Arpajou
TRADUCCIÓN: Emanuel Ramos

2009-05-18T03:03:00.001-07:00

LA DECEPCION TIENE UN NOMBRE ILUSTRE: COPPOLA

La primera mirada al Festival de Canes del crítico de cine y columnista español de El País, Carlos Boyero

Si existe un director antiacomodaticio, capaz de jugarse lo que ha ganado por experimentos propios o ajenos en los que cree, de abandonar caminos seguros para introducirse en el riesgo de lo inexplorado, se llama Francis Ford Coppola. Aunque sólo hubiera realizado la inmarchitable saga de El Padrino, esa creación le sitúa más allá del bien y del mal, en una condición que sólo está al alcance de los mejores y denominada clasicismo. Pero el heterodoxo Coppola también es el autor de otras obras maestras, de fracasos apasionantes, de lenguajes continuamente renovados para contar sus historias. Su monarquía no sólo se ha prolongado en Hollywood y en sus estudios Zoetrope. También lo ha hecho en el festival de Cannes, logrando en el pasado algo tan insólito como que le concedieran dos veces la Palma de Oro por la atormentada lucidez de La conversación y por esa epopeya en estado de alucinación titulada Apocalypse now.

Coppola ha regresado con su última película a un festival en el que es venerado. No lo hace en la ambicionada sección oficial, sino en la menos trascendente Quincena de Realizadores, algo que inicialmente te mosquea al venir firmada esta obra por una de las pocas glorias vivas que le quedan al cine.

También he leído en alguna entrevista con Coppola que éste es el tipo de película que siempre ha querido hacer. Se titula Tetro y comienza bien, con aroma a misterio, con la llegada en medio de la noche al barrio bonaerense de La Boca de un marinero adolescente que está buscando a su mitificado hermano mayor, alguien que desapareció de su vida y de su familia hace muchos años. Son imágenes con fuerza, en blanco y negro, con sabor a enigma, que asocio inevitablemente con el arranque de la fascinante La ley de la calle. Las expectativas de que vas a ver algo grande se acaban a los 10 minutos. A partir de ahí comienza una cadena de despropósitos, diálogos enfáticos, situaciones huecas, personajes que se convierten en involuntaria parodia, flashbacks absurdamente coloreados en los que se describe la torturada y edípica relación que llevó a la huida, la autodestrucción y la locura a un hombre masacrado por la egolatría y el egoísmo de su famoso padre, reflexiones muy gastadas sobre el arte y la creatividad que dan entre risa y pena, un viaje hacia la redención que se pretende cargado de sentimiento pero que es incapaz de transmitirte nada, un catártico y alargado desenlace que se desarrolla alrededor de unos premios literarios que se conceden en la exótica Patagonia y que puede provocar vergüenza ajena.

Alguien me comentaba que en muchos momentos de Tetro da la sensación de que Coppola está imitando el estilo y el tono del peor Almodóvar. No exagera. Ver para creer. Y te da tanta lástima como estupor que un director extraordinario pueda llegar a parecerte una caricatura de otros. Ojalá que el casi anciano Coppola no se despida del cine con esta película lamentable. No se lo merecen ni su deslumbrante carrera ni los infinitos admiradores a los que nos ha regalado tantas sensaciones impagables.

La directora inglesa Andrea Arnold también habla en Fish tank de la lacerante incomunicación entre una madre y su hija adolescente, pero en este caso no te suena a impostura con pretensiones metafísicas, son gente de los suburbios y experta en supervivencia. Esa cría en permanente guerra con el mundo, colgada del amante de su madre, enfrentándose en plan punki al lógico torrente de incertidumbres, miedos, rencores y sensación de fracaso cotidiano que acompañan a la casi siempre problemática adolescencia respira credibilidad y vida. Andrea Arnold vuelve a demostrar aquí, como hiciera en su sugestiva ópera prima, Red road, que sabe describir a gente a la deriva, a seres frágiles y en permanente desconcierto que se defienden a bocados.

La película china Spring fever, dirigida por Lou Ye, destaca porque es la primera vez en el cine de esa nacionalidad en el que una relación homosexual está plasmada con imágenes que no desdeñaría el porno. Hay sexo casi explícito en todos los lugares y retratando variados tipos de posturas coitales entre un chico muy moderno y un señor casado con una mujer que quiere asesinarlo al enterarse de que le pone los cuernos con un tío. Lo malo es que esta interminable sucesión de polvos también está acompañada de pretensiones líricas y sociológicas que rozan lo grotesco. Es muy higiénico que en un cine tan timorato o amordazado para mostrar el erotismo un director audaz se salte las reglas. El problema es que su película es tan tediosa como inane. La provocación también necesita sustentarse en algo mínimamente sólido.

Leer entrevista en su versión original

AUTOR: Carlos Boyero

FUENTE: El País

FOTO: Festival de Cannes

FESTVAL DE CANNES

2009-05-18T02:39:00.000-07:00

CANNES HACE UN LLAMADO A LAS DIRECTORAS
La directora neozelandesa Jane Campion ha animado a sus colegas a ponerse sus armaduras y hacer un impacto en el Festival de Cine de Cannes.

“¡Me gustaría ver a más directoras, porque son ellas las representantes de la mitad de la población y porque son ellas las que procrean a el mundo entero!”, bromea la directora, actualmente en competencia en Cannes con el romance de época “Bright Star”.

“Lo que les interesa a las mujeres es muy interesante para mi y sin más guionistas y directoras, el resto de nosotros nunca va a saber la historia completa”.

“Pero yo creo que las mujeres crecen sin mucha critica severa, ellas son tratadas con mas sensibilidad y es un poco duro cuando tienes tu primer encuentro con el mundo del cine”.

“Las mujeres deben ponerse sus armaduras y ponerse en marcha”
Campion dice que las mujeres pueden encontrar difícil “desarrollar una piel resistente”.

Pero las mujeres deben ponerse sus armaduras y ponerse en marcha, porque queremos ver más de ellas en la competencia, agrega la neozelandesa, quien se encuentra en competencia en el festival, 16 años después de ganar la Palma de Oro por” The Piano”.

La noche anterior cuando estábamos revisando las publicaciones, sentía mariposas, dijo Campion acerca de su retorno a la Croisette, “Me sentí emocionada y atemorizada”.

Campion de 55, emana calidez y humildad mientras que habla acerca de Bright Star: “Me apasionaba tanto la aventura, me siento triste de estarme alejando de ella”. Su primer largometraje presentada en seis años, esta sigue la intensa aventura amorosa entre el poeta pobretón John Keats y su muy sincera vecina, la bella Fanny Brawne.

“Sentí como si hubiera entrado en otro mundo,” dice Campion, quien tropezó con la historia entre Keats y Fanny, cuando estuvo leyendo la biografía del poeta John Keats por Andrew Motion.

“La historia de su relación me atrapó inconscientemente, eso fue tan emocionante y a la ves doloroso”.

Historia Íntima
La historia esta narrada desde del punto de vista Fanny: “Fanny se enamora de Keats y es en ese transcurso cuando nosotros nos enamoramos de Keats y de ella”

Ella no estaba interesada en la poesía, pero en el transcurrir de la historia ella va ganando un apetito y amor hacia ella (la poesía).

“Para mí, ella fue una persona muy honesta con la cual viajar, y eso es porque yo me siento en una posición similar.

Campion insiste en que la película no intento ser una película biográfica o ser una obra de época, a pesar de las antiquísimas vestimentas y de la recreación refinada de una irreconocible Hampstead village.

“Fue muy importante para mi contar una historia muy íntima… no enfocarme en las grandes casas ni en los vestuarios,” dice Campion.

Ella instó a sus actores principales, Abbie Cornish y Ben Whishaw, a encontrarle “una cualidad a lo cotidiano” en su interpretaciones.

Campion señala a su hija como su inspiración para la voz moderna de Fanny, y también señala que es ella la razón de los largos intervalos entre sus largometrajes: “Alicie es mi razón y hasta el momento mi mejor película”.

Una película que toma lugar en el siglo 19, donde un poeta y sus trabajos son su idea central y como se puede sobrevivir en los múltiples escritos inéditos hasta ser vistos.

“Nos gustaría pensar que podemos atraer nuevamente a la gente hacia la poesía, porque es tan un hermoso plantar un jardín en sus almas y en sus mentes”.

Leer entrevista en su versión original

AUTOR: Victoria Lindrea
FUENTE: BBC News
FOTO: Festival de Cannes

TRADUCCIÓN: Emanuel Ramos
COLABORACIÓN: Sholange Barranzuela

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-17T14:30:00.000-07:00

“FISH TANK” TE ENGANCHA
La aspirante a la Palma de Oro, Andrea Arnold, nos trae una película impactante acerca de un amor traicionado en un paisaje inhóspito, sustentado por las inquietantes actuaciones de Michael Fassbender y la debutante Katie Jarvis.

En el claustrofóbico apartamento que alberga a una familia disfuncional y rabiosa, rodeada de espacios de salvaje encanto, donde la expansión descontrolada de la ciudad sale hacia el campo, La cineasta Andrea Arnold descubre una historia poderosa de traición amorosa. Esta es una de las tres películas británicas en competencia este año en Cannes. “Fish tank, es una drama con poderosas actuaciones, fantásticamente fotografiada por el director de foto, Robbie Ryan, quien intercala con brusquedad interiores grises y paisajes impresionantes parecidos a algo con dos caras. Arnold toma elementos del duro y real drama social en el cual nos encontramos, sino es igual, al menos es familiar; pero hace que lo vivamos nuevamente y dirige la película lejos del miserabilismo, conduciéndola hacia una representación sólida y sincera.

Mia, interpretada por la debutante Katie Jarvis, es una antisocial de 15 años que vive con su madre soltera Joanne, interpretada por Kierson Wareing) su contestona hermana menor Tyler — escena robada de Rebecca Griffiths — y su graciosísimo perro llamado Tennents. Así como una sincera devoción por las chelas baratas del supermercado, las niñas han aprendido de su madre maneras preventivas despreciables y furiosas para disimular los sentimientos que las hieren. Mia misma, es una aspirante a bailarina y una mañana mientras intenta poner en práctica unos pasos de baile en la cocina, el nuevo novio de su madre deambula semidesnudo, esperando poner la tetera a hervir.

Este encantador y bien parecido es Connor, interpretado de forma excepcional por Michael Fassbender, mira a Mia con una franca valoración. “Tu bailas como una negra”, dice, “… lo digo como un cumplido“. La pobre Mia que nunca había recibido cumplido o algún elogio en su vida y responde alternando desconfianza y ferocidad, semicontrolada gratitud, especialmente cuando Connor se comporta como un verdadero papá, Teniendo a todos a su favor.

Desde luego que hay una atmósfera sexual entre Connor y Mia, tan tórridamente húmeda que hasta el techo esta casi empapado. Una noche Mia finge estar dormida tanto que Connor la llevará hasta su cama, es ahí cuando entran en una escena extremadamente sugestiva de nalgadas simuladas, cuando Connor aparenta “disciplinarla”. Mia no tiene idea de cómo expresar o manejarse, es demasiado, carente de reservas de cariño: ella no sabe si lo que quiere es un amante o un padre, o solo alguien que la ame incondicionalmente. Connor es quizás ese hombre, pero este seductor nada fiable guarda secretos.

Las actuaciones de Jarvis y de Fassbender son destacadas y tienen una química inquietante y por tanto los hace explotar. Esta es otra película altamente inteligente, envolvente de una de las voces más poderosas en el cine británico.

Leer artículo en su versión original

AUTOR: Peter Bradshaw
FUENTE: The Guardian
FOTO: Fotogramas
TRADUCCIÓN: Emanuel Ramos

COLABORACION: Sholange Barranzuela

2009-05-17T06:34:00.000-07:00

“BRIGHT STAR”: LA TURBACIÓN EXQUISITA DE UNA PASIÓN PURA EN EL SIGLO XIX
Un enfoque superficial puede dejar pensar que “Bright Star”, la película de Jane Campion, situada en un pueblo muy cercano a Londres de 1818, está a los antípodas de las historias contemporáneas que se ven en Cannes. Impulsos refrenados por una parte, pasiones sexuales del otro. La cineasta neozelandesa no sólo habla del deseo, del impulso, del amor vivido como una insurrección.

El beso que terminan por intercambiar los dos jóvenes protagonistas, labios que se rozan, se alejan, se unen para juntarse nuevamente, como en “Notorious” de Hitchcock, antes de que la señorita vuelva a ponerse su sombrero, discreto símbolo de un indecente strip-tease, es infinitamente más inquietante que los ruidos de succión orquestados en varias películas del Festival.

Si Fanny, la heroína de esta admirable película, maravillosamente personificada por Abbie Cornish, prueba que ella dista mucho de ser frígida, y se sumerge en un siglo en que las Lady Chatterley no corrían por el campo, en una cultura romántica donde la pasión se hacia un deber de expresarse con reserva.

Adepta a los más excéntricos collares, como Nicole Kidman a su miriñaque en “The Portrait of a Lady” (1996), uno de las películas de lo más injustamente despreciadas de Jane Campion, Fanny se abre con tanto más descaro cuando está bajo la vigilancia permanente de su dama de compañía, su adorable hermanita.

El joven hombre del que se enamora es el gran poeta romántico John Keats (1795 - 1821). Fanny Brawne es conmovida por sus escritos, por el sufrimiento de su hermano moribundo. Keats está perplejo al principio (“usted me atrae sin que yo sepa porqué. Todas las mujeres me perturban"), y es esa, facilidad de palabra, personalidad con temperamento, que va a volverse irreemplazable a los ojos de ella que le ha enseñado que “la poesía es una experiencia de los sentidos”.

Keats no tiene los medios para amar a Fanny: no gana una moneda. Un amigo poeta, que vive con él, va a hacerlo todo para alejarlo de esta provocación que sólo sabe “embromar y coser”, y del que no deja de burlarse de sus vestidos. Está también la madre de Fanny, tolerante a pesar de todo, pero que acentúa aún más el impasse de este idilio.

Fanny no dejará escapar nada, pasando y volviendo a pasar debajo de la ventana del poeta, especialmente, cuando cae enfermo y está prohibido de recibir visitas, arrancando incluso una petición de mano. Las cartas que ella envió Keats son consideradas como modelos de cartas de amor. Él murió de tuberculosis en Roma, de 25 años.

La crisis de sollozos de Fanny que se enteran de la muerte de Keats libera emociones por mucho tiempo reprimidas. Todo, en la actitud de la joven mujer, cuyos amplios vestidos de cinturón alto que ocultan su redondez, revelan una impaciencia por ser elegida, halagada, admirada, poseída.

Todo, en la puesta en escena de Jane Campion, sugiere el carácter agobiante de lo que se aleja o se acerca a los amantes potenciales. Así las puertas, las cortinas, los cristales o las paredes, a lo largo de las cuales Fanny es empujada de su cama para dormir más cerca de Keats. Así la evocación pícara de una casa en la que vivieron por turno, ocupando la misma habitación.

Uno, dos, tres....sol
La intensidad de los versos apasionados, la sensibilidad con la cual el poeta expresa el nacimiento de sus sentimientos, la sublime frustración carnal, el hilo que se borda entre Fanny y John, todo eso cohabita en la película con una cotidianidad trivial, el de los trabajos de costura, los juegos de niños, las ausencias de cartero y las mezquindades sexuales del amigo de Keats, que deja embarazada a la sirvienta.

Fanny y John juegan con decoro como en “uno, dos, tres… sol”. Las estaciones pasan, la nieve cae, las flores nacen, junquillos o violetas. Fanny deja alzar vuelo a las mariposas en su habitación, que desaparecen cuando John está lejos.

En peligro permanente de ser encorsetada por el academicismo, Jane Campion desliza sus travesuras. Una pequeña llave oculta entre los senos de Fanny, un “turbación exquisita” confieso, un plano fugaz de dos pies desnudos, y este suspiro escapado de la boca de la joven muchacha cuando Keats le susurra “te besaré las manos, la frente, los labios…”, y que, ella lo interrumpe, sugiriéndole: “… por todas partes!” Todo ello sin cámara fija, en un trabajo de reconstitución perfecto y una preocupación permanente de hacer irradiar las luces interiores.

Película australiana de Jane Campion con Abbie Cornish, Ben Whishaw, Paul Schneider, Kerry Fox. (2 horas)

Leer artículo en su versión original

AUTOR: Jean-Luc Douin
FUENTE: Le Monde
FOTO: Laurie Sparham, Pathé Distribution
TRADUCCIÓN: Emanuel Ramos

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-16T08:06:00.000-07:00

“THIRST”, ESTA ES MI SANGRE: EL GROTESCO CHUPADOR DE SANGRE EN SOTANA DE COREANO PARK CHAN-WOOK

Había causado escalofríos de horror y se había llevado el Gran Precio del jurado, en Cannes, en 2004, mostrando un energúmeno que engullía a calamares vivos en “Old Boy”. De nuevo, más atento que nunca a los placeres de la boca, con “Thirst”, esta es mi sangre…, una película que soñaba rodar desde hace diez años, y que se presenta como lo primero venido de Corea coproducido por Hollywood, Universal en este caso.

“Thirst”, en competición, cuenta, sobre un tono que haría pasar a los cineastas de horror Carmelo Bene, Mario Bava y Dario Argento por discípulos de Robert Bresson, la historia de un joven sacerdote que ha ido a África a probar una vacuna experimental contra un virus mortal. Víctima de su sentido del sacrificio, muere, y resucita gracias a una misteriosa transfusión que lo transforma en vampiro.

Su milagrosa resurrección atrae peregrinos, que vienen a postrarse delante de este santo, antes de que se convierta en un chupador de sangre, depredador en sotana. Entonces encuentra a un amigo de la infancia más, que vive con su madre y su joven esposa. Él siente por esta última una violenta atracción carnal, y va hacerle conocer una embriagues sexual sorprendente. Lo que sigue, en esta historia de un siervo de Dios que obtiene la vida eterna cargándose a sus prójimos, apunta a la revisitación de un genero, la subversión, el humor (“un vampiro es un tipo que tiene una diferente alimentación”), las citas inesperadas (“Je vous salue, Marie” de Godard, y “Thérèse Raquin” de Zola).

Capellán en el hospital, este querido cura traga los frascos de sangre de un golpe, reemplaza el éxtasis de las plantaciones de caninos por penetraciones hasta hacer gemir a las frígidas, y juega a Superman: hace acrobacias aéreas con sus brazos con su presa desmayada.

Borbotones y gorgoteos
La succión del cuello se opera con ruidos de besitos, la estaca que debe clavarse en el corazón del monstruo es un sacacorchos, la sangre rocía los cuellos o se vomita a borbotones y gorgoteos, el gran títere redescubre las alegrías de la fractura sonora de las cervicales. Orquestada con un sentido de suntuosidad bastante primaria, la farsa acumula las erupciones de pústulas y los comas. Park Chan-wook define su película como un “mélodrame de vampiros de escándalo”. Hemos visto un monumento a lo grotesco y pretencioso, estúpido y ridículo.

Película coreana de Park Chan-wook con Song Kang-ho, Kim Ok-vin, Kim Hae-sook, Shin Ha-kyun. (133 minutos) Nombre original “Bak-jwi”.

Leer artículo en su versión original

AUTOR: Jean-Luc Douin

FOTO: CJ Entertainment
TRADUCCIÓN: Emanuel Ramos

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-16T03:36:00.000-07:00

COPPOLA: “¡SOY TODOS LOS PERSONAJES DE MI PELÍCULA! ”

Entrevista realizada el miécoles 13 de mayo en Cannes

Francis Ford Coppola regresa a Cannes en una sección paralela, la Quincena de los realizadores, para presentar su última película “Tetro”.
Sombrero Panamá sobre la cabeza y camisa anaranjada, Francis Ford Coppola está muy relajado. A los 70 años, el realizador de “Apocalypse Now” y de la trilogía de “The Godfather” propone con “Tetro” una sombría historia de rivalidad padre-hijo, de fondo los secretos de familia, rodada en Buenos Aires, en blanco y negro con algunas secuencias en color. Al dejar los Estados Unidos diez años antes para el barrio de La Boca, Tetro (Vincent Gallo) ha huido de todos sus lazos familiares y sobre todo a su padre (Klaus Maria Brandauer), un director de orquesta monstruosamente talentoso y cruel. Cuando su joven hermano, Bennie (Alden Ehrenreich), llega a casa de Tetro, el pasado saldrá a la luz… “Se trata de mi película más personal y la más autobiográfica”, nos declara el cineasta. Confidencias de un hombre libre e independiente que, muy lejos del sistema hollywoodense, se autoproduce y comienza una nueva carrera.

¿LE FIGARO – Está decepcionado que “Tetro” no esté en competición oficial?
Francis FORD COPPOLA. - Sí, el festival me ha rechazado en la competición diciéndome que había demasiadas películas y que se me reservaba mas bien una noche de gala, más honorífica. Me he negado. Pedro Almodovar, Lars von Trier… ¡Son siempre los mismos! ¿Entonces por qué yo no? Quería ser invitado no porque soy “famoso” sino porque mi película es interesante.

Después de diez años de silencio cinematográfico, ha vuelto detrás de la cámara en el 2007 con “Youth Without Youth”. ¿Qué lugar tiene hoy “Tetro” en su filmografía?
Después de “Youth Without Youth”, adaptación de la obra de Mircea Eliade, he recobrado confianza en mí y sentí el deseo de escribir un guión sobre mi familia. “Tetro” es mi película más personal y la más autobiográfica. Y si, desde luego, nada se ha desarrollado exactamente de esa modo, pero todo es auténtico, los sentimientos demostrados en las rivalidades entre hermanos, padre, sobrinos, así como algunas observaciones propuestas por los personajes.

A este respecto, hay precisamente una frase terrible del padre jefe de orquesta a su hijo Tetro: “solo puede haber un genio en la familia".
Se pronunció realmente pero no puedo confesarles por quien… ¡Digamos que aquello se remonta a una generación antigua!

Sus hijos, Sofía y Roman, son cineastas también. ¿Hay una rivalidad entre ustedes?
No lo pienso, incluso, si es evidentemente más difícil para un niño tener un padre famoso que, por añadidura, ejerce la misma profesión. He perdido un hijo en 1986 en un trágico accidente. Este drama ha unido para siempre Sofía y Novela porque vieron por primera vez en su vida a sus padres completamente destruidos y vencidos. Y desde entonces no han dejado de quererse y de ayudarse mutuamente. Nicolas Cage, mi sobrino, tiene también un hermano muy creativo. Así y todo, cuando hay una concentración de talentos en una misma familia, es siempre interesante examinar las emociones muy humanas que aquello provoca…

Su padre, Carmine, era un gran compositor. Y en su película, el padre de Tetro es un director de orquesta mundialmente conocido…
Más inquietante aún, el hermano de mi padre era director de orquesta… Mi padre tenía un cierto ego pero no era como el de Tetro. Durante años, él no encontró el éxito, y estaba desesperado y frustrado. ¡Más tarde, nos hemos vuelto famosos al mismo tiempo! Él tenía ideas muy decididas y definitivas sobre el talento. A los 14 años, me acuerdo de una conversación entre mi padre y mi madre. Ella quería que le de consejos a su joven primo, que tocaba divinamente. Él respondió fríamente: “Un pequeño muchacho que toca el piano a los 12 años, eso no quiere decir nada!” ¡Se trataba de Riccardo Muti! (famoso por ser el director musical de La Scala de Milán)

¿Qué ha incluido de si mismo en la realización de esta película?
Que mi hermano mayor quien adoraba me había abandonado. No había tenido conciencia de este abandono antes. Mi hermano, tan guapo y del que las muchachas se volvían locas, me llevaba por todas partes con él. Me hablaba de literatura, me llevaba al cine. Tenía 7 años cuando me hace descubrir los “The Tales of Hoffmann”, de Michael Powell. Rememoro ese momento en “Tetro” a través de una escena de flash-back en color que se inspira en la película de Michael Powell. Cuando mi hermano desapareció, no comprendí porqué había partido. ¡Pero finalmente, yo pienso en ser un poco todos los personajes de la película!

Tuvieron éxito muy pronto, luego después del fracaso de “One from the Herat”, en 1982, y el desastre financiero de los estudios American Zoetrope, estaban arruinados. ¡Y se repusieron!
Pagué 30 millones de dólares de deudas haciendo una película de encargo al año durante diez años. Hace treinta años, había comprado, en el Valle del Napa, Inglewood, que fue un gran viñedo, y lo he reactivado. En la actualidad, tengo a dos grandes sociedades vinícolas, Rubicon y Francis Ford Coppola, que es una de las más importantes compañías en los Estados Unidos. Tengo seis hoteles incluidos uno en Belice en un parque natural y numerosos restaurantes. Cuando se dice sí a la vida, las cosas buenas llegan siempre

“Tetro”: Película dramática de Francis Ford Coppola con Vincent Gallo, Alden Ehrenreich, Klaus Maria Brandauer. Duración: 127 minutos 07 (estreno el 11 de junio en los Estados Unidos, la película no dispone aún de un distribuidor francés). Presentada el jueves 14 en el Teatro croisette - Palais Stéphanie, dentro de la sección paralela de la Quinzena de los Realizadores.

Leer entrevista en su versión original

AUTOR: Emmanuèle Frois

FUENTE: Le Figaro

FOTO: Gareth Cattermole/Getty Images Europe

TRADUCCIÓN: Emanuel Ramos

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-16T03:35:00.003-07:00

COPPOLA ABRE EL BAILE

Primera gran emoción de festivalera: he acudido sobre el estrado de la sala la Quincena de los realizadores para tomar fotografías de la noche inaugural, estoy a las primeras filas para asistir a la llegada sobre el escenario de Francis Ford Coppola. Viene a presentar su nueva película, "Tetro".

Recuerdos de mi primera oportunidad en el festival, en 2001, cuando he descubierto, ahogada en la inmensa pantalla del Gran Teatro Lumière, sentada en la quinta fila, la versión “Redux” de “Apocalypse Now”. Ya a algunos metros del gran patrono del cine americano independiente, estaba de pie frente a él para regalarle con los centenares de festivaleros en transe, una ovación de pie de una intensidad inolvidable. Se puede comentar mucho tiempo sobre la mentira espantosa que recubre la famosa “magia de Cannes”: la vulgaridad omnipresente, las relaciones de fuerza ultraviolentas, la mecánica de frustración y humillación inducida por la despiadada jerarquía de las acreditaciones, la futilidad de las lentejuelas pero existe una verdad, inquebrantable: la leyenda del cine con una gran L y una gran C está aquí y en ninguna otra parte, viva, palpable, vibrante, personificada por la más bella cosecha de películas del año, y por los que escriben cada día la legenda.

Mientras que el acordeonista de ayer toca la música de “The Godfather” en la Croisette, Coppola desciende al paseo de la gran sala de la Quincena de los Realizadores, aclamado por una sala que le hace un vibrante y sincero homenaje, monta sobre escena y toma el micro que le tiende el delegado general Olivier Père:

“Dedico esta película a todos los padres que han visto a su hijo venir hacia ellos un día, y le dice: “No quiero ser contador, no quiero ser médico, quiero ser un artista”, y que le ha respondido: “es formidable, la vida de artista es la más hermosa que puede haber”. No hay nada más hermosa que una familia de artistas. El mundo necesita artistas. Y nada más”.

“Tetro” puede comenzar como una película de factura prácticamente artesanal, rodada en Argentina en DV, en blanco y negro (con flashbacks en color), casi haría pensar en la primera película de un joven realizador sudamericano. Salvo que el gran maestro conoce su oficio, que invierte este muy pequeño formato al máximo, desbordando en cada plano su propia capacidad. Con tres personajes, apenas más, pone en escena un gran relato familiar donde resuenan los ecos de la trilogía de “The Godfather” al igual que los de “Youth Without Youth”, su película anterior. A diferencia de éste, dónde el cineasta había enredado en circunvoluciones místico-metafísico un poco relevantes, “Tetro” tiene una línea sobria, elegante, enteramente tensada por una ciencia inaudita del encuadre y del relato, y por un formidable trío de protagonistas (Vincent Gallo, el joven y guapo Alden Ehrenreich, Maribel Verdu). Desde luego hay en el último cuarto de hora de la película, en la que Coppola se embarca arriesgadamente en una visión “arty” que reduce un poco el alcance del desenlace, pero esta fragilidad, que remite finalmente al recuento de su visión del cine como un arte total, vuelve su película aún más emocionante.

Leer artículo en su versión original

AUTOR: Isabelle Regnier
FUENTE: Le Monde
TRADUCCIÓN: Emanuel Ramos

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-16T03:35:00.001-07:00

FISH TANK: ANDREA ARNOLD Y SU ADOLECENCIA REBELDE

La realizadora británica de 48 años Andrea Arnold ya había dejado una fuerte huella en Cannes cuando presentó en 2006 su impactante opera prima, “Red Road”, que además se hizo con el Gran Premio del Jurado. Un año antes, su cortometraje Wasp se había hecho con el Oscar y otros 38 premios internacionales. A pesar de su edad, la crítica la consideró desde el primer momento una de las mayores promesas del cine europeo. Sin embargo, fueron dos productores, el holandés Kees Kasander, célebre por su colaboración con Peter Greenaway, y el británico Nick Laws, que colaboró con ella en su primer cortometraje, quienes más firmemente han creído en ella.

Su regreso a la competición de Cannes con Fish Tank confirma el gran talento que atesora esta ex actriz y presentadora televisiva, que mantiene intacta su analítico y directo modo de ver. La protagonista de Red Road era una mujer que deambulada por las calles de Glasgow siguiendo un misteri. En esta ocasión, Andrea Arnold concentra su atención sobre una adolescente de 15 años llamada Mia (Katie Jarvis).

En la primera escena de la película vemos una ventana que se asoma sobre los barrios populares de Essex, una ventana parecida a la que en Red Road permitía observar la decadencia urbanística y humana de la ciudad. Otro punto en común con su opera prima es que la cámara se confunde con el punto de vista de la protagonista, hasta el punto de que el espectador ve y casi reflexiona como lo hace Mia, abrumado por las tonalidades azules y amarillas de la fotografía de Robbie Ryan.

La protagonista muestra enseguida su carácter. En los primeros cuatro minutos de metraje insulta al padre de una amiga, le rompe la nariz a otra chica sin razón aparente e intenta liberar a un caballo encadenado, que para ella representa la libertad. Es una rebelde, una inadaptada, un espíritu herido aunque profundamente tierno. En casa la espera su joven madre (Kierston Wareig), que la considera una joven criminal, y su deslenguada hermana menor. Su comunicación se limita a 'vete a tomar por culo' o 'puta de mierda'. Es el lenguaje de quien no sabe decir 'te quiero', porque nadie se lo ha enseñado. Expresiones violentas y sexistas tomadas del rap, que parece ser el único elemento de cohesión lingüística de este grupo social.

Durante una gran parte del metraje, la cinta parece ser una nueva versión de “Sweet Sixteen”, de Ken Loach, aunque en clave femenina. Sin embargo, algo hasta entonces desconocido le sucede a Mia cuando su madre le presenta a un nuevo amigo (Michael Fassbender), un joven con un trabajo estable, un coche y una vida normal que parece dispuesto a quedarse y convertirse en el padre de las dos chicas. Una mezcla de sentimientos agitan a la adolescente, curiosidad, celos, atracción sexual, competición con su madre. Aunque Mia aún no sabe que no será más que una nueva decepción.

La joven Katie Jarvis se muestra muy cómoda en el papel de la adolescente y se postula a alguno de los premios reservados a los actores debutantes. El irlandés Fassbender, uno de los actores más interesantes del momento (lo demuestran “Hunger”, de Steve McQueen, o Inglourious Basterds, de Quentin Tarantino), refleja magistralmente la ambigüedad moral de su personaje.

Fish Tank narra una historia urbana de modo lineal sin inventar nada nuevo, aderezada por elementos habituales como la falta de comunicación, la soledad o los problemas de adaptación. Pero el atractivo reside en el modo con que la realizadora consigue representalo, cómo consigue mostrar la realidad de millares de periferias, de millones de seres humanos. La realidad del mundo que hemos creado.

AUTOR: Camillo de Marco

FUENTE: Cineeuropa
FOTO: Fotogramas

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-16T03:34:00.000-07:00

PRIMERAS IMPRESIONES DE "HUACHO" EN CANNES

El filme del chileno Alejandro Fernández participará en el festival de cine más importante del planeta.

El jueves pasado, Huacho, de Alejandro Fernández, inauguró las funciones de prensa que la Semana Internacional de la Crítica realiza en la Cinemateca Francesa cada año previo a Cannes. Periodistas y críticos parisinos descubrieron así las sencillas aventuras cotidianas de la familia campesina que protagoniza el largometraje debut del chillanejo.

Aunque mantiene la ambientación de sus últimos cortometrajes, Desde lejos y Lo que trae la lluvia, Fernández sorprende con un giro estilístico que rompe con la imagen pausada y contemplativa esperable. Huacho presenta, una tras otra y sin mezclarlas en el montaje, una jornada de una familia interpretada por personas sin formación actoral y muy cercanas a la realidad de sus personajes: Clemira, Cornelio, su hija Alejandra y su nieto Manuel.

La narración es minimalista, pero la construcción visual es dinámica, con la cámara siguiendo muy de cerca a los personajes que se encuentran frecuentemente en desplazamiento. En lugar de una mirada externa que los sitúe en el paisaje e invite a reflexionar sobre las dificultades o las paradojas de sus existencias, Huacho propone acompañar el punto de vista de cada protagonista, sin detenerse a explicar la oposición entre vida rural tradicional y modernidad.

Al contrario, los sencillos conflictos de cada uno integran naturalmente ese espacio de transición entre dos mundos. Manuel es el "huaso" de su colegio chillanejo que se pasa el día tratando de jugar con la Play Station de uno de sus compañeros. Su madre, Alejandra, cocinera en una casa de campo que ofrece visitas tradicionales a turistas, trata de esconder a sus padres que el corte de luz se debe a que, en vez de pagar la cuenta, se compró un vestido en una multitienda. Clemira y sus vecinas ofrecen quesos en la carretera.

Con el alza del costo de la leche, fijan un precio que los automovilistas encuentran demasiado caro comparado con el de la ciudad. Y Cornelio, en un discurso monótono sobre historias del pasado al que los amigos ya no prestan atención, debe asumir que la vejez le está pasando la cuenta. El calor se siente a través de la imagen captada por Inti Briones en un estilo muy diferente a las otras películas que el director de fotografía ha rodado recientemente con la misma productora que Huacho.

En El cielo, la tierra y la lluvia, de José Luis Torres Leiva, la cámara y sus delicados movimientos son un vehículo de belleza visual y emoción contenida, mientras que en Ilusiones ópticas, de Cristián Jiménez (aún inédita), igualmente de la productora valdiviana Jirafa, el sutil humor requiere una mirada externa y más bien quieta sobre las situaciones. Aquí, en cambio, el movimiento constante, los encuadres escurridizos que evitan los planos generales de contextualización y la crudeza de la luz responden al afán menos estético y más naturalista de la película.

No obstante, un punto en común de éstos como de varios otros títulos chilenos recientes de exposición internacional (a excepción de Tony Manero y La nana), es la descentralización de las historias y de las imágenes. Desde construcciones convencionales como El regalo (Galaz) a radicales como Alicia en el país (Larraín), pasando por propuestas tan diversas como Turistas (Scherson), la particular Nucingen Haus (Raúl Ruiz) e, incluso, Navidad (Sebastián Lelio), al situarse en los márgenes semirrurales de la capital, el cine chileno se aleja cada vez más del hormigón de Santiago hacia paisajes físicos y culturales heterogéneos. Y en sus idas y venidas entre el campo profundo, la carretera con sus autos nuevos y el mall de provincia, Huacho contiene en sí esa multiplicidad.

AUTOR: Pamela Biénzobas

FUENTE: La Tercera, Chile

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-15T03:20:00.000-07:00

"HUACHO", O LOS ABANDONADOS POR LA MODERNIDAD

Con sus raíces en un mundo rural de Sudamérica abrumado por la modernidad, Huacho, de Alejandro Fernández Almendras, coproducida entre Francia, Alemania y Chile, ha sido presentada hoy en la Semana Internacional de la Crítica, que ha podido disfrutar una delicada obra con una sensibilidad casi documental.

“Algún día seremos felices. Me habré liberado de mi sombra y de mi nombre”. Leídas por un maestro de escuela apercibido en Huacho, estas palabras parecen resonar sobre el primer largometraje de un cineasta que eligió rodar en los alrededores de su ciudad natal de Chillán, al sur de Chile. Allí, en medio del campo vive, o más bien sobrevive, una familia: una pareja de ancianos, su hija y su nieto. Al compás del canto de los pájaros y del gallo, amanece. Los cuatro protagonistas se instalan en la mesa del desayuno y la electricidad salta. La jornada continúa a través de los cuatro puntos de vista de los personajes, hasta la cena que los reúne de nuevo, al restablecimiento de la corriente y la caída de la noche.

Interpretado por actores no profesionales, Huacho describe con un ritmo pacífico y un máximo de detalles el final programado de un universo campesino: la abuela fabrica de modo artesanal quesos que intenta vender al borde de la carretera (a pesar del aumento del precio de la leche), mientras que el abuelo cerca un terreno (pero su edad avanzada lo retrasa) y cuenta mentiras del pasado que el resto de la familia no escucha. La hija, cocina para una casa que acoge turistas extranjeros y debe devolver un vestido apenas comprado para pagar la factura de electricidad. En cuanto al joven, de punta en blanco, pasa su día de escuela en la ciudad, suplicando en vano a uno de sus compañeros que lo deje jugar a su PlayStation.

Jugando sobre los contrastes entre tradiciones y modernidad (teléfonos móviles, televisiones, videojuegos, centros comerciales), entre la vida rural y urbana, subrayando al mismo tiempo el impacto del dinero sobre la gente sencilla, Alejandro Fernández Almendras firma una opera prima cuya atmósfera despojada de apariencias e intérpretes espontáneos gana profundidad poco a poco al compás de una época que ya parece escaparse.

Producida por la francesa Charivari Films y la chilena Jirafa Films, Huacho ha contado con el apoyo de Arte France Cinéma y la alemana Pandora. El estreno en Francia será realizado por Sophie Dulac, mientras que Films Distribution se ocupa de las ventas internacionales.

AUTOR: Fabien Lemercier
FUENTE: Cineeuropa

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-15T03:12:00.000-07:00

“SPRING FEVER”: UNA PELÍCULA CANDENTE SOBRE LA HOMOSEXUALIDAD EN CHINA, UN FRESCO DECEPCIONANTE

Perseguida por la censura desde su primer película, “Weekend Lover” (1995), empujado a rodar clandestinamente, el Chino Lou Ye no continúa por eso menos eligiendo temas difíciles en su país. “Summer Palace”, la película que le valió tantos problemas en China después de haber estado presentado en Cannes en 2006, se atrevido a evocar los acontecimientos de Tiananmen. Presentada este año el primer día de la competición, “Sping Fever” abraza sin rodeo la causa de los homosexuales.

En Nankin, una joven mujer contrata a un fotógrafo para espiar su marido, que mantiene una relación amarosa con un hombre, Jiang Cheng. A través de un ataque de rabia, ella obtiene que su esposo sea dejado por su bello amante, una ruptura que ningún de los dos muchachos se volverá a reponer, uno se acabara suicidándose, y el otro haciéndose tatuar sobre la piel estas flores de loto que representan la nacimiento de una pasión prohibida.

El detective, que sale con una modista depresiva, cae a su vez pasmado por este bello hombre que es Jiang Cheng, y este trío mal arreglado (Jules y Jim a la inversa; dos hombres, una mujer), hace un resumen final del camino juntos. La cámara móvil, que Lou Ye manipula con destreza sobre su hombro, es su triunfo: traduce las vibraciones y ritmos pulsionales de los personajes movidos por los celos, la frustración, la fiebre de los cuerpos.

El cineasta utiliza toda clase de músicas de una manera que se calificará de torpe o de facilista, según. Es evidentemente fascinado por Happy Together de Wong Kar-waï, pero hay que hacer constancia que sus proezas formales sólo sirven para orquestar un ballet de teléfonos celulares y un viaje por lugares calidos (bares, cabarets, karaoké, sauna, habitaciones y duchas).

Colocado bajo los auspicios del novelista de los años veinte Yu Dafu, la película se enfrenta la pintura de las relaciones sexuales entre hombres, alineada de gritos de satisfacción y de crisis de sollozos, sin nunca conseguir conmovernos con lo que viven los personajes. La pintura de una China donde la policía acosa a los trabajadores clandestinos y donde todo se arregla a punta de dinero y las relaciones se quedan en segundo plano de una tenebrosa imagen digital.

Pélicula china de Lou Ye con Hao Qin, Sichen Chen, Zhuo Tan, Wei Wu. (115 minutos)

Su nombre original es: "Chun feng chen zui de ye wan"

Leer artículo en su versión original

AUTOR: Jean-Luc Douin
FUENTE: Le Monde
TRADUCCIÓN: Emanuel Ramos

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-15T02:05:00.000-07:00

EL CINECLUB DE FRANCIS FORD COPPOLA

Una leyenda viva, es siempre conmovedor. En Cannes, las leyendas toman generalmente cuidado de preservar su estatus, no se dejan acercar. Razón para la cual, el jueves por la mañana, los primeros espectadores han comenzado a hacer la cola a partir de las ocho y media de la mañana para estar seguros volver a entrar a la función de les 10 mañana de la Quincena de los realizadores. Se proyectaba a "Tetro", la nueva película de Francis Ford Coppola y la función estaba seguida de un debate con la sala. Por supuesto, había demasiados periodistas en el público en esta sesión no se parecía a una conferencia de prensa. Pero el ambiente era muy distendido, muy caluroso. Coppola se rodeaba con dos de sus protagonistas (Maribel Verdu, que esta sublime en la película y el joven y prometedor Alden Ehrenreich), de su esposa Eleonor y de se hijo y segundo realizador equipo, Roman.

"Tetro" es una película divertida, en la cual, el tema en cuestión es una familia que se parece por muchos lados al clan Coppola, rodada en blanco y negro, con flashbacks en color e intermedios danzados. Es la película de un hombre que no quiere hacer más que lo intimiden.

Coppola asume magníficamente su nuevo estatus de señor rebelde que eligió el exilio lejos de Hollywood. Pero, tanto durante la sesión de preguntas y respuestas que ha seguido la proyección o durante una breve conversación concedida en la tarde, se reconocido en su discurso a la autoridad de un hombre que ha dirigido, literalmente, a un ejército. Se contenta ahora con organizar operaciones de comando ("Tetro" ha sido rodada en Argentina, con medios mínimos, si se los compara a los de "Apocalypse Now").

Leer artículo en su versión original

AUTOR: Thomas Sotinel
FUENTE: Le Monde
TRADUCCIÓN: Emanuel Ramos

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-14T23:43:00.000-07:00

EL FESTIVAL DE CANNES SE ABRE CON UNA PELÍCULA DE ANIMACIÓN EN 3D

Además del smoking o el vestido de noche, los lentes 3D son de rigor este año en la Croisette para descubrir “Up”, una magnífica película de animación a la altura de la firma de los estudios Pixar-Disney, que lanza el 62do Festival de Cannes con una nota alegre y poética.

En la noche el cantante Charles Aznavour, la voz francesa del personaje principal, deberá subir los escalerones junto con los miembros del jurado presidido por la actriz francesa Isabelle Huppert, entre ellos los cineastas James Gray y Nuri Bilge Ceylan y las actrices Robin Wright Penn, Sharmila Tagore o Shu Qi. Laureado con la Palma de oro el año pasado, el Francés Laurent Cantet es allí esta vez como simple aficionado de cine.

Un dibujo animado, una producción Pixar, del cine en relieve-3d, y también una película de aventuras, ligera y divertida, con una punta de nostalgia, como sabe producir el inventivo estudio americano: esta apertura tiene un gusto de inédito. Recientemente llegados a la Croisette con los co-realizadores Bob Peterson y Pete Docter, John Lasseter, director de creación en la casa Pixar (“Cars”, “Toy Store”, “101 Dalmatians”), ha dejado estallar su alegría.

“¡Estar en el Festival de Cannes, es una de las cosas más maravillosas de toda mi carrera!”, declaró esta genio de la animación a la prensa que ha develado y acogido calurosamente la película, en una proyección matinal. “Es el festival más prestigioso del mundo. ¡Qué sea una película de animación que abre el festival, es genial, aquí se está en las nubes!“, ha expresado Lasseter, que hace gala, como de costumbre, una camiseta hawayana como la imagen de los héroes del película.

Después de haber acogido con frecuencia producciones DreamWorks, Cannes desenrolla pues la alfombra roja para el décimo largometraje de un estudio competidor premiado con cuatro Oscars - con “Finding Nemo”, el más grande éxito de todos los tiempos para un dibujo animado, “Ratatouille” y “WALL-E” en particular. Revelado en estreno mundial, fuera de la competición y proyectado el miércoles por la noche al público de Cannes del Gran Teatro Lumière, “Up”, el primer dibujo animado que ha lanzado una edición de Cannes, relata de las cómicas aventuras de Carl, un viudo refunfuñón, tullido debido al reumatismo.

Vendedor de globos ya jubilado, este anciano ata millares de globos multicolores a su casucha y levanta vuelo a bordo de ésta, ponerse sobre el cabo encima de Sudamérica donde su mujer Ellie y siempre habían soñado ir. Pronto escoltado de un polizón, Russell, un boy-scout regordete y candido, intentará salvar a un grande pájaro, medio-dodo medio-avestruz, de las garras de un falso explorador, a la cabeza de una jauría de perros parlantes. Deslumbrante, la primera mitad de la película emociona, desenrollando aceleradamente la vida conyugal de Carl, antes un niñito travieso, enamorado de la intrépida compañera de juego que se convertirá en su mujer.

Este tono de comedia a lo Frank Capra, se mezcla pronto a otros guiños de ojo al cine clásico americano con secuencias de suspenso a lo Hitchcock o al cine de género: películas de catástrofes, westerns, aventuras al Jules Verne… Ya que esta película elaborada minuciosamente durante cuatro años, salpicada de gags pero también con momentos nostálgicos, es una obra de cinéfilos, tal como ocurre con todas las producciones Pixar. Y si lo relieve-3D los efectos sorprendentes del menaje durante el despegue de la casa o el viaje sobre las cataratas - inspiradas en la meseta de Tepuis en Venezuela - los autores de “Up” hicieron un uso antiespectacular, destacando acá un elemento del decorado, la expresión de un rostro.

Leer artículo en su versión original

FUENTE: Le Point
TRADUCCIÓN Y EDICIÓN: Emanuel Ramos

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-14T23:38:00.000-07:00

ISABELLE HUPPERT, ESTRELLA DE LA APERTURA DEL FESTIVAL DE CANNES

CANNES (Reuters) - el cantante Charles Aznavour y la actriz Hafsia Herzi dieron miércoles el pistoletazo de salida del 62va edición del Festival de Cannes, cuyo jurado está presidido por la actriz francesa Isabelle Huppert. La ceremonia de una media hora presentada por el actor Edouard Baer y marcado por una canción de Brian Ferry debía estar seguida por la proyección de un dibujo animado en relieve-3D presentada fuera de la competición, “Up”, de los estudios Disney-Pixar.

En su declaración preliminar, Isabelle Huppert ha dicho que su intención de otorgar a las 20 películas en competición con toda la atención debida. “El cine es una máquina de verdad”, ha dicho delante de la flor y nata del cine mundial, citando al realizador italiano Federico Fellini. “Se va al cine para recordar, a veces para comprender lo peor y lo peor no está nunca así lejos. Diciéndonos que son, los cineastas nos dicen también quienes somos y quizá quienes seremos ", ha añadido, grave y emocionada. La actriz vestía un vestido beige rosado, bordado de flores suavemente centellantes.

“Estoy impaciente observar todas estas películas, sus secretos, sus bellezas que nos van a revelar y cuyo cine es tan necesario. Cuento con su atención para descubrirlos conmigo y pueden contar con la mía durante todo este festival ", ha concluido Huppert. El Presidente del jurado no tendrá ya el derecho a la palabra durante los 11 días de festival que se terminará, el domingo 24 de mayo en la noche, con la entrega de la Palma de oro.

Los cineastas tan reconocidos como Jane Campion, Ken Loach, Quentin Tarantino y Lars von Clasificar, todos ya “de palma”, están en competición, al igual que Pedro Almodovar, Alain Resnais y Michael Haneke. Isabelle Huppert es una habitual de Cannes, donde recibió el Precio de interpretación femenina en dos ocasiones: en 1978 para “Violeta Nozière”, de Claude Chabrol, luego en 2001 para “La pianiste” del cineasta alemán Michael Haneke. Fue igualmente miembro del jurado en 1984, bajo la Presidencia del actor británico Dirk Bogarde.

De parte de los jurados, este año se tiene en cuenta la presencia de la actriz americana Robin Wright Penn, del Italiano Asia Argento y del cineasta americano James Gray. En este tiempo de crisis, la edición 2009 del festival se pone bajo la señal de la sobriedad. Según el Diario on-line rue89, el número de recepciones previstas ha disminuido un 25% con relación al año pasado.

Lee el artículo en su versión original

AUTOR: Isabel Pineau, publicado por Yves Clarisse

FUENTE: Le Monde

TRADUCCIÓN Y EDICIÓN: Emanuel Ramos

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-14T23:32:00.000-07:00

¡LA 62va EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CANNES ESTÁ OFICIALMENTE ABIERTO!

Es con Charles Aznavour, la voz francesa de la película de animación de Pixar Up, y con la joven actriz Hafsia Herzi que ha vuelto a tener de declarar oficialmente abierta la 62va edición del Festival de Cannes. Acogida en la escenario del Gran Teatro Lumière por Edouard Baer, nombrado para el segundo año consecutivo Maestro de ceremonias, y acompañada de los jurados Asia Argento, Shu Qi, Sharmila Tagore, Robin Wright Penn, Nuri Bilge Ceylan, James Gray, Hanif Kureishi et Lee Changdong, la Presidente Isabelle Huppert ha hecho referencia a Fellini definiendo “el cine como una máquina de verdad” y rindió homenaje a los realizadores declarando: “Los cineastas sueñan y nos dan la memoria. Diciéndonos quienes son ellos, los cineastas nos dicen también quienes somos y quizá quienes seremos. Nos lo dicen y nos convencen gracias a su obstinación, su libertad, a su imaginación, a su inteligencia, a su locura. “a continuación Se proyectó una antología de extractos de las películas presentados en Selección oficial, y rindió un homenaje a Charles Aznavour con el reestreno del dandy del rock Brian Ferry con el standard She.

Al principio de tarde, los festivaleros habían podido asistir a la Subida de los escalones de los miembros del Jurado y del equipo de la película “Up” proyectada en relieve-3D. Numerosas personalidades, entre ellos Claude Lelouch, Tilda Swinton, Jean Rochefort, Elsa Zylberstein, Agnès Varda, Saïd Taghmaoui, Aishwarya Rai... habían hecho igualmente su paso para aprovechar de este acontecimiento.

FUENTE: Festival de Cannes
TRADUCCIÓN: Emanuel Ramos

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-14T23:21:00.000-07:00

LA RUEDA DE PRENSA DEL JURADO

El Jurado se ha reunido hoy para la tradicional rueda de prensa del estreno de Festival. El Presidente Isabelle Huppert y los Jurados Asia Argento, Shu Qi, Sharmila Tagore, Robin Wright Penn, Nuri Bilge Ceylan, James Gray, Hanif Kureishi y Lee Changdong así suministraron sus impresiones y motivaciones a los periodistas presentes. Fragmentos escogidos…

Isabelle Huppert sobre su responsabilidad de Presidente del Jurado: “No estamos aquí para juzgar sino para amar a las películas. Estamos aquí para ver cuales películas amaremos más que otras. Es muy difícil en general explicar porqué te gusta una obra; este viejo debate se remonta al principio de la humanidad. ¿Por qué somos afectados por una obra de arte, ya sea que se trate de la música, la pintura o el cine? Es una cuestión profunda que supera el simple juicio. Vamos intentar poner un poco de nuestra alma en lo que vamos a ver. Después de todo, son los almas de los realizadores y de los actores que van a mostrársenos“.

Sobre el hecho de juzgar una película: Robin Wright Penn: “El término juicio tiene una connotación muy peyorativa a mis ojos. Somos todos artistas aquí, experimentamos emociones. Van a afectarnos directo pero diferentemente una misma película. Deberemos pues compartir nuestras percepciones; tendremos a veces desacuerdos sobre tal o cual aspecto de una obra. Pero, no es tanto la cuestión de saber qué película será la mejor, sino más bien la cual hará latir nuestros corazones lo más pronto posible“.

Nuri Bilge Ceilán: “Voy a intentar ser muy prudente, ya que no tengo confianza mi mismo. Es muy probable que uno verá en Cannes películas de una enorme originalidad. Ahora bien, tengo numerosos ejemplos de películas que he odiado en la primera función, pero más tarde aprecié, en consecuencia a tal punto que se volvieran mis referencias. Pues, no voy simplemente a escuchar la voz de mi corazón sino también la de mi razón”.

Isabelle Huppert: “Estoy absolutamente de acuerdo, se puede pensar algo de una película inicialmente… El cine no es sólo la emoción, es también la reflexión. Es lo que me inspira. No es algo que debe adormecerte sino despertarte. Debe dejarte en un espíritu de agudeza. Y es necesario seguir siendo humilde ante un palmarés porque toda la historia del Festival nos dice que siempre no se ha sabido apreciar las obras a su justo valor. Somos lo que somos y haremos lo que podamos”.

Lee Changdong sobre una eventual posición de tomar partido en favor de la película coreana en competición: “Durante el Festival de Cannes, mi nacionalidad será la del cine”.

FUENTE: Festival de Cannes
TRADUCCIÓN: Emanuel Ramos

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-14T17:15:00.000-07:00

7 DÍAS DE COMPETICIÓN, 7 CORTOS Y 7 LARGOMETRAJES, SE INICIA LA SEMANA DE LA CRÍTICA

Nada de personal

La película de apertura, “Rien de personnel” (Francia) con Jean-Pierre Darroussin, Denis Podalydès, Mélanie Doutey, Pascal Greggory, Bouli Lanners y Zabou Breitman será proyectada en el Espace Miramar el jueves 14 de mayo a LA 3:00 p.m. y 8:00 p.m. (hora de Francia, GMT + 2:00). La opera prima de Mathias Gokalp será precedida de "Elo" cortometraje de Vera Egito (Brasil). Una proyección del programa de apertura tendrá también lugar el lunes 18 de mayo a la 5:00 p.m. en el Cine Le Raimu.

Comienzan las proyecciones de la competición
El primer largometraje de la competición es “Huacho” (Chile/Francia/Alemania) será proyectado en el Espace Miramar el jueves 14 de mayo a 11:00 a.m., 5:30 p.m. y 10:30 p.m. La opera prima de Alejandro Fernández Almendras será precedida de “Together” de Eicke Bettinga (Alemania/Reino Unido), primer cortometraje de la competición.
El segundo largometraje de la competición es “Ordinary People” (Serbia/Francia/Suiza) será proyectada en el Espace Miramar el viernes 15 de mayo a las 11 a.m., 5:00 p.m. y 10:30 p.m. La opera prima de Vladimir Perisic será precedida de la Noche adentro de Pablo Lamar (Paraguay/Argentina), segundo cortometraje de la competición.

TETRO, LA NUEVA PELÍCULA DE FRANCIS FORD COPPOLA HACE LA APERTURA DE LA QUINCENA

la palabra de Francis Ford Coppola

“Estoy encantado de presentar TETRO a la Quincena de los Realizadores. Esta película encarna mis primeras pasiones de cineasta, y refleja los ideales y los objetivos con los que soñaba en mis principios. Hoy es tan difícil trabajar de una manera personal en el cine, entre las dificultades del oficio y las realidades comerciales, que es necesario permitir a tu trabajo ser un grito por la independencia. Esta es la razón por la que es tan importante que TETRO se presente a la Quincena de los Realizadores que acoge a los jóvenes cineastas“.

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-14T06:18:00.000-07:00

"UP” YA POR TODO LO ALTO

CANNES - pero la película de animación no participa en la competición…

Grande buuu en torno a “Up”, la película de animación en 3D que hace la apertura del festival de Cannes. Mientras que se proyectaba este miércoles por la noche, los periodistas ya la han visto en una proyección de prensa, este miércoles por la mañana. Con los lentes de rigor (se han fabricado 5.000 pares para Cannes), que permiten ver las imágenes en relieve.

Su mérito, la ligereza
Risas, aplausos, y elogios a discreción: la unanimidad de las críticas es admisible. “Qué pena que esta película no haga parte de la competición, lanza este periodista belga. Para mí, merecería la Palma de oro.” Una opinión más bien extendida en las filas de la prensa internacional. La historia de este anciano Carl, quien sale a la aventura en una casa volante tirada por globos inflados con helio, tiene el mérito de ser ligera. Y corta - la película no dura más que 104 minutos. “Eso nos hace bien, antes de ver este paquete de películas cuyos temas son graves y… largos”, agrega otro.

Entre la fauna de los personajes de “Up”, un pájaro bizarroide, el Dadou, que podría hacerte pensar en el Dodo de Isla Mauricio, pero además grande. Y sobre todo, los perros que hablan un lenguaje humano, gracias a un collar decodificador. Un consagrado hallazgo. “Todos los personajes han sido desafíos para diseñar, explica el equipo de los estudios Pixar, durante la rueda de prensa. El forro de piel es difícil de animar, así como la mandíbula de Carl. Ya que es necesario darle una textura de piel creíble, arrugas y una expresión.”

Fuera de la competición
El equipo, a quien la prensa preguntó por qué “Up” no estaba en la competición, ha respondido que “era el festival quien decidía”, pero que no era necesario olvidar una cosa: “Es la primera vez que una película de animación hace la apertura de Cannes, el festival más prestigioso del mundo. Y obviamente, es la primera vez también que hay una película en 3D.” Un procededimeinto que permite sumergir al espectador en el corazón de la acción, pero lo cual es necesario desconfiar también, ya que a fuerza de jugar, eso puede “hacer sobresaltarse” al público, sonríe John Lasseter, director de animación de la casa Walt Disney. Los que ya fueron a La Géode (Sala con pantalla gigante hemisférica), en París, lo comprenderán. Bob Peterson, el coréalisateur, se divierte por adelantado con la idea de ver las estrellas en vestido de noche y smoking ponerse los lentes para 3D.

El último año, en el festival de Cannes 2008, “Waltz with Bashir”, un documental de animación, había suscitado igualmente el entusiasmo de las críticas. Había vuelto a salir con las manos vacías.

Leer artículo en su versión original

AUTOR: Alice Antheaume, en Cannes
FUENTE: 20 Minutes
TRADUCCIÓN: Emanuel Ramos

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-14T04:40:00.000-07:00

LA ANIMACIÓN CON FUERZA EN CANNES

Tres películas de animación serán presentadas en la Croisette en el 62do Festival de Cannes. A “Up” de los estudios Pixar y “Panique au village” de Stéphane Albura y Vincent Patar se añadió oficialmente una presentación de “Lascars”, en el marco de la Semana Internacional de la Crítica.

No es más una casualidad sino un verdadero movimiento de fondo. Desde la llegada de Thierry Frémaux al puesto de delegado general del festival, el cine de animación ha sido un invitado regular de la selección oficial, tanto en competición como fuera competición, como por ejemplo la presentación de “Kung Fu Panda” en mayo pasado. Cannes 2009 presentará así tres largometrajes animados, dos en selección oficial pero fuera de la competición, “Up” y “Panique au village”, el tercero estará también en función especial en el marco de la Semana Internacional de la Crítica, sección paralela del Festival.

Leer artículo completo

AUTOR: Yannick Vely, Paris Match

TRADUCCIÓN: Emanuel Ramos

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-14T00:12:00.000-07:00

48va SELECCIÓN DE LA SEMANA DE LA CRÍTICA

COMPETICIÓN

Largometrajes
(las siguientes 5 películas que competirán por el premio de la Cámara de Oro)
HUACHO
de Alejandro Fernández Almendras
Chile, Francia, Alemania, 2009 - 89 minutos

ORDINARY PEOBLES
de Vladimir Perisic
Serbia, Francia, Suiza, 2009 - 80 minutos

LOST PERSONS AREA
de Caroline Strubbe
Bélgica, 2009 - 109 minutos

ADIEU GARY
de Nassim Amaouche
Francia, 2009 - 75 minutos

MAL DÍA PARA PESCAR (BAD DAY TO GO FISHING)
de Álvaro Brechner
Uruguay, España, 2009 - 100 minutos

SIRTA LA GAL BA (WHISPER WITH THE WIND)
de Shahram Alidi
Irak, 2009 - 67 minutos

ALTIPLANO
de Peter Brosens et Jessica Woodworth
Bélgica, Alemania, Holanda, 2009 - 110 minutos

Cortometrajes
TOGETHER
de Eicke Bettinga
Alemania, Reino Unido, 2009 - 14 minutos

NOCHE ADENTRO
de Pablo Lamar
Paraguay, Argentina, 2009 - 17 minutos

RUNAWAY (TRAIN EN FOLIE) animación
de Cordell Barker
Canadá, 2009 - 8 minutos 40 segundos

C’EST GRATUIT POUR LES FILLES (IT’S FREE FOR GIRLS)
de Marie Amachoukeli y Claire Burger
France, 2009 - 23 minutos

TULUM (LA VIRÉE)
de Dalibor Matanic
Croacia, 2009 - 15 minutos

LOGORAMA H5
de François Alaux, Hervé de Crécy, Ludovic Houplain
Francia, 2009 - 16 minutos 5 segundos

SLITAGE (SEEDS OF THE FALL)
de Patrik Eklund
Suecia, 2009 - 17 minutos 30 segundos

Funciones Especiales de Largometrajes
(las siguientes 3 películas también competirán por el premio de la Cámara de Oro)
Noche de apertura:
RIEN DE PERSONNEL
de Mathias Gokalp
Francia, 2009 - 90 minutos

Función especial:
LASCARS (ROUND DA WAY) animación
de Albert Pereira-Lazaro y Emmanuel Klotz
Francia, 2009 - 96 minutos

Película de los Padrinos:
HIERRO
de Gabe Ibáñez
España, 2009 - 91 minutos

Funciones especiales de cortometrajes y mediometrajes
Noche de Clausura:
LA BAIE DU RENARD
de Grégoire Colin
Francia, 2009 - 12 minutos
1989
de Camilo Matiz
Colombia, 2009 - 40 minutos

LES MIETTES
de Pierre Pinaud
Francia, 2008 - 31 minutos
FAIBLESSES
de Nicolas Giraud
Francia, 2009 - 27 minutos
6 HOURS (6 HEURES)
de Moon Seong-hyeok
República de Corea, 2009 - 29 minutos 57 segundos
ELO
de Vera Egito
Brasil, 2008 - 8 minutos
ESPALHALDAS PELO AR (DISPERSÉES DANS L'AIR)
de Vera Egito
Brasil, 2007 - 15 minutos

Jurado de la Cámara de Oro

Roschdy Zem, Président (Actor, Realizador - Francia)
Diane Baratier (Director de fotografía - Francia)
Olivier Chiavassa (Federación de industrias técnicas del cine - Francia)
Sandrine Ray (Realizadora - Francia)
Charles Tesson (Crítica - Francia)
Edouard Waintrop (Director del Festival de Friburgo - Suiza)

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-13T21:54:00.000-07:00

41a SELECCIÓN DE LA QUINCENA DE LOS REALIZADORES

Largometrajes:
AJAMI * (Pélicula de Clausura)
realizado por Scandar Copti, Yaron Shani
Israel, Alemania, 2009 - 120 minutos

AMREEKA * (AMERRIKA)
realizado por Cherien Dabis
Estados Unidos, Canadá, Kuwait, 2009 - 92 minutos

CARCASSES
realizado por Denis Côté
Canadá, 2009 - 72 minutos

DANIEL Y ANA * (DANIEL & ANA)
realizado por Michel Franco
México, 2009 - 90 minutos

DE HELAASHEID DER DINGEN (LA MERDITUDE DES CHOSES)
realizado por Félix Van Groeningen
Bélgica, 2009 - 108 minutos

EASTERN PLAYS *
realizado por Kamen Kalev
Bulgaria, Suecia, 2009 - 83 minutos

GO GET SOME ROSEMARY
realizado por Josh Safdie, Benny Safdie
Estados Unidos, 2009 - 100 minutos

HERE *
realizado por Ho Tzu Nyen
Singapur, Canadá, 2009 - 86 minutos

HUMPDAY
realizado por Lynn Shelton
Estados Unidos, 2009 - 94 minutos

I LOVE YOU PHILLIP MORRIS *
realizado por Glenn Ficarra, John Requa
Estados Unidos, 2008 - 000 minutos

J'AI TUÉ MA MÈRE *
realizado por Xavier Dolan
Canadá, 20009 - 100 minutos

JAL ALJIDO MOTAMYUNSEO (LIKE YOU KNOW IT ALL)
realizado por Hong Sangsoo
República de Corea, 2009 - 126 minutos

KARAOKE *
realizado por Chan Fui (chris) Chong
Malaisia, 2009 - 75 minutos

LA PIVELLINA
realizado por Tizza Covi, Rainer Frimmel
Austria, Italia, 2009 - 100 minutos

LAND OF MADNESS (LA TERRE DE LA FOLIE) documental
realizado por Luc Moullet
Francia, 2009 - 90 minutos

LE ROI DE L'ÉVASION
realizado por Alain Guiraudie
Francia, 2009 - 99 minutos

LES BEAUX GOSSES *
realizado por Riad Sattouf
Francia, 2009 - 90 minutos

NAVIDAD
realizado por Sebastián Lelio
Chile, Francia, 2009 - 100 minutos

NE CHANGE RIEN
realizado por Pedro Costa
Portugal, France - 100 minutos

OXHIDE II (NIU PI ER)
realizado por Liu Jia Yin
R.P. China, 2009 - 132 minutos

POLYTECHNIQUE
realizado por Denis Villeneuve
Canadá, 2008 - 76 minutos

TETRO (Pélicula de Apertura)
realizado por Francis Ford Coppola
Argentina, España, Italia, 2009 - 127 minutos

THE WOLBERG FAMILY * (LA FAMILLE WOLBERG)
realizado por Axelle Ropert
Francia, 2009 - 82 minutos

YUKI & NINA
realizado por Nobuhiro Suwa, Hippolyte Girardot
Francia, Japón, 2009 - 93 minutos

* las películas que competirán por el premio de la Cámara de Oro

Cortometrajes:
AMERICAN MINOR
realizado por Charlie White
Estados Unidos, 2008 - 8 minutos

ANNA
realizado por Rúnar Rúnarsson
Dinamarca, 2009 - 35 minutos

CANCÃO DE AMOR E SAÚDE (CHANSON D'AMOUR ET DE BONNE SANTÉ, SONG OF LOVE AND HEALTH)
realizado por João Nicolau
Francia, Portugal, 2009 - 35 minutos

CICADA
realizado por Amiel Courtin-Wilson
Australia, 2008 - 9 minutos

DRÖMMAR FRÅN SKOGEN (SONGES DES BOIS)
realizado por Johannes Nyholm
Suecia, 2009 - 9 minutos

DUST KID
realizado por Jung Yumi
República de Corea, 2009 - 10 minutos

EL ATAQUE DE LOS ROBOTS DE NEBULOSA-5 (THE ATTACK OF THE ROBOTS FROM NEBULA-5)
realizado por Chema García Ibarra
España, 2008 - 7 minutos

JAGDFIEBER - THE HUNTING FEVER (JAGDFIEBER)
realizado por Alessandro Comodin
Bélgica, 2008 - 22 minutos

JOHN WAYNE HATED HORSES
realizado por Andrew T. Betzer
Estados Unidos, 2009 - 10 minutos

NICE
realizado por Maud Alpi
France, 2008 - 25 minutos

SUPERBARROCO
realizado por Renata Pinheiro
Brasil, 2008 - 17 minutos

THE FUGITIVES (LES FUGITIVES)
realizado por Guillaume Leiter
Francia, 2009 - 25 minutos

THE HISTORY OF AVIATION (A REPÜLES TÖRTÉNETE)
realizado por Bálint Kenyeres
Hungría, Francia, 2009 - 15 minutos

THERMIDOR
realizado por Virgil Vernier
Francia, 2009 - 17 minutos

Sesiones especiales:
MONTPARNASSE
realizado por Mikhaël Hers
Francia, 2009 - 58 minutos

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-12T23:18:00.000-07:00

Este es el complemento de la programación de la Selección Oficial del Festival de Cannes 2009, que dará inicio hoy 13 de mayo y se extenderá hasta el 24 de mayo.

Función Especial:
CENDRES ET SANG
realizado por Fanny Ardant
JAFFA (JAFFA)
realizado por Keren Yedaya
L'ÉPINE DANS LE COEUR
realizado por Michel Gondry
MANILA (MANILA)
realizado por Adolfo Alix, Jr., Raya Martin
MIN YE ... (DIS MOI QUI TU ES...)
realizado por Souleymane Cisse
MY NEIGHBOR, MY KILLER (MON VOISIN, MON TUEUR)
realizado por Anne Aghion
NO MEU LUGAR
realizado por Eduardo Valente
PETITION (PETITION : LA COUR DES PLAIGNANTS)
realizado por Zhao Liang
PORTRAIT DE GROUPE AVEC ENFANTS ET MOTOCYCLETTES
realizado por Pierre-William Glenn
UNE VIE TOUTE NEUVE
realizado por Ounie Lecomte

Una Cierta Mirada:
À DERIVA
realizado por Heitor Dhalia
AMINTIRI DIN EPOCA DE AUR
realizado por Ioana Uricaru, Hanno Höfer, Constantin Popescu, Cristian Mungiu, Razvan Marculescu
DEMAIN DÈS L'AUBE
realizado por Denis DERCOURT
EYES WIDE OPEN (EINAYM PKUHOT)
realizado por Haim TABAKMAN
INDEPENDENCIA (INDEPENDENCIA)
realizado por Raya MARTIN
IRÈNE
realizado por Alain CAVALIER
KASI AZ GORBEHAYE IRANI KHABAR NADAREH
realizado por Bahman GHOBADI
KUKI NINGYO
realizado por KORE-EDA Hirokazu
KYNODONTAS (CANINE)
realizado por Yorgos LANTHIMOS
LE PÈRE DE MES ENFANTS
realizado por Mia HANSEN-LØVE
LOS VIAJES DEL VIENTO (LES VOYAGES DU VENT)
realizado por Ciro GUERRA
MORRER COMO UM HOMEM (MOURIR COMME UN HOMME)
realizado por João Pedro RODRIGUES
MOTHER
realizado por BONG Joon-Ho
NANG MAI (LA NYMPHE)
realizado por Pen-Ek RATANARUANG
POLITIST, ADJECTIV (POLICIER, ADJECTIF)
realizado por Corneliu PORUMBOIU
PRECIOUS
realizado por Lee DANIELS
SAMSON AND DELILAH
realizado por Warwick THORNTON
SKAZKA PRO TEMNOTU (CONTE DE L’OBSCURITE)
realizado por Nikolay KHOMERIKI
THE SILENT ARMY (L'ARMÉE SILENCIEUSE)
realizado por Jean VAN DE VELDE
TZAR (LE TSAR)
realizado por Pavel LOUNGUINE

Cinéfondatión:
#1
realizado por Noamir Castéra
BÁBA
realizado por Zuzana Kirchnerová - Špidlová
BY THE GRACE OF GOD (PAR LA GRACE DE DIEU)
realizado por Ralitza Petrova
CHAPA
realizado por Thiago Ricarte
DIPLOMA (DIPLOME)
realizado por Yaelle Kayam
EL BOXEADOR (LE BOXEUR)
realizado por Juan Ignacio Pollio
GOODBYE
realizado por Song Fang
GUTTER
realizado por Dan Ransom Day
IL NATURALISTA
realizado por Giulia Barbera, Gianluca Lo Presti, Federico Parodi, Michele Tozzi
KASIA
realizado por Elisabet Lladó
LE CONTRETEMPS
realizado por Dominique Baumard
MALZONKOWIE
realizado por Dara Van Dusen
NAMMAE UI JIP
realizado por Jo Sung-hee
SEGAL
realizado por Yuval Shani
SYLFIDDEN (LA SYLPHIDDE)
realizado por Dorte Bengtson
THE HORN
realizado por Yim Kyung-dong
TRAVERSER
realizado por Hugo Frassetto

Cortometrajes:
AFTER TOMORROW (APRES DEMAIN)
realizado por Emma Sullivan
ARENA (ARENA)
realizado por João Salaviza
CIAO MAMA (CIAO MAMA)
realizado por Goran Odvorcic
KLUSUMS
realizado por Laila Pakalnina
L'HOMME À LA GORDINI
realizado por Jean-Christophe Lie
LARS OG PETER (LARS ET PETER)
realizado por Daniel Borgman
MISSEN (PERDRE MON TEMPS)
realizado por Jochem De Vries
RUMBO A PEOR (MAL BARRÉ)
realizado por Álex Brendemühl
THE SIX DOLLAR FIFTY MAN (L'HOMME QUI VALAIT 3,5 DOLLARS)
realizado por Mark Albiston, Louis Sutherland

FESTIVAL DE CANNES 2009

2009-05-12T03:57:00.000-07:00

La Selección oficial 2009 - En competición

À L'ORIGINE (IN THE BEGINNING)
realizado por Xavier Giannoli
Francia, 2008 - 150 minutos

ANTICHRIST
realizado por Lars Von Trier
Dinamarca, Alemania, Francia, Suecia, Italia, 2009 - 104 minutos

BAK-JWI (THIRST)
realizado por Park Chan-Wook
República de Corea, 2009 - 133 minutos

BRIGHT STAR
realizado por Jane Campion
Reino Unido, Australia, 2008 - 120 minutos

SPRING FEVER (CHUN FENG CHEN ZUI DE YE WAN)
realizado por Lou Ye
Hong-Kong, Francia, 2009 - 115 minutos

DAS WEISSE BAND (THE WHITE RIBBON)
realizado por Michael Haneke
Alemania, Austria, Francia, Italia, 2009 - 144 minutos

ENTER THE VOID (SOUDAIN LE VIDE)
realizado por Gaspar Noé
Francia, Alemania, Italia, 2009 - 150 minutos

FISH TANK
realizado por Andrea Arnold
Reino Unido, 2009 - 124 minutos

INGLOURIOUS BASTERDS
realizado por Quentin Tarantino
Alemania, Estados Unidos, 2009 - 148 minutos

KINATAY (THE EXECUTION OF P)
realizado por Brillante Mendoza
Francia, Filipinas, 2009 - 100 minutos

LES HERBES FOLLES (WILD GRASS)
realizado por Alain Resnais
Francia, 2008 - 104 minutos

LOOKING FOR ERIC
realizado por Ken Loach
Reino Unido, Francia, Italia, Bélgica, España, 2009 - 116 minutos

LOS ABRAZOS ROTOS (BROKEN EMBRACES)
realizado por Pedro Almodóvar
España, 2009 - 129 minutos

MAP OF THE SOUNDS OF TOKYO
realizado por Isabel Coixet
España, 2009 - 109 minutos

TAKING WOODSTOCK
realizado por Ang Lee
Estados Unidos, 2009 - 120 minutos

THE TIME THAT REMAINS
realizado por Elia Suleiman
Francia, Bélgica, Italia, Reino Unido, 2009 - 109 minutos

UN PROPHÈTE (A PROPHET)
realizado por Jacques Audiard
Francia, 209 - 150 minutos

VENGEANCE
realizado por Johnnie To
Hong-Kong, 2009 - 108 minutos

VINCERE
realizado por Marco Bellocchio
Italia, 2009 - 128 minutos

VISAGE (FACES)
realizado por Tsai Ming-Liang
Taiwán, Francia, Bélgica, Holanda, 2009 - 138 minutos

Fuera de la competición

UP (LÀ-HAUT) (Película de Apertura) 3D
realizado por Pete Docter
Estados Unidos, 2009 - 104 minutos

AGORA
realizado por Alejandro Amenábar
España, 2009 - 141 minutos

DRAG ME TO HELL
realizado por Sam Raimi
Estados Unidos, 2009 - 99 minutos

L'ARMÉE DU CRIME
realizado por Robert Guédiguian
Francia, 2009 - 139 minutos

NE TE RETOURNE PAS
realizado por Marina De Van
Francia, Luxemburgo, Bélgica, Italia, 2009 - 111 minutos

PANIQUE AU VILLAGE animación
realizado por Vincent Patar, Stéphane Aubier
Bélgica, Francia, Luxemburgo, 2009 - 76 minutos

THE IMAGINARIUM OF DOCTOR PARNASSUS
realizado por Terry G illiam
Reino Unido, Canadá, 2009 - 122 minutos

COCO CHANEL & IGOR STRAVINSKY (Película de Clausura)
realizado por Jan Kounen
Francia, 2009 - 118 minutos

El Jurado de los Largometrajes

Isabelle Huppert, Presidenta (Actriz - Francia)
Asia Argento (Actriz, Realizadora, Guionista - Italia)
Nuri Bilge Ceylan (Realizador, Guionista, Actor - Turquía)
Lee Chang-Dong (Realizador, Escritor, Guionista - República de Corea)
James Gray (Realizador, Guionista - Estados Unidos)
Hanif Kureishi (Escritor, Guionista - Reino Unido)
Shu Qi (Actriz - Taiwán)
Sharmila Tagore (Actriz - India)
Robin Wright Penn (Actriz - Estados Unidos)

Festival de Lima 2008 Continúa la búsqueda de su propio-ser

2009-05-12T01:54:00.000-07:00

Entre Festival y Encuentro latinoamericano, entre las propuestas seguras y arriesgar con lo más vanguardista
“Leonera” film argentino de Pablo Trapero, fue la justa triunfadora

Como desde hace cada doce años, se celebró el Festival de Lima, Encuentro Latinoamericano de Cine, organizado por el Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica del Perú, en su duodécima edición contó como Jurado de la Sección Oficial de Ficción con el novelista Mario Vargas Llosa, quien recibió una serie de homenajes de parte de la organización; la presencia de Vargas Llosa, sin duda responde a su convocatoria mediática, más que por su logros cinematográficos, los cuales adolece. Otro invitado, en esta edición fue el país de Alemania, en una muestra paralela, donde se proyectaron 14 de lo más interesante de la filmografía teutona contemporánea, películas de Fatih Akin, Hans-Christian Schmid, entre otras, así como una función especial de “Berlin Alexanderplatz” de Rainer Werner Fassbinder.

Leonera rugió en Lima
La gran triunfadora de este Festival de Lima con cuatro premios fue una película Argentina (de ese país vino lo mejor de la selección, aunque “Cordero de Dios”, de Lucia Cedrón fue una de las grandes decepciones) “Leonera”, premio a mejor largometraje de Ficción, mejor fotografía, mejor guión y mejor actriz, del director argentino Pablo Trapero, recordado por “el Bonaerense”, nos da una visión femenina de una historia extrema, Julia, (interpretada por su esposa y productora Martina Gusman, quien fue elegida como mejor actriz, por una actuación superlativa), es una joven mujer que vive un drama intenso al ser recluida en un centro penitenciario acusada de homicidio, dentro de esta cárcel vivirá la espera del embarazo, será madre, así como tantas mujeres en el mundo, pero privada de su libertad. Considerar en “Leonera” la fotografía opresiva y recargada (de Guillermo Nieto) que confluyen, en esa mirada del director, Trapero, que con gran oficio nos introduce hacia la vida en aislamiento de la sociedad civil, de esa otra vida de hacinamiento en la hostilidad de un penal para mujeres; y esa lucha inquebrantable y feroz de una madre, para recuperar a su hijo con uñas y dientes. Una justa, segura y consensuada ganadora de este Festival limeño.

La tropa brasilera
Quien se llevó el Segundo Premio del Jurado de Ficción, fue la muy esperada y polémica “Tropa de Elite” de José Padilha, que se alzó del Oso de Oro, en la última Berlinale, acusada de ser una cinta de carácter fascista, Este film brasilero destaca sobretodo por su trepidante narración y la crudeza de sus imágenes, haciendo uso de un realismo extremo, de la violencia que se vive en la favelas de Río de Janeiro donde impera el narcotráfico y la corrupción. De Brasil también interesante, la propuesta Gustavo Spolidoro con su ópera prima “Ainda orangotangos”, con un casi plano secuencia de 80 minutos (realmente son dos de 40) que son solamente de un día común en cualquier metrópoli, en este caso la capital gaucha, Porto Alegre. Decepcionantes “Perro sin dueño” de Beto Brant y Renato Ciasca, al igual que “Mutum” de de Sandra Kogut.

Compromiso con estilo
“Los Bastardos” una de las mejores del festival, radical, impactante y contundente, ya Amat Escalante nos había desconcertado con “Sangre”, con una propuesta estética arriesgada, con esos extensos planos secuencia, y planos fijos, de encuadres expresivos y contemplativos, pero esta película no escandaliza por su violencia repentina sino por aguda mirada a la sociedad actual disociada y enajenada. Muy destacable “Lake Tahoe” de Fernando Eimbcke, con una narración correcta y minimalistica, pero gran expresividad en cada encuadre, en su aparente simpleza nos cuestiona, sin duda Eimbcke, sigue mostrando un gran talento superando lo hecho en “Temporada de Patos” el 2004, con esa agudeza para mirar el mundo de la adolescencia. Así como de México se ve un horizonte y una camino a seguir del cine latinomericano, en esta misma senda, pero en un sentido más extremo fueron sin duda, las propuestas de autor como, “Liverpool” Lisandro Alonso que vuelve con su misma temática inquietante, demostrando una coherencia, al igual que el chileno José Luis Torres Leiva luego de su documental “El tiempo que se queda” del 2007, está vez no ofreció mirada contemplativa de la naturaleza y la humanidad inexpresiva en “El Cielo, la tierra, la lluvia. “La mujer sin cabeza” de Lucrecia Martel, luego de su mal paso en Cannes este año con silbatina incluida, su acogida en Lima fue más benevolente, película que hay que entenderla con mesura. De Argentina no soslayar “La rabia” de Albetina Carri y “La sangre brota” de Pablo Fendrik, radicales y brutales, no acta para hipersusceptibles, realmente sorprendentes.

Rumbos efectistas desde el norte
De Colombia “Perro come perro” de Carlos Moreno y “Satanás” Andrés Baiz, cine efectista y hasta facilista, de genero, que crea empatía con el público; el cine del vecino del norte apunta a esa formula para ser cada vez más comercial, encarrilándose a la corriente de la industrialización cinematográfica, hoy tan hegemónica y avasalladora. Es la muestra de los caminos distintos entre sí del cine latinoamericano. Donde existe un cine proindustrial complaciente con el gusto masivo, pero por otra parte se realizan películas bastante exigentes, mas allá de todas estás implicancias es evidente hay progreso evidente del cine de esta parte del continente. De mayor valía la primera mencionada.

Lejos del cielo
El muy esperado regreso de Josué Méndez, luego “Días de Santiago”, producción que ha sido parte de la Competencia Internacional de Locarno, estará en el festival donostiarra de San Sebastián de este año; nos dejó con sabor a poco, a decepción, personalmente esperaba algo más de Méndez. “Dioses” es una historia que puede caer en el en el estereotipo, hasta en el ridículo, con un aire a Lombardi en un su versión más descomprometida, aunque con algunas secuencias cuasi-logradas especialmente sarcásticas. Pero en general “Dioses” nos es eficiente, es débil, es lánguida, es como su estética, luminosa y colorida, pero sin profundidad, sin intensidad en su visión de la “Clase Alta Limeña”; y además sin ser del todo contemplativa, como prometía el director. Méndez quedó en deuda, sin definir su posición, su búsqueda continuará.

¿Festival de Festivales?
Si bien es cierto, el nivel de las películas en competencia en general fue bastante alto a diferencia de otras ediciones, el triunfo de “Leonera” fue incuestionable y el Festival de Cine de Lima se consolida años tras años, pero un Festival de ser algo más, no sólo una selección de los mejores filmes que han pasado por los festivales más importantes, sino un espacio que también de cabida a nuevas propuestas, al cine experimental, donde se descubra talentos, donde se haga investigación, y de ese modo construir una personalidad. Pero con todo y eso, sigue siendo ese instante en el año en el que los que amamos el cine verdaderamente podemos respirar de la asfixiante opresión de los blockbuster. La presencia de directores como Trapero, Guerín, Escalante, Alonso, nos ponen efímeramente en la mirada del mundo del cinéfilo. Pero luego la vida sigue, las luces se apagan y volveremos a luchar como leones, esquivando penumbras que el mainstream of Hollywood nos quiere envolver, pero siempre hay una luz, como una antorcha que brilla en la oscuridad, hasta el próximo año Festival.

Festival de Lima 2008 NOVENO DÍA

2009-05-12T01:42:00.004-07:00

Festival de Lima 2008 OCTAVO DÍA

2009-05-12T01:42:00.003-07:00

Festival de Lima 2008 SÉPTIMO DÍA

2009-05-12T01:42:00.001-07:00

Festival de Lima 2008 SEXTO DÍA

2008-08-13T03:20:00.000-07:00

Para el miércoles 13
7 CON PRESENCIA

3:00 p.m. Cineplanet Alcázar
SLEEP DEALER
De Alex Rivera

4:30 p.m. Cineplanet Alcázar
LIVERPOOL
De Lisandro Alonso

5:30 p.m. Cineplanet San Miguel
FLANDRES
De Bruno Dumont

5:30 p.m. CC de España
LA CIUDAD DE SYLVIA
De José Luis Guerín

8:00 p.m. Cineplanet San Miguel
LA MUJER SIN CABEZA
De Lucrecia Martel

10:15 p.m. Sala Roja CCPUCP
TROPA DE ELITE
De José Padilha

10:30 p.m. Cineplanet Alcázar
TONY MANERO
De Pablo Larraín

Mayor información sobre la programación en http://www.festivaldelima08.com/

Festival de Lima 2008 QUINTO DÍA

2008-08-12T03:09:00.000-07:00

“NO COPIAR, SINO HACER PELÍCULAS DE FICCIÓN LLENAS DE IDEAS”
Hoy en la mañana, en el Centro Cultural de la PUCP, se llevó a cabo el dialogo con Alex Rivera, director origen peruano de "Sleep dealer" (premiada en Sundance y en la Berlinale 2008), que contó como panelistas con los críticos de cine, Gabriel Meseth y Mario Castro Cobos. Al principio del dialogo, el director describió su película como una muestra de ideas en un ambiente de ciencia ficción, Rivera pretende al hacer películas, no copiar otros flimes como “Minority Report” o “Yo robot”,en donde cada 10 minutos se puede notar una idea y en el intervalo de una a otra, sólo se ve al personaje principal matando robots o peleando contra algo o alguien, sino de hacer una película llena de ideas. Después de eso se le pregunto acerca de sus comienzos en el cine y como fue que después de haber estudiado ciencias políticas, tomó una cámara y empezó a hacer cine. Rivera se remontó a sus recuerdos “cuando el era un adolescente conoció a un músico que vivía cerca de su casa, él cual le había comentado que para hacer música no sólo hay que tener una buena voz, sino que hay que saber el verdadero sentido de hacerla, y que para lograr hacer algo bueno se necesita de un complemento”. Esa es una de las razones por la que estudio ciencias políticas, con ese afán de complementar sus conocimientos, y fue así, como logro iniciarse como director, haciendo pequeños cortos, siendo en el principio de su carrera era un director pirata (un director que no cuenta con dinero para pagar a un equipo y toma extractos de otra películas para crear una suya). Alex Rivera se refirió a su padre, de quien ha tomado como la imagen perfecta de un inmigrante en busca de alcanzar sus sueños, trabajando duro y enriqueciendo a un país que al principio no le brindo ninguna ayuda, y al cual pasado mucho tiempo de luchar contra cualquier adversidad logro llegar a lo que es comúnmente es llamado clase media. Para Rivera fueron su fuente de inspiración películas como “Metropolis” de Frtiz Lang, “Star wars” de George Lucas (dijo de ésta: “Que es una película en la cual se puede observar que se trata de una búsqueda de sueños y libertad), también las de Charles Chaplin entre otras. En este dialogo tuvo sus momentos distendidos, cuando Mario Castro, quien se estaba refiriendo a "Sleep dealer", y en especialmente a el tema de la ciencia ficción definió la película como una de “ciencia ficción neo realista”, ante la mirada extrañada de Rivera, que sólo atinó a decir, que fue una expresión que se la invento en el momento. Casi al finalizar el dialogo, Alex Rivera, nos dejó una frase, que revela algo de su filosofía de vida y esa admiración por su progenitor: "no es de mente, sino de cuerpo, el cuerpo es la manera por el cual el inmigrante expresa el trabajo".

SAB Dulce de mente

Para el martes 12

7 CON PRESENCIA

2:45 p.m. Cineplanet Alcázar
CASA DE LA REMOLIENDA

De Joaquín Eyzaguirre

4:30 p.m. Cineplanet Alcázar
LA SANGRE BROTA

De Pablo Fendrik

5:30 p.m. Cineplanet Alcázar

CRÓNICA DE UN NIÑO SOLO

De Leonardo Favio

5:30 p.m. Cineplanet Primavera

FLANDRES

De Bruno Dumont

7:00 p.m. Cineplanet La Molina

TROPA DE ELITE

De José Padilha

8:00 p.m. Cineplanet Alcázar

SLEEP DEALER

De Álex Rivera

8:00 p.m. Cineplanet San Miguel

LEONERA

De Pablo Trapero

Mayor información sobre la programación en http://www.festivaldelima08.com/

Festival de Lima 2008 CUARTO DÍA

2008-08-11T17:10:00.000-07:00

Con la presencia en la sala del Jurado Oficial, encabezado por el novelista Mario Vargas Llosa; pudimos presenciar “La Rabia” que es el titulo de film de la directora argentina, Albertina Carri, pero La Rabia también es un paraje recóndito de la Pampa argentina, lugar donde conviven los granjeros y la naturaleza, en una coexistencia áspera, hostil y brutal. Impactante y sorpréndete, es la propuesta de Carri, violenta, explicita y transgresora, de los convencionalismo, sin el menor pudor para poner una puesta escena cruda y contundente (tal vez la escena más floja, justamente es la de mayor sexualidad y carnalidad en la cinta, en la que los actores se desenvuelven sin soltura y su actuación no es muy creíble, pero de gran simbolismo). “La Rabia” cuenta con riesgosa apuesta estética, apoyada en un con excelente fotografía, muy cuidada de Sol Lopatín, mostrándonos paisajes impactante de gran belleza y contundencia, que son la atmósfera perfecta para esta tragedia que tendrán que vivir dos familias vecinas, marcada por la infidelidad. El sonido de la naturaleza es otro aspecto resaltante, crean sensaciones, es un personaje más. Guionista también Carri, nos ofrece un relato de una precisión narrativa admirable, en la que dos niños son expuestos una violencia y sexualidad excesiva por sus propios padres infieles, esa despreocupación e insensibilidad de los padres por sus hijos tendrán resultados funestos en el desarrollo de la película. La inocencia perdida, que por momentos vuelve a este film en terrorífico, como una gran pesadilla, que son tan verdaderos, como las historias de los acontecimientos reales sucedidos en La Rabia. La dirección es precisa, con gran oficio y exactitud, se desarrolla con un control de los acontecimientos milimétrico y a medida crece la tensión, se desencadena una serie de eventos que golpean con fuerza al espectador más inconmovible. Por último, es prometedor lo de Carri, ya en “Los rubios” había dado muestra de mirada critica y disidente, dándole un vuelo de originalidad y totalidad a su obra (en este caso recurre a la música estridente y a la animación, para involucrarnos en ese sentido, en ese espacio de abstracción de este cuento macabro), ella arriesga, comete fallos, pero el resultado final es más que bueno, y nadie puede salir indiferente de la sala luego de una película tan sui generis. Hipersusceptibles abstenerse.

Para el lunes 11

7 CON PRESENCIA

7:15 p.m. Sala Roja CCPUCP
DIOSES
De Josué Méndez

8:00 p.m. Cineplanet Primavera
TONY MANERO
De Pablo Larraín

8:00 p.m. Cineplanet San Miguel
LAKE TAHOE
De Fernando Eimbcke

9:45 p.m. Cineplanet Alcázar
EN LA CIUDAD DE SYLVIA
De José Luis Guerín

9:30 p.m. Cineplanet Alcázar
LOS BASTARDOS
De Amat Escalante

10:30 p.m. Cineplanet Alcázar
LA RABIA
De Albertina Carri

10:30 p.m. Cineplanet San Miguel
EL CIELO, LA TIERRA Y LA LLUVIA
De José Luis Torres Leiva

Mayor información sobre la programación en http://www.festivaldelima08.com/

Festival de Lima 2008 TERCER DÍA

2008-08-09T23:37:00.000-07:00

“Perro sin dueño”, es la exploración en la vida de Ciro (Julio Andrade), lo vemos amar, hacer nada, en sus crisis, en su plenitud, dialogando, relacionándose con su entorno, reflexionando, siendo simplemente él; de eso se trata está película, de esa libertad de hacer, de pensar o de no hacer nada, de soñar o autodestruirse, y todo con un sentido muy latente, es como la totalidad del nihilismo y el pesimismo irremediable. Pero poco sucede en el encuadre, pero mucho más pasa por la interioridad de personaje central. Brant y Ciasca nos presenta una cinta que no pretende ser más que esa mirada de esos retazos de vida, nos introduce a ese mundo complejo y muy intimo de Ciro, esa negación de lo pretencioso de esta propuesta codirigida, la hacen más sincera y realista. Y está también la iluminación, como un elemento que le da energía, esa fuerza que el relato adolece por largos minutos, además de esos planos que mutan, que son la mirada del director, en especial en esos momentos de pasión entre Ciro y Carla (Tainá Muller, que tiene un desempeño más que convincente). Esta pareja directores brasileros habla de temas actuales y constantes, de ese paso a la adultez, y de las complicaciones que conlleva, de esa melancolía que conduce a la depresión, de esa depresión que paraliza y adormece. “Perro sin dueño”, es el escepticismo, la negación a afrontar el futuro, la imposibilidad de levantarse y sobreponerse al letargo, es una propuesta distinta a lo convencional y desconcertante, desde su improvisación ajustada a guión bien estructurado, por eso su coherencia y que además, invita a la reflexión de la propia existencia. Impregnado de lirismo y gran preocupación por lo social y lo filosófico, retrato de esos perros desvalidos que son parte de una generación despersonalizada e irremediablemente abrumada y hastiada, pero con resultados no muy satisfactorios.

Para el domingo 10
7 CON PRESENCIA

2:30 p.m. Sala Azul CCPUCP
LA MUJER SIN CABEZA
De Lucrecia Martel

2:30 p.m. Sala Roja CCPUCP
TROPA DE ELITE
De José Padilha

11:30 p.m. Sala Roja CCPUCP
EL TREN DE LAS 3:10 [3:10 TO YUMA]
De James Mangold

4:30 p.m. Sala Roja CCPUCP
LA SEÑAL
De Ricardo Darín, Martín Hodara

8:00 p.m. CC España
LA BICICLETA
De Sigfrid Monleón

9:45 p.m. Cineplanet Alcázar
RELACIONES PELIGROSAS
[BEFORE THE DEVIL KNOWS YOU’RE DEAD]
De Sydney Lumet

10:30 p.m. Sala Azul CCPUCP
LA RABIA
De Albertina Carri

Mayor información sobre la programación en http://www.festivaldelima08.com/

Festival de Lima 2008 SEGUNDO DÍA

2008-08-09T01:09:00.000-07:00

Segunda día, siguió como una canción si emoción, una película sin pulsación. Toda colorido en su fotografía, menos las expresiones de sus actuantes, sin matices, diálogos repetidos mecánicamente, como si fuese un ensayo, como si les hubiese robado el alma, la dictadura de Videla, que fue feroz, pero el argentino es enérgico, vital y fanático; Esta es la primera decepción de este festival ”Cordero de Dios” de Lucía Cedrón, muy esperada, pero sólo para el bostezo profundo y extenso. Un guión incoherente y inconsistente, las cosas suceden porque suceden, y porque es así y así quiere que sea Cedrón, los personajes actúan aletargados y las cosas se resuelven por obra gracias de los dictado desde el guión; en los momentos de mayor dramatismo, los personajes son casi inconmovibles, inertes, apáticos y cuando se conmueven parecen mecánicos, contenidos, rígidos, no como ese amor inconcluso de los personajes que interpretan Tony Leung y Maggie Cheung en “A mood for love” de Wong Kar-Wai, pero esa es otra historia. Esto es como un ensayo pero rodando, no es que pida dramatismo lacrimógeno, porque la ecuación mayor cantidad de drama igual mayor corrección y expresividad de un film, no es la idea, hasta en las telenovelas se trabaja mejor estás sensaciones, además de mantener cierta tensión en las líneas narrativas. Pero Cedrón trabaja una historia con una dualidad temporal, una contemporánea de crisis económica y otra, en 1978 en pleno gobierno de la Junta Militar y a vísperas del mundial de fútbol, pero si no lo dicen, de un primer momento es imposible percibirlo. La cinta parece pretender de una transmitir una añoranza de la niñez, lo lúdico, la candidez y la nostalgia de esos años que no volverán; pero la directora falla en su propuesta y divaga en la historia del secuestro del abuelo de Guillermina, Arturo; la madre que llega de Paris (Mercedes Morán) a asistirla en la dificultad, pero la madre guarda rencores contra su padre Arturo, pero realmente no sabe sin ciertos los motivos de ese sentimiento. Guillermina por su parte quiere solucionar todo como adulta, y en su papel de niña situada en Argentina de los 70s es una niña ingenua y dulce, pero que llega ser irritante con el paso del metraje, rematándolo todo con la canción al final de la película capela con su papá (que fue asesinado misteriosamente). Este patetismo, que roza con el ridículo se refleja mejor en las escenas del encuentro del abuelo con su familia al ser liberado y la forma de entrega del bolso con el dinero del rescate, vacuas. Ah y los diálogos de Guiliana con los secuestradores son risibles. Pero, si los personajes no tienen corazón, sí tienen una gran sabiduría, y tienen la respuesta de todo, la frase (de libro de autoayuda). Más allá de algún viso de creatividad, en las transiciones temporales y alguna intención de desdramatizar una situación límite y ser un observador objetivo distante, es errada en su propuesta, Cedrón muestra una impericia alarmante en especial en la resolución de los conflictos, que no convence y molesta.

Ya en la noche “Perro come perro”, película del emergente cine colombiano, dirigida por el caleño Carlos Moreno, como otras películas del vecino del norte, se caracteriza por su efectismo, sostenido por relato incesante que no da treguas al espectador, y te engancha, te invita a prestarle atención; más allá de los personajes estereotipados, sobreactuados y excéntricos y de no ser precisamente una obra maestra, además de estar plagadas de convencionalismos. Sumándole una estética recargada por muchos momentos con tendencia feista pero efectiva en su fotografía, que por instantes recuerda a un video clip de Mtv. “Perro come perro” es más una película más del genero de la violencia, que un thriller propiamente dicho, y nada más y nada menos trasladada a la picante Cali. Sicarios malditos que matan por codicia, todos son villanos e implacables, donde los códigos del hampa tampoco existen. En algunos planos detalle a los rostros, recordé por sólo un instante esos encuadres de Leone, en los Spaghetti western, donde los pistoleros están bañados en sudor, mugre y sangre. Aquí, los regional, lo religioso, la brujería (magia negra), tienen un papel importante, así como ese humor burdo (Sierra, interpretado por Álvaro Rodríguez es preciso e burlesco), popular, fácil tienen un protagonismo que hacen de la ópera prima de Moreno en una película llevadera, no es una gran obra, pero es intensa, y nos va conduciendo irremediablemente a concluir en una orgía de sangre, en donde ni el protagonista Peñaranda (Marlon Moreno, de gran performance) se salva, donde perro sí come perro y lo más importante de Moreno es poder mostrar una realidad violenta, que se repite en muchas capitales sudamericanas, pero con un humor negro que resulta.

Para el sábado 9

7 CON PRESENCIA:

2:15 p.m. Sala Roja CCPUCP
LEONERA
De Pablo Trapero

3:00 p.m. Cineplanet Alcázar
DESIERTO ADENTRO
De Rodrigo Plá

3:15 p.m. Cineplanet Alcázar
EN LA CIUDAD DE SYLVIA
De José Luis Guerín

5:15 p.m. Cineplanet Alcázar
INTIMIDADES DE SHAKESPEARE Y VÍCTOR HUGO
De Yulene Olaizola

5:30 p.m. CinePlanet San Miguel
REQUIEM
De Hans-Christian Schmidt

10:15 p.m. Sala Roja CCPUCP
TE ACUERDAS DE LAKE TAHOE
De Fernando Eimbcke

10:00 p.m. CinePlanet Primavera
LA SANGRE BROTA
De Pablo Fendrik

Mayor información sobre la programación en http://www.festivaldelima08.com/

Festival de Lima 2008 PRIMER DÍA

2008-08-08T17:01:00.000-07:00

Nuestra parada en este camino festivalero fue en Cineplanet San Miguel. “El desierto crece, ay de quien que abriga desiertos”, esta es la frase con la que sentencia Nietzsche, el uruguayo Rodrigo Plá, lsorprénde con “Desierto Adentro”, en lo personal me dejó bueno impresión inesperada, luego de haber visto “La zona”, que es un film menor en expresividad. Esta peregrinación de mortandad en cuatro actos, ¡el ángel de la muerte rondando y ajusticiando al pecador. Este pecador maldito, pero católico ferviente es Elías, y su vida el perdón llegara y la culpa la consumirá hasta la locura mística. Porque se siente el polvo, la aridez (física y mental, esa maldita superstición e ignorancia que destruye), con una fotografía en tonos ocres y opresiva, como ese revolución que a comienzos del siglo pasado asoló un pueblito mejicano, llamado San Isidro, prohibiéndolo expresar cualquier tipo de expresión religiosa. El pueblo del cual se exilia Elías junto sus hijos, pero ese traslado físico y no lo alejará de destino. Este desterrado buscará la expiación de sus culpas desde propia teología. Quizá lo más destacado es la dirección de arte, que transmite toda esa aridez, ese mundo aparte don Eliás a condenado a su prole, ese aislamiento despertará esos púberes la más incontenibles pasiones carnales y los sufrimientos más absurdos. Otro aspecto singular, es la narración en off, del menor de los hijos, Aureleano, que confinado a una habitación por temor del padre que al salir muera, el es pintor y sus obras cobran vida gracias a departamento de animación, animación bastante conveniente, esos momentos le dan un balance a esta tragedia, del eterno penitente Elias, un guión bastante convincente y muy bien estructurado muy a pesar de sus múltiples complejidades, podemos acompañar a esta familia en sus aislamiento en su desierto, en la búsqueda de “el perdón divino”. Destacar del director la capacidad de trasladar esta historia impregnando de un realismo poético, realismo mágico muy a lo García Márquez, es la transposición sobre la pantalla y conectar una muy literaria en una obra cinematográfica de valía.

Y por último, en segundo lugar vimos “La sangre brota” de Pablo Fendrik, director de la implacable y obsesiva “El asaltante”. En esta película, la sangre sí llega al río, pero también todo lo que parece no es y todo termina siendo brutal, Fendrik hace un uso de detalle y seguimiento a cada movimiento, el lente esta sobre cada fricción, sobre cada pequeño detalle importante o no tanto, nos pone cerca de cada mirada, de cada inhalar, de la piel, podemos deslumbrarnos con la luz a través de los cuerpos, sentimos los poros, el sudor, la sensualidad, los cuerpos transcurren, discurren, vagan por una Buenos Aires más iluminada, más iridiscente, casi sobrenatural y a la vez saturada y realmente violenta (expresión de una sociedad en crisis); dándole intensidad y expresividad a la puesta, transmite esas sensaciones de hastío y esa tensa calma que abruma, pero también le da ritmo, cuando la cinta decae en la narración. Es una historia de violencia contenida, que tiene que brotar en cualquier momento, porque así es el ser humano, autodestructivo por naturaleza. Es la visión de una sociedad, degrada moralmente, alienada, sobre-stressada y paranoica, que sobrevive en selva de cemento, siempre a la defensiva y más perturbada aún. Fendrik se vale de la cámara en mano, también de la distancia, de planos distorsionados, anticonvencionales, acompañada con una banda sonora que por momentos llega a ser perturbadora, tanto como de la violencia seca, directa y sin concesiones. Fendrik nos describe a cada personaje mostrando sus acciones y reacciones, no lo que dicen, sino lo que hacen; y como las circunstancias se van tensando más y ellos actúan motivados por sus deseos o demuestran su real naturaleza. Aquí los personajes no crecen, todo lo contrario involucionan, el director argentino hace una descripción de un entorno enajenado, que puede ser el de cualquier gran metrópoli; es la realidad fantástica, a lo Fendrik.

Para el viernes 8
7 CON PRESENCIA:

4:30 p.m. Cineplanet La Molina
DEL OTRO LADO
De Fatih Akin

5:15 p.m. Cineplanet Alcázar
FLANDRES
De Bruno Dumont

7:00 p.m. Cineplanet La Molina
LA RABIA
De Albertina Carri

9:45 p.m. Cineplanet Alcázar
LUST, CAUTION
De Ang Lee

10:15 p.m. Sala Roja CCPUCP
DIOSES
De Josué Méndez

10:15 p.m. Cineplanet Alcázar
JAPÓN
De Carlos Reygadas

10:30 p.m. CinePlanet Primavera
TROPA DE ELITE
De José Padilha

Mayor información sobre la programación en http://www.festivaldelima08.com/

Festival de Lima 2008 LA INAUGURACIÓN

2008-08-08T01:33:00.000-07:00

Con un Homenaje a Mario Vargas Llosa, presente entre las decenas de asistentes al antiguo Cine Metro, y tras las palabras emocionadas y sinceras del escritor, se declaró inaugurado el Festival de Lima XII Encuentro Latinoamericano de Cine, que se desarrollará entre el 7 y 15 de agosto.

Mario Vargas Llosa dijo que "uno puede recibir muchos agradecimientos pero nada llega tan hondo como el reconocimiento en su propio país. Estoy profundamente emocionado y no tengo palabras para agradecer a la Pontificia Universidad Católica, a su Centro Cultural, a Edgar Saba que es el conspirador que está detrás de todo esto, a esta bella colombiana o brasilera (refiriéndose a la actriz Angie Cepeda que interpretó a uno de los personajes en la película "Pantaleón y las visitadoras") y a todos aquellos que me han dejado tan conmovido en estos días de homenajes continuos. Muchas gracias, muchas gracias, es lo que siento en mi corazón", dijo el escritor que fue aplaudido de pie por varios minutos.

El evento se inició con breves discursos de funcionarios de entidades auspiciadoras del evento, intercalados con mini cortos alusivos al festival y cuyo tema fue "La más sabroso de Latinoamérica". Siguieron en el uso de la palabra Alejandro Miroquesada Cisneros, director del diario El Comercio; Edgar Saba, director del festival y el Centro Cultural de la Universidad Católica; y el rector Luis Guzmán-Barrón Sobrevilla, quien declaró inaugurado el XII Encuentro Latinoamericano de Cine.

Fuente: RRP Noticias

Festival de Lima 2008: Así fue la inauguración

Luego de cruzar un mar de calles rotas y seguir muchas señales de desvío, llegamos al Cine Metro en el centro de Lima, alrededor de las 7:30 pm. La ceremonia se inició una hora después. Arrancó con la presentación del nuevo y principal auspiciador del festival, la compañía de perfumería Natura. Ellos presentaron un video cuya temática giraba alrededor de la idea de una “América sin fronteras”, un clip plagado de divertidas anécdotas y personajes singulares que demostraron la absurda naturaleza de las divisiones fronterizas entre países. Vale como esfuerzo audiovisual, aunque más de uno puede verlo como simple publicidad encubierta. A continuación subieron al estrado los directivos de la mencionada Natura, del BIF y de El Comercio, los auspiciadores principales, todos intercalados con la proyección de los spots promocionales. Luego de ellos recién apareció un representante del festival, Edgar Saba, quien leyó su discurso de rigor. Finalmente, el rector de la PUCP, Luis Guzmán Barrón, dio por inaugurado el evento.

Haz clic aquí, si deseas leer más sobre la inauguración del 12° Festival de Lima.

información tomada de cinencuentro.com

Festival de Cine 2008 LA PRESENCIA DE VARGAS LLOSA

2008-08-07T23:42:00.000-07:00

Entrevista publicada en el blog “Páginas del diario de Satán” el día viernes 1º de agosto del 2008. Un agradecimiento especial a su editor, Ricardo Bedoya, por su cortesía y colaboración.

Mario Vargas Llosa será el presidente del jurado oficial de la "Sección Oficial de Competencia - Ficción”, así como el gran homenajeado en esta edición del Festival de Lima 2008

Vargas Llosa en el cine

Esta entrevista con Mario Vargas Llosa fue grabada para el programa "El placer de los ojos" en enero de 2002.

¿Tu afición al cine es muy antigua?
Es precoz. Mi madre me contaba que las primeras veces que me llevó al cine, cuando era muy chico, era imposible que llegara al final de la película porque apenas apagaban las luces me ponía a llorar y tenía que sacarme. Pero cuando me acostumbré, me convertí en un cinéfilo voraz.

¿Dónde fueron esas primeras visitas al cine?
En Cochabamba, antes de cumplir los diez años, porque yo salí de ahí al cumplir esa edad. Recuerdo mucho las películas del Gordo y el Flaco; las seriales, esas películas de aventuras que se veían por capítulos semanales, que para mi fueron importantísimas; las películas de Tarzán. Pero recuerdo sobre todo una película que me impresionó tremendamente y vi muchas veces: Sangre y arena, que nunca he vuelto a ver para que el recuerdo precioso que tengo de ella no se vaya a destruir.

¿Y esa afición por las seriales incluyó también al western?
En esa época empecé a ver westerns. Siempre me gustaron mucho; son una de mis grandes debilidades. Me ocurre una cosa curiosa: en el cine me gustan cosas que en la literatura detesto, por ejemplo el western. Nunca leería un western y, sin embargo, en el cine los westerns siempre me han apasionado. Me pasa lo mismo con las películas policiales. Me encantan pero no soy un lector de novelas policiales.

El western tiene algo novelesco, arquetipos, una densidad novelesca fuerte.
Sin duda; es un mundo de ficción y creo que de alguna manera entronca con la tradición de la novela de caballería: el héroe, el justiciero, esa lucha elemental entre el bien y el mal encarnados en personajes antagónicos. Es un mundo que tiene que ver con una antiquísima tradición de la que la novela de caballería fue alguna vez expresión.

En tu juventud, el cine mexicano era un fenómeno.
Sí, fui un devorador de películas mexicanas que, por supuesto, tenían una audiencia enorme aquí en el Perú de los años 40 y 50. Todavía pienso que es el gran cine mexicano, con toda su truculencia, sus historias de charros y su visión de la vida nocturna entre romántica, sentimental y estereotipada. El cine mexicano creó algo parecido al western, una mitología propia, con mucha gracia, un lenguaje y una música y ciertas coordenadas anímicas, algo que después el cine mexicano, por desgracia, perdió.

El cine aparece en 1895, en un momento en que la novela del siglo XIX aún está en su esplendor ¿Qué le aporta el cine?
Muchas cosas. La narración cinematográfica agiliza extraordinariamente el tratamiento del tiempo en la ficción narrativa. El cine nos acostumbra a ver el tiempo como un espacio, algo en lo cual uno puede desplazarse saltando, por ejemplo, hacia el pasado, y del pasado hacia el presente o el futuro, a una velocidad instantánea, algo que la imagen permite identificar muy fácilmente. En la literatura eso no existía hasta el cine. Con el cine la literatura empieza a tratar el tiempo con libertad y flexibilidad porque se dirige a un público acostumbrado a esos saltos temporales gracias a las películas. Otro aspecto es la visualidad. La literatura se vuelve más visual a partir del cine.

¿En qué novelistas sientes más esa influencia del cine?
En Hemingway. Sin el cine no sería posible una literatura como la de Hemingway. Sus relatos parecen guiones cinematográficos concebidos dentro del formato de una historia por su extraordinaria visualidad, lo escueto de la dicción, de la palabra; parecen haber sido concebidos como textos visuales. Creo que no hay escritor contemporáneo que no haya recibido, directamente en la mayoría de los casos, o indirectamente en el caso de los escritores para los que el cine no fue importante, la extraordinaria influencia de la imagen.

¿Cómo espectador prefieres las películas narrativas?
Mis gustos son muy contradictorios en lo que se refiere al cine. Me gustan cosas muy diversas y soy mucho menos exigente cuando voy al cine que cuando leo. Si un libro es malo, generalmente no lo puedo leer. Si una película es mala, me puede entretener, me puede divertir y siempre que no sea pretenciosa me hace pasar un buen rato. Una mala novela me irrita, me exaspera, y de hecho no la termino nunca. Mi actitud hacia el cine es mucho menos severa, menos rigurosa; el cine me sirve sobre todo porque me limpia, me hace vivir una ensoñación. Después de estar trabajando todo un día, sumido en un trabajo de tipo intelectual, es extraordinariamente liberador. No suelo ir al cine con la actitud rigurosa o severa que tengo con la literatura.

(…)Admiro mucho a los directores que han sido capaces de crear un mundo a partir de obsesiones, de manías. Admiro mucho a Visconti; a Buñuel, que es un típico creador cinematográfico maniático. En literatura hay muchos escritores maniáticos, pero en el cine es más difícil porque tiene una estructura que a veces destruye las manías y el cineasta no puede imponer su personalidad. Admiro a los cineastas que han conseguido imponer esa personalidad, como Orson Welles, Visconti, Bergman, todos muy distintos pero con un sello muy personal. Son los que respeto, pero si tuviera que quedarme con un solo cineasta probablemente me quedaría con John Ford, porque sus westerns me han hecho gozar y me hacen gozar todavía. Aunque la obra de Ford no tenga la grandeza de la de Buñuel o Welles, probablemente es la que yo salvaría.

¿Ese pasatiempo que es el cine para ti tiene algún peso o influencia cuando escribes una novela?
Sólo en un caso recuerdo haber tenido muy presente la película cuando escribía, pero no recuerdo el nombre de la novela (1). La película era Salvatore Giuliano, de Francesco Rosi, que me impresionó mucho. Giuliano está descrito a través de un reportaje. Vi la película cuando escribía una novela y esa estructura narrativa fue para mi extremadamente útil y creo haberla aprovechado deliberadamente. Aunque estoy seguro que el cine tiene una influencia muy grande en lo que he escrito, de manera consciente es el único caso de una película que yo recuerde que me sirvió mucho en el momento de escribir.

¿Y más que una película en concreto, has pensado en la influencia de las técnicas narrativas del cine como el flashback, la elipsis…?
No sabría decirlo, pero estoy seguro que buena parte de las técnicas que utilizo tienen de alguna manera esa influencia, sobre todo en la construcción. No en el empleo de la palabra pero si en la manera de organizar el tiempo, el punto de vista, las perspectivas desde las cuales se cuenta tal historia, cuando el narrador se acerca al personaje para narrar sea desde él, o muy lejos del personaje o muy cerca del personaje. Sobre eso tengo una consciencia gracias al cine, más que a través de la propia literatura, porque el cine hace muy visibles esas técnicas.

En una novela como Los cuadernos de don Rigoberto, desarrollas aspectos fetichistas, metonímicos, obsesivos, de observación, detallando fragmentos y pequeños ritos que tienen que ver mucho con el modo en que el cine observa la realidad y tal vez con la obra de algún director como Luis García Berlanga.
Sí, he conversado mucho con Berlanga, que tiene una idea que a mi me sorprendió la primera vez que la oí. Él dice que el cine desgraciadamente no puede ser erótico y que la literatura puede ser más erótica que el cine porque la imagen es una sola y al ser una sola mata esa posibilidad virtual, múltiple, que tiene la palabra. Una imagen erótica en una novela, en un texto escrito no es una imagen, es potencialmente miles de imágenes eróticas según la sensibilidad o el estado de ánimo del lector; en cambio, en el cine, sólo puede ser una imagen porque la imagen en ese sentido es unívoca.

Esa opinión me sorprendió mucho porque yo pensaba lo contrario; que por su carácter visual, el erotismo en el cine tiene un esplendor, una inmediatez, una carnalidad que la literatura no puede dar jamás porque se mueve en una cierta indefinición, que es la indefinición del concepto verbal.

¿Hay una estructura de thriller en La ciudad y los perros y en ¿Quién mató a Palomino Molero?
En ¿Quién mató a Palomino Molero? de una manera muy deliberada. Palomino Molero es un thriller que seguramente le debe mucho más a las películas policiales que a las novelas policiales, que no leo. Son muy pocos los novelistas policiales que he leído porque el genero no me gusta. Pero el cine policial me encanta.

¿Nunca tuviste la tentación del guión?
He hecho guiones, pero mis experiencias fueron más bien frustrantes. Hice un guión para Ruy Guerra en el que trabajé mucho y que al final nunca se filmó, aunque no debería quejarme porque gracias a él escribí La guerra del fin del mundo. Después escribí el guión de Pantaleón y las visitadoras que codirigí con José María Gutiérrez, y aunque trabajé con mucho entusiasmo el resultado para mi fue bastante catastrófico. La verdad es que mis experiencias con el cine no han sido muy positivas. No me quedaron ganas de repetir la experiencia.

¿Cómo ves las adaptaciones que se han hecho de tus películas?
Se han hecho varias. La primera fue de Los cachorros, en México. Había un guión muy bonito escrito por José Emilio Pacheco, pero desgraciadamente fue rechazado por los productores. Hicieron otro guión con un guionista profesional y el problema fue que el guión desnaturalizaba de tal manera la historia que la película resultó teniendo muy poco que ver con el texto. Eso no me hubiera importado si el cineasta se hubiera tomado libertades con la historia. El cine es otro lenguaje y el cineasta debe tener la misma libertad que tiene el escritor cuando escribe. La fidelidad no es algo que me preocupe, pero sí espero que sea una buena película la que se hace, que no fue el caso de Los cachorros.

Después Lombardi hizo una adaptación de La ciudad y los perros, que me parece una buena adaptación. Es una versión muy comprimida porque contó con un presupuesto muy pequeño, pero creo que el espíritu de la novela está muy bien recreado con imágenes en esa versión.

¿Mientras se hace el guión que adapta alguna de tus novelas, le das una mirada al trabajo?
Prefiero no intervenir. Lo hice una sola vez y los resultados fueron muy malos. El escritor debe respetar al cineasta, darle la máxima libertad. Fue mi caso en la relación con Lombardi en las dos películas que hizo. Me hizo leer los guiones y alguna sugerencia le hice, pero mínima; procuré no interferir. Fue el caso también de la adaptación de La tía Julia y el escribidor que hizo Jon Amiel. Me ilusionó mucho esa adaptación porque Amiel había hecho para la televisión británica una maravillosa serial llamada The Singing Detective, pero la película resultó mala, no porque fuera infiel al libro, sino porque resultó así a pesar de los magníficos actores que tuvo y de que el guionista era muy bueno.

¿Conocías las películas de Lombardi antes de La ciudad y los perros?
Si, creo que he visto todo lo que ha hecho. Es un cineasta que me merece mucho respeto; tiene un mundo propio, un estilo. Cuando él se interesó en La ciudad y los perros, estuve muy llano a que lo hiciera, y también con Pantaleón y las visitadoras.

En Pantaleón, Lombardi da un giro al tratamiento de la historia.
Sí, un giro bastante sorprendente porque cuenta la historia en serio; no elimina totalmente el humor, pero lo reduce. El personaje de Pantaleón es más bien trágico en la película, de la que ha eliminado el aspecto tremebundo, truculento. Todo está como enfriado por la sensibilidad del propio Lombardi e integrado más a su mundo. Es algo que yo considero legítimo. Todas sus películas tienen un coeficiente estético respetable; creo que en algunas ha acertado más que en otras, pero tiene un mundo propio, un estilo, una sensibilidad que termina prevaleciendo en las historias que adapta.

¿De qué novela, o acaso de qué episodio de alguna de tus novelas, te gustaría ver una película? Acaso de Conversación en la catedral o La casa verde?
No lo sé. De todas las novelas que he escrito la más cinematográfica es ¿Quién mató a Palomino Molero?, porque es una historia que tiene más o menos el formato de una película. Es una novela corta o un cuento largo y una historia policial que se relaciona con el cine. Es una historia que veía mientras la iba escribiendo. Es probablemente la más cinematográfica de mis historias, aunque no tengo suficiente distancia para juzgarlo en frío.

¿Te interesa ver adaptaciones cinematográficas de novelas que admiras?
La única vez que vi a Buñuel, le oí decir algo que se me quedo grabado: “yo no haría una película de una gran novela. Sólo hago películas de malas novelas. Con una gran novela me sentiría intimidado, con la conciencia de no poder hacer nada equivalente. No tendría la libertad que tengo al adaptar una novela de segundo orden de Pérez Galdós”.

Hay algo de eso, pero con excepciones. Kafka parece imposible de llevar al cine y sin embargo Orson Welles hizo una película absolutamente maravillosa basada en El proceso. Una gran novela tiene dimensiones que para mi desbordan el tiempo y el espacio de una producción cinematográfica, con excepciones. Desconfío de adaptaciones de grandes novelas, como Guerra y paz, de la que he visto varias versiones, o de Los miserables. Siempre he sentido una gran frustración ante esas adaptaciones que han estado a años luz de la riqueza del original.

¿Qué películas te han marcado?
Livia (Senso), de Visconti, es una de las películas que más me ha conmovido. Aunque no esté basada en Stendhal, tuve la sensación que era su mundo materializado en una maravillosa película.

Recuerdo con enorme admiración El tercer hombre, que es mucho mejor que el original de Graham Greene, un texto bonito, pero la película es esplendida.

Los siete samuráis, que he visto media docena de veces con deslumbramiento. Es un verdadero western de tipo medieval adaptado al mundo japonés y que viví con el entusiasmo de una extraordinaria novela.

Admiro algunas películas de Berlanga, como Los jueves, milagro, o El verdugo, que son imposibles de convertir en literatura, porque ese tremendismo y ese humor negro no serían soportados por la literatura.

Río Bravo es una película que he visto muchísimas veces. , y entre las películas mas recientes, Apocalypse Now! me conmovió, tal vez porque soy un gran admirador de Conrad, y de El corazón de las tinieblas en particular. Es una adaptación no sólo genial sino fiel al espíritu de la obra siendo a la vez muy cinematográfica.

Es una marcada preferencia por las películas épicas.
Sí. Aunque el cine ha logrado describir el mundo interior, donde es imbatible es en el mundo exterior, y en la épica ha llegado donde muy pocas novelas han podido llegar. Precisamente por la materialidad, esa presencia tan próxima a la inmediatez que te puede dar una descripción cinematográfica.

(1) ¿Será tal vez ¿Quién mató a Palomino Molero? La asociación de ideas me viene de la semejanza entre sus imágenes iniciales: un cadáver expuesto en la plaza de un pueblo (R. Bedoya)

Ricardo Bedoya

Festival de Lima 2008 COMIENZA LA FIESTA DE LIMA

2008-08-07T14:17:00.000-07:00

Hoy comienza la fiesta del cine en Lima, el 12° Encuentro Latinoamericano de Cine, organizado por la Universidad Católica a través de su Centro Cultural que tendrá su ceremonia de inauguración a las 8:00 p.m. en el antiguo Cine Metro, donde se anunciaran las películas que este año estarán en competencia y disputarán por el Trofeo Spondyllus. Será ocasión, además, de presentar a los miembros que conforman el jurado de la competencia: Maria de Medeiros (Portugal), Marcelo Piñeyro (Argentina), Edouard Waintrop (Francia), Silvio Caiozzi (Chile), y Mario Vargas Llosa (Perú), quien preside el Jurado de la Sección Oficial de películas de ficción en competencia. Con motivo su participación en el Festival, se rendirá homenaje al reconocido novelista y este ofrecerá unas palabras de bienvenida. Se espera, además, contar con la presencia de la actriz colombiana Angie Cepeda, invitada especial al Festival, que protagonizó, en 1999, Pantaleón y las visitadoras, película basada en la novela homónima de Mario Vargas Llosa. La ceremonia culminará con la proyección de la primera película del Festival: La Zona, del cineasta mexicano Rodrigo Plá. Y hoy les entregamos algunas recomendaciones para ir al cine y vivir el festival.

Para el juves 7

7 CON PRESENCIA:

7:00 p.m. Cineplanet La Molina

FADOS
De Carlos Saura

7:45 Sala Roja CCPUCP
LUCES AL ATRADECER
De Aki Kaurismäki

8:00 p.m. Sala Azul CCPUCP
SHINE A LIGTH
De Martin Scorsese

8:15 p.m. Cineplanet Alcázar
12:08 AL ESTE DE BUCAREST
De Coreneliu Porumbolu

8:30 p.m. Cineplanet Alcázar
LA VISITA DE LA BANDA
De Eran Kolirin

10:15 p.m. Cineplanet Alcázar
ANGEL-A
De Luc Besson

10:30 p.m. Cineplanet San Miguel
LA SANGRE BROTA
De Pablo Fendrik

Mayor información sobre la programación en http://www.festivaldelima08.com/
(Información tomada de la página oficial del Festival de Lima 2008)

GANADORES CONACINE 2008

2008-08-07T00:45:00.000-07:00

Esta tarde, en una concurrida ceremonia, a sala llena, llevada acabo en la “Sala Azul” del Centro Cultural de la PUCP, se realizó la entrega de premios del “Concurso Extraordinario de Proyectos de Documental, para postproducción, para distribución y exhibición y Programa Ibermedia (primera convocatoria). La mesa principal del evento contó con la presencia de Rosa María Oliart Velarde (presidenta de CONACINE), Dr. Luis Gonzáles Posada (congresista), Econ. Johnny Peralta (congresista), Marilú Cossio de Gonzáles Posada (Comité de Damas), Mauricio Salas (Director de fomento de las Artes INC) Rosa María Álvarez-Gil (Presidenta del Jurado, Concursos de Postproducción y Distribución), Sonia Goldenberg (Presidenta del Jurado, Concurso de Documental) y como presentadora la actriz Vanesa Saba. A continuación la lista de ganadores (información tomada de cinencuentro.com).

Para post-producción: (S/. 180,000 cada uno)
EL PREMIO de Alberto Durant
PASAJEROS de Andrés Cotler
HERIDAS Y CICARTICES de Nilo Pereira
UN CUERPO DESNUDO de Francisco Lombardi

Para distribución: (S/. 35,000)
DIOSES de Josué Méndez

Acreedores de las ayudas de Ibermedia, en la modalidad coproducción, fueron los proyectos:
MI PEQUEÑO de Álvaro Velarde (US$ 100,000)
LA VIGILIA de Augusto Tamayo (US$ 90,000)
OCTUBRE de los hermanos Daniel y Diego Vega (US$ 80,000)
Además en la modalidad desarrollo:
DE AREQUIPA A LA LUNA de Álvaro Mejía. (US$ 8,000)

Los ganadores del concurso de proyectos documentales fueron: (S/. 70,000 cada uno)
UN TREN LLAMADO PERÚ de Rómulo Franco Ruiz-Bravo

EL CAMINO DEL INCA de Eduardo Cayo Chioino
SONIDOS VIVOS de Luis Quequezana Jaimes

Imágenes de la ceremonia y de los ganadores:

Festival de Lima 2008 MÁS DIOSES

2008-08-06T01:31:00.000-07:00

Acá más fotogramas, imágenes del rodaje y Josué Méndez junto a Stephen Frears. Según información de cinencuentro.com, las dos primeras funciones de Dioses ya están agotadas “Actualización [01 agosto]: Se han agotado algunas funciones más: las dos presentaciones de “Dioses”, del 8 y 11 en CCPUCP, estarán copadas. También “Leonera” de Trapero que se presenta el viernes 8 y “La mujer sin cabeza” de Lucrecia Martel para el domingo 10 ha agotado su aforo”. Ahora sólo queda apurarse, para adquirir una entrada para la función del jueves 14 a las 8:00 p.m. en Cineplanet Alcázar.

Festival de Lima 2008 DIOSES EN IMÁGENES

2008-08-05T23:24:00.000-07:00

Estas son los fotogramas oficiales de la película “Dioses” de Josué Méndez, que tendrá su premier mundial en el Festival de Lima, el viernes 8 a las 10:15 p.m. en la Sala Roja del Centro Cultural de la Pontifica Universidad Católica del Perú; y el lunes 11 a las 7:00 a.m. (hora peruana) lo hará en el Auditórium FEVI, en la sección “Competencia Internacional” en la 61° Festival de Cine de Locarno.
Clickear en cada imagen para verla en mayor dimensión.

Festival de Lima 2008 UNA MIRADA A LA COMPETENCIA

2008-08-03T05:24:00.000-07:00

Luego de algunas aclaraciones y a pocos días del inicio del Festival, procederemos comentar las películas, que componen la sección de competencia oficial de Ficción del Festival de Lima 2008, 12º Encuentro Latinoamericano de Cine organizado por la Pontificia Universidad Católica del Perú a través de su Centro Cultural y que se realizará del 7 al 15 de agosto.

En primer lugar hablaremos de la representación argentina, que es de lo más atrayente del festival, “Leonera” de Pablo Trapero y “La mujer sin cabeza” de Lucrecia Martel, dos conocidos por estos lares (hemos visto de ellos, “El bonaerense”, “Mundo Grúa”, “Familia rodante”(en la novena edición del Festival de Lima), la primera la mejor de todas; de la salteña Martel, la prometedora “La ciénaga” y “La niña santa”, ambos filmes vienen con el cartel de 'Selección oficial' de la última edición del Festival de Cannes, el más importante de los festivales. Ambas películas en su periplo festivalero en la Riviera Francesa, tuvieron una acogida dispar, “Leonera” conmovedor drama acerca de las mujeres encarceladas con sus hijos, recibió el aplauso de la prensa en su primera proyección, por su parte el thriller “La mujer sin cabeza”, fue abucheada en su primera presentación ante la prensa especializada en Le Palais des Festivals, pero de igual modo ambas son de visión obligada. Por Cannes 2008 también pasaron “La sangre brota” de Pablo Fendrik en la selección de la '47º Semana Internacional de la Crítica', con mejor acogida, donde recibió el Premio de la Critica Joven (sólo recordar “El asaltante” en festival pasado, entusiasma lo de Fendrik, hay que verlo) y “Liverpool” de Lisandro Alonso, otro conocido, que fue parte de la '40º Quincena de los Realizadores', que parece un poco más de lo mismo, de esta estética austera, en la misma perspectiva de “Los muertos” y de “Fantasma” vistas ya, en este mismo festival y a decir de su autor “Es la historia más triste que nunca filmé”, que no deja de ser interesante. “Cordero de Dios” de Lucia Cedrón, de quien la recordamos en uno de los segmentos del documental argentino “18-j”, no rondó por la Croisette, pero sí por los puertos de Rótterdam y otros festivales menores, además de ser presentada con éxito en el BAFICI 2008, y viene precedida de favorables comentarios de la prensa especializada. Sección Panorama en la 58º Berlinale, “La rabia” de Albertina Carri, la directora bonaerense nos presenta un drama ambientado en las pampas argentina, dejando atrás el documentalismo, Carri recordada porque el 2003 llevó a las pantallas el casi-documental, casi-autobiográfico “Los rubios” de gran valía por su originalidad.

Por su parte, de Brasil está en primer término, la poderosa e imprescindible “Tropa de Elite”, film impactante de José Padilha, su primer largo de ficción, el cual recomiendo sin dudar. Impresiona, por ser un relato cargado de realismo brutal, de esa represión policíaca desmedida, de una violencia que abruma; de ese lado oscuro, el de las favelas, lejos del sol y playa, donde los narcotraficantes hacen de bunker impenetrables las montañas de la periferia de Río de Janeiro. Polémica desde su estreno, siendo acusada de ser una cinta de carácter fascista. Producción que fue galardonada con la máxima distinción, el 'Oso de Oro' en Festival de Cine de Berlín (Berlinale 2008). “Mutum” de Sandra Kogut, que fue la película que clausuró la 'Quincena de los Realizadores' de Cannes, el año pasado, dejando una muy buena impresión. Historia del mundo de los adultos, vista a través de la mirada de un niño, ambienta en el sertão y basada basado en el libro “Campo Geral” de João Guimarães Rosa, gran escritor brasilero, casi olvidado y hoy revalorizado. De Beto Brant y Renato Ciasca, su segundo trabajo en dupla, pero está vez un largometraje “"Cão sem dono", en español 'Perro sin dueño', que nos promete una actuación bastante sólida de Tainá Muller y un guión consistente, Brant ya ha realizado cuatro largometrajes, donde destaca “Crimen delicado”, a diferencia de Ciasca que es su primer largo. Y por último “Ainda orangotangos”, película del brasileño Gustavo Spolidoro, que tiene como particularidad los dos planos secuencia de 40 minutos cada uno, que quieren parecer uno de 80, que son solamente un día común en cualquier ciudad (en este caso Porto Alegre), interesante propuesta en digital, que ha recorrido diversos festivales ya, como el BAFICI o el de Rótterdam.

Premio FIPRESCI (Federación Internacional de Prensa Cinematográfica) en Festival de Rótterdam 2008, formó parte de la sección Tiger Awards Competition, con ese formula de mostrar lo ordinario, de la soledad en un espacio determinado y distante, que ya lo habíamos experimentado con el documental “El tiempo que se queda” del 2007, que es la visión casi estática de la vida en un día cualquiera, dentro de un nosocomio psiquiátrico, donde el tiempo pasa, eso y nada más que eso, esperemos que “El cielo, la tierra y la lluvia”, se algo más, y que no sea sólo, la modesta mirada contemplativa de la naturaleza y la humanidad inexpresiva del director chileno, José Luis Torres Leiva. Más atractivo a priori, en mi opinión “Tony Manero” de Pablo Larraín, que dio muestras de un talento en ascuas en su ópera prima “Fuga”. En la '40º Quincena de los Realizadores' de Cannes, recibió una calida acogida. En esta, la nueva cinta de Larraín, trata la despersonalización, de un cincuentón que se obsesiona con ser como el personaje de Saturday Night Fever y así escaparse de la realidad opresiva, en años de la dictadura pinochetista. Otra vez el tópico del escape fuera del contexto, de personajes perturbados, esta vez ya no es la búsqueda de una melodía, sino en la búsqueda de ser otro. Esperemos que la última cinta de Larraín sea más profunda y versátil que su antecesora.

Lo que viene de México también es bastante atractivo. Comenzaremos con el film “Los Bastardos” de Amat Escalante, que tiene como productor a Carlos Reygadas, a través Mantarraya Films. Es el mismo director de la radical “Sangre”, que dividió opiniones a su paso, con su estilo “a lo Reygadas” de planos secuencia interminables, cámara fija, tiempos muertos, Escalante en su ópera prima nos entregó una propuesta estética arriesgada (se presentó en la 10º del Festival de Lima). Por su parte la prensa especializada luego del estreno de “Los Bastardos”, la calificó como una visión impactante de los emigrantes mexicanos indocumentados en Los Angeles. Dicho film formó parte en la sección oficial de 'Una Cierta Mirada' del 61° Festival de Cannes, y vale la pena verla. Además cuenta como montajista con el turco Ayhan Ergürsel, montador en todos los filmes de Nuri Bilge Ceylan (director de “Los tres monos”, “Los Climas”, “Distante”, “Nubes de mayo”). Fernando Eimbcke ganador del premio Alfred-Bauer en Festival de Internacional de Berlín 2008 por “Lake Tahoe”, quien en el Festival de Lima 2006, presento su opera prima, “Temporada de patos” una película con tantos aciertos como desaciertos, desde ese blanco y negro, con esos diálogos muchas veces precisos entre cuatro personajes (lo mejor) y una puesta en escena austera que para sus propósitos es efectiva y llamativa a ratos. “Lake Tahoe”, luego de ser invitada a la Semana Internacional de la Crítica de Cannes 2008, por ser revelación FIPRESCI del año y ganar el premio a Mejor Director en el Festival de Guadalajara 2008, y llega al Festival de Lima, y que en lo personal tengo mucha expectativa en esta película.

“Dioses” de Josué Méndez promete, después de “Días de Santiago,”, donde el director peruano se mostró como una grata sorpresa con su propuesta cinematográfica, que fue galardonada con 30 premios internacionales; ahora después de cuatro años, llega con esta coproducción peruana, francesa, argentina y alemana, que cuenta con el asesoramiento del reconocido director británico, Stephen Frears (que dirigió “The Queen” con seis nominaciones al Oscar, destacando la brillante interpretación de Helen Mirren como la reina Elizabeth II de Inglaterra, “Mrs Henderson Presents”, “High Fidelity”, “Dangerous Liaisons” entre tantas otras), gracias a la Beca Rolex (The Rolex Mentor and Protégé Arts Initiative). “Dioses” aborda el tema del aislamiento de las clases altas del Perú contemporáneo. Recientemente incluida en la selección oficial - Competencia Internacional del 61° Festival de Locarno, donde hará su premier mundial y también selecconada en el Festival donostiarra de San Sebastián. Y que cuenta con la actuación del propio director del Festival de Lima, Edgar Saba. De “El acuarelista”, del también director peruano, Daniel Ró (Rodríguez) quien ha realizado solo dos cortometrajes anteriormente, y que tiene como coguionistas a Álvaro Velarde (“El Destino no tiene favoritos”) y al catalán Eduardo Mendoza, se sabe poco, de esta su ópera prima. Destacan en su reparto reconocidos actores peruanos como Miguel Iza en papel principal, Enrique Victoria, Patricia Pereyra y Salvador del Solar.

Festival de Lima 2008 OPERA PRIMI E FINE DELLA STORIA

2008-08-02T01:31:00.000-07:00

Para ponerle punto final a este tema, que se puede prestar a confusión, diremos, que el término “ópera prima” préstamo del idioma italiano (opera prima, sin tilde), procedente del latín, que quiere decir, primera obra o trabajo. “Ópera” en solitario, es una designación que es más recurrente en la música en su versión teatralizada. Llevado a lo cinematográfico, dicha expresión sirve para designar a la primera película de largometraje de un director, “the first work” si lo quieren en inglés; ya sea, por ser la película de ficción, documental, animación o musical debut de un realizador, o por ser, la obra que por su trascendencia lo da a conocer a un director novel. Por eso, es un acierto de la página oficial del Festival de Lima designar a: “Ainda Orangotangos” de Gustavo Spolidoro, “Satanás” de Andrés Baiz, “Perro come perro” de Carlos Moreno, “Personal Belongings” de Alejandro Brugués y “El Acuarelista” de Daniel Ró, con dicho rotulo; además de la película brasilera, “Cão sem dono” de Beto Brant y Renato Ciasca, que es ópera prima a medias, porque en el caso de Brant no es su primer largo; por decirlo menos, compitió en la sección oficial de 'Películas de Ficción' de este mismo festival en su décima edición, con su “Crime Delicado” (Brasil, 2005; donde fue galardonada con el premio a Mejor Actriz, Lilian Taublib, compartido con la chilena Blanca Lewin por “En la cama” de Matías Bize (Chile-Alemania, 2005)); en el caso de Ciasca, sí es su primera obra de larga duración. Un desacierto sí es llamar ópera prima a “El cielo, la tierra y la lluvia” de José Luis Torres Leiva, recordar tan solo, la edición anterior de este mismo festival, donde presentó su documental “El Tiempo que se queda” (Chile, 2007), filme que por cierto, contraviniendo la opinión general en lo personal no fue de mi agrado. Lo de “Tropa de Elite” y “Mutum”, ya ha sido comentado con precisión y certeza. De seguro la corrección será pronta de parte de la organización.

Festival de Lima 2008 ACLARACIÓN PERTINENTE

2008-07-30T16:06:00.000-07:00

Luego de una búsqueda de información más exhaustiva acerca de cada una de las películas del Festival de Lima 2008, y precisamente en la sección competencia Oficial de Ficción, confirmé una duda, acerca de la condición de ópera prima de “Tropa de Elite”, al recordar su autor, José Padilha, como director del valioso documental “Ônibus 174” (Brasil, 2002) que se presentó en la 8º edición del Festival Elcine, hoy Festival de Lima, entre otros festivales donde tuvo un paso ganador, como el de Rótterdam o el de La Habana. Si bien “Tropa de Elite” es su primera película de acción dramática, no es la primigenia de Padilha. Por su parte, el caso de “Mutum”, de Sandra Kogut tampoco lo es, sólo cabe recordar que “Um Passaporte Húngaro” (Brasil-Francia-Bélgica, 2001) fue nominada a Mejor Largometraje Documental 2004 por la Academia Brasilera de Cine (Première Brasil - Festival de Río, Festival de Brasilero en Israel, Panorama Recife). Cabe señalar que en la página oficial del Festival de Lima 2008, consigna aún como Óperas primas a las películas anteriormente mencionadas. Inexactitud que se ve reflejada en la entrada: SE VIENEN DÍAS DE FESTIVAL (…Sección Competencia, pero en donde la presencia de óperas primas son sólo tres.) por lo cual pedimos las disculpas del caso y la rectificación oportuna en esta entrada.